■ Cinebulosa ■

Crítica de: Planet 51

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 23 Nov 2009 23:36:00 +0000

Planet 51 ( * * )

Planeta plano

Bastaría decir que la sombra de Pixar y Dreamworks es demasiado alargada, para resumir en un primer análisis y en pocas líneas esta ambiciosa comedia de animación española, que se centra en un curioso Planeta de alienígenas que se ven “invadidos” por un no menos curioso astronauta norteamericano. En este sentido, la película recrea unos idílicos años 50 transportados a otro planeta y con evidentes similitudes de la misma década en aquellos Estados Unidos. Pequeñas referencias a películas míticas de aquel país, resultan en ciertos momentos agradables y se antojan como pequeños y humildes homenajes.

Sería imposible en cualquier caso hacer una justa valoración sin considerar los dos aspectos fundamentales que sobresalen (para bien y para mal) en esta película de alienígenas.

En primer lugar, e indudablemente lo primero que aparece ante nuestros ojos es la técnica empleada. Para crear este largometraje de animación con evidente vocación internacional, se ha empleado una tecnología específica para competir al más alto nivel con los principales estudios de animación internacionales. Un intenso trabajo de siete años que tiene sus frutos en imágenes agradables, fluidas, simpáticas, entrañables pero pocas, muy pocas veces espectaculares o visualmente impactantes como se debiera esperar de ella. Es evidente que hay un enorme trabajo detrás de cada fotograma, pero el conjunto final echa en falta un paso más que hubiese conseguido resultados más soberbios. Los personajes no están mal caracterizados y pueden resultar en ocasiones interesantes, pero en una visión global adolecen de algo más de imaginación a la hora de desarrollarlos y darles vida.

El segundo aspecto, y quizás el más importante es el guión. De la mano de un peso pesado como Joe Stillman (co-guionista de Shrek y Shrek 2) lo más suave que se puede decir de él, es que resulta en todo momento decepcionante. Desde su predecible inicio, todo se mueve al compás de elementos ya conocidos, escasos giros narrativos, y una exagerada pretensión de gustar a todos de la manera menos arriesgada, lo que se traduce en un producto con muy poca valentía. Poco original en casi todos sus planteamientos, y con la sombra de Pixar (Wall-E) y Dreamworks (Shrek) planeando una y otra vez, a veces de manera casual y a veces de manera –sorprendentemente- pretendida. Cuesta creer que en siete años no se haya podido cuidar mucho más este aspecto tan esencial en el actual cine de animación, y nadie haya sido capaz de conseguir una verdadera comedia con ingeniosas secuencias divertidas. Si la intención inicial era “elaborar un guión genial”, como así se ha declarado, es evidente que estamos ante un rotundo fracaso.

A pesar del corto metraje que han decidido presentar (escasa hora y media) hay momentos donde el tedio sobrevuela peligrosamente por la atmósfera, y donde nunca se llega a alcanzar un cota digna de mención y que se impregne en el recuerdo como sucede con otras películas de estilo similar.

Por tanto, un más que aceptable desarrollo técnico que dejará buen sabor de boca en líneas generales a los amantes a este tipo de cine pero envuelto en un poco elaborado y escasamente original guión que dejará un agrio sabor de boca a los amantes de buenas historias en las que pasar un rato algo más que entretenido. Porque esto último (ligeramente entretenida) y no mucho más es lo que mejor se puede destacar de un producto que se creó con muchas ambiciones, pero que en ningún caso y a día de hoy, puede competir con los grandes pesos pesados de este género, que dicho sea de paso vive un momento muy dulce.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Un lugar donde quedarse

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Tue, 17 Nov 2009 00:53:00 +0000

Un lugar donde quedarse ( * * )

American -low- beauty

Hay dos características esenciales que destacan en el interesante cine de Sam Mendes y que le definen con discreción. Por un lado, el enorme peso que debe soportar, -y que afronta con dignidad- a raíz del éxito de su ópera prima y ciertamente sobrevalorada “American Beauty”, por la que recibió un Oscar hace diez años. A partir de aquella se espera demasiado de sus películas, y generalmente y también por este motivo, suelen resultar en ocasiones decepcionantes (Jarhead) en un exhaustivo y crítico visionado. La segunda característica es su capacidad de adoptar un guión bien estructurado, y otorgarle un ligero y genuino sabor de autor que puede o no dejar indiferente, pero que en líneas generales aguanta el paso del tiempo con una dignidad impropia y sin pretensiones enmascaradas de falsa trascendencia.

En esta ocasión, el cineasta inglés vuelve a modelar personajes, adoptar pensamientos y comportamientos de los mismos, y hacerles bailar al son de una comedia que pretende atrapar el lado más extravagante del género humano y a su vez mostrar sus debilidades más íntimamente escondidas.

Una convencional pareja (inevitable la comparación con su anterior “ Revolutionay Road”) que van a ser padres en breve llegan a la precipitada conclusión de que sus vidas carecen de raíces, y que su lugar lejos de haberlo encontrado, se encuentra aún por descubrir. De esta manera, el atractivo guión de Dave Eggers y Vendela Vida se divide en curiosos capítulos con el nombre del lugar donde pretenden quedarse (Denver, Phoenix, Tucson, Madison, Montreal, Miami…) y que irá motivado por la presencia de algún familiar o amigo a cuál más excéntrico y que centrará por unos minutos la atención del espectador para devolverla finalmente a la pareja protagonista (John Krasinski y Maya Rudolph), que si bien demuestran tener buena química, no terminan nunca de convertirse en una pareja poderosa que pudieran por sí solos mantener en pie la película. En general aciertan en sus simpáticas interpretaciones, pero se les hecha en falta algo más de atrevimiento frente a la cámara. Como secundarios podemos destacar en un inicio a Jeff Daniels como padre atípico, y a una Maggie Gyllenhaal que nos regala algunos de los momentos más divertidos de la película.

Atípica y desigual “semi-road movie” que traslada muchas de las inquietudes cinematográficas de Sam Mendes y que nos proporciona tantos ratos divertidos como momentos planos e irregulares y que se embarca con valentía en un viaje sin retorno en busca de una convencional felicidad, y con un abanico de extraños personajes que mantendrán el interés (con más o menos acierto según se corresponda) sin demasiadas complicaciones, quedándose en muchas ocasiones sin combustible cuando el citado viaje pareciese entrar en su momento más trascendental.

Mendes tira de oficio, maneja con seriedad un elegante guión y nos entrega un elaborado producto, donde la imagen se cuida como en él es habitual y donde pese a las debilidades narrativas se confirma como un cineasta solvente y de maneras contrastadas, al que por ello precisamente se le debe exigir más carga dramática aún en su enfoque tan irónico, y al que se le debe reclamar una más elaborada y estricta mirada social dentro de esa inquietud que consiste en presentar incómodos espejos a personajes envueltos en egos insustanciales.

Queda mucho por descubrir en un director con ambiciones, que de momento nos deja una entretenida y discreta comedia de factura desigual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: 50 hombres muertos

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 11 Nov 2009 01:52:00 +0000

50 hombres muertos ( * * )

La historia del lobo infiltrado

Cuando una película acierta plenamente con el título, por su ingenio y contundencia, (si obviamos la nefasta e incorrecta traducción) qué duda cabe que ya tiene un primer paso asegurado, aunque sea ínfimo. Pero evidentemente eso no lo es todo, y un film que apuesta por mostrar algunos de los entresijos del IRA necesita toda una serie de elementos que vayan conformando un oscuro clímax de tensión e intriga, como lo consiguiese en algunos momentos “Lobo” de Miguel Courtois (si exceptuamos las nefastas interpretaciones de algún secundario) aunque le faltase a aquella más empuje para haber logrado ser un referente.

En esta “50 hombres caminando” también se concentra la trama en un topo, infiltrado o “lobo” que debe colaborar a evitar muertes inocentes a cambio de dinero, y -quizás en su foro interno- limpieza de conciencia.

El problema surge cuando desde un comienzo todo se plantea sobre un escenario de escasa autenticidad. Tanto en la manera de infiltrarse, como en la de abrirse camino, como en la de irse desmarcando, no encontramos los argumentos necesarios para que la historia se nos muestre con su cara más sincera, y sin cicatrices rítmicas que anulan la complejidad de un entorno que debiera ahondar entre lo político y lo irracional y que finalmente se estrella frente a paredes de incomprensión y muros de incredulidad. No ayuda a lograr un ambiente adecuado la sobria pero poco acentuada interpretación de Jim Sturgess, siendo en cambio el trabajo de un maduro y ejemplar Ben Kingsley lo más sobresaliente y destacable en una película que supone un nuevo intento de profundizar en el oscuro y complicado mundo de una banda terrorista.

A lo largo de los años, no pocos directores han logrado con éxito dispar, atrapar el clima apropiado en el que envolver el mundo del IRA. “En el nombre del padre” de Jim Sheridan sea quizás la más popular y la que mayor huella ha dejado tanto por su célebre interpretación de Daniel Day-Lewis como por su calidad fílmica y la conmoción que logra. Pero no podemos olvidar títulos como “Juego de lágrimas”, “Michael Collins”, “Cal”, “Omagh”, “En el nombre del hijo”, "Bloody sunday".... Todas ellas con una encomiable intención de indagar y exponer un particular modo de vida, pero que quizás adolezcan en muchas ocasiones de quedarse a las puertas de haber conseguido una mayor cota de intenso análisis, y alta capacidad emotiva para llegar con absoluta suficiencia al corazón del espectador, tal y como sucede también con la película que nos ocupa. Recientemente "El viento que agita la cebada" de Ken Loach supuso un soplo de aire fresco de realismo (auténtica habilidad de Loach) en un complicado tema en este caso en sus raíces.

Kari Skogland nos ofrece un interesante relato basado en hechos reales, que busca en todo momento la complicidad y comprensión del espectador pero que erra al acariciar momentos de frialdad y situaciones de poca gama narrativa. La película se sigue con suma facilidad, entretiene con cierta destreza, pero se queda con las ganas de dejar en la sala a cincuenta –o más- espectadores impactados.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: The Box

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Thu, 05 Nov 2009 15:39:00 +0000

The Box ( * * )

Caja hueca

Es una lástima que una película que comienza de manera tan intrigante, y que a lo largo de los primeros minutos te mantenga con cierta tensión y un ligero suspense, luego se vaya diluyendo como un azucarillo en vaso de leche, y deje un sabor de boca tan desabrido.

La aparición de una extraña caja, traída por un señor en coche negro, y sin mecanismo aparente, se convierte en todo un acontecimiento en una típica familia “marido encantador, mujer responsable, e hijo adorable”. La llegada de un -más extraño todavía- sujeto explicando que si aprietan el botón de esa caja ganarán un dineral pero morirá una persona que no conocen, consiguen crear un acertado clima de incertidumbre atrayente, y uno no sabe todavía si está ante un thriller de suspense o de ciencia ficción.

Por desgracia, y conforme se van atando los cabos (dejando unos cuantos sueltos) la historia se deshace a marchas forzadas, y lo que en un principio parecía un intrigante relato, poco a poco se va transformando en un infantil cuento que bebe de “The twilight zone” e intenta destacar con mal cogidos retazos surrealistas.

La simplicidad de la historia no sería un obstáculo del todo relevante, si los diversos desenlaces no estuviesen tan agotados y no supusiesen un vano intento por construir un enigma de frágil factura. Todas las explicaciones se vuelven monótonas, y lo peor es ver aparecer al temible fantasma del aburrimiento en algún pasaje de un metraje que pudiera haberse estrechado en el rodaje, y haber ganado algún entero con alguna que otra imágen de marcado tono espectacular.

La aparición constante de Cameron Díaz, como indudable gancho comercial nos deja una interpretación sosa, convencional y en absoluto acorde con el nivel de suspense que se pretende, lo cual no deja de ser otro error en la elección de una actriz que no aporta nada más que su ya consabida belleza. Del mismo modo, su pareja protagonista James Marsden tampoco logra nunca el tono deseado.

Si esta “The Box” se hubiese configurado a modo de serie en tan sólo dos capítulos, estaríamos hablando de un primer acertado, intrigante y esperanzador capítulo inicial, y un decepcionante, pueril, y lineal capítulo final. Lo cuál en líneas generales, nos deja ante un producto con la mera intención de entretener que no termina de lograrlo de manera intensa en ningún momento.

Alguna que otra interesante referencia a Sartre, una sencilla metáfora en torno a las cajas, una aceptable interpretación de James Marsden, y un estimable intento por crear algo novedoso, pudiera salvar esta cinta de acabar en la caja del olvido, o lo que es peor, en un hipotético cajón desastre de películas fallidas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: A la deriva

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 04 Nov 2009 02:07:00 +0000

A la deriva ( * * )

Circunstancial área de servicio

La adaptación de obras teatrales o de textos catalanes es una de las mayores aficiones y por qué no decir, cualidades de Ventura Pons. En este caso, el libro “Area de server” de Lluis Antón Baulenas, será el marco perfecto a través del cual el director encontrará la ventana adecuada para mostrarnos todo un imaginario bohemio de personajes sin raíces, futuro indefinido o simplemente sin ambiciones.

La historia gira en torno al personaje principal (Anna) llegada de Africa donde ha trabajado como enfermera en una ONG y de vuelta a una vida cotidiana, muy diferente a la llevada anteriormente y con un giro radical de valores, visión de la vida y un arsenal de sentimientos contradictorios. Anna vivirá a partir de entonces en una caravana que desde un pintoresco camping se desplazará a un área de servicio donde echará alguna raíz, que junto a su trabajo de seguridad en un hospital psiquiátrico la darán a conocer nuevas vidas, nuevos amores, o deseos, y un suelo social más o menos habitable. María Molins se encargará de dar vida a este complicado personaje y lo hará con oficio y singular capacidad para otorgarle una eficacia necesaria y a la postre uno de los mayores valores de la película.

Qué duda cabe que nos encontramos ante una historia eminentemente de personajes. Cada uno con su vida personal enjaulada en un halo de misterio que Pons se encarga de potenciar y promover. Un misterio, que si bien en muchas ocasiones se agradece y se contempla como un punto positivo en el mencionado juego de personajes, en esta ocasión consiguen que la historia alcance cotas de estrechez poco deseables y se quede encerrada en un universo de incógnitas nada apetecible y poco evocador. El comentado personaje de Anna es probablemente el mejor construido, pero hubiese sido necesario un mejor enfoque de unos secundarios que se antojan significativos y que debieran aportar un mayor potencial descriptivo en una historia que se presenta como interesante en un principio y que no puede evitar verse diluida en un mar de excesivas intrascendencias y en un cristal de inevitable contemplación traslúcida. Tampoco ayuda la esperpéntica aparición de Boris Izaguirre haciendo de sí mismo, en un personaje perfectamente prescindible ni la insulsa aparición de Arcadi como contemplador atónito de escenas sexuales, del que poco jugo ha podido sacar el excelente actor Fernando Guillén.

La capacidad de Ventura Pons de fabricar o adaptar historias nos deja verdaderas obras interesantes y otras como esta película veintiuno de su carrera, que desemboca en una incertidumbre poco nítida y en un mundo bohemio y abstracto poco pulido y falto de un necesario marco emocional adaptable y conciso.

A pesar de esto, es una película que se deja ver, y que como poco no deja mal sabor de boca.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Celda 211

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Fri, 30 Oct 2009 02:17:00 +0000

Celda 211 ( * * * * )

Intenso motín carcelario

Qué duda cabe que el cine español atraviesa por una fase de esplendor en cuanto al género de terror se refiere. Una estupenda generación de directores se lanza con descaro y con sello personal a la búsqueda de la reinvención del género, y de paso la posibilidad de una aventura americana que les aporte solidez internacional. No ocurre lo mismo –de momento- con géneros como el thriller, donde la película que nos ocupa supone una agradable excepción a producciones por lo general sin mucho ingenio y menos oficio.

“Celda 211” es un extraordinario thriller acerca del drama carcelario. Y lo es principalmente porque Daniel Monzón maneja el género con soltura, atrevimiento y sobre todo mucha eficiencia. Si ya en películas anteriores, como “El corazón del guerrero” o “La caja Kovak” había dado muestras sobradas de su capacidad, con esta película se consagra como un excelente cineasta, y le abre las puertas de su proyección internacional.

Toda la historia (basada en la novela de Francisco Pérez Gandul, y estupendamente adaptada por el mismo Monzón y el guionista Jorge Guerricaechevarría) transcurre alrededor de un motín carcelario, en que se verá envuelto por error un funcionario al que no le quedará otra que hacerse pasar por preso para salvar su propia vida. Monzón se servirá de esta circunstancia para analizar el instinto de supervivencia humano desde un triple enfoque. Por un lado el puramente carcelario; los presos que lucharán por conseguir reivindicaciones que les permita una subsistencia más asequible en la propia cárcel. En este sentido, tendrán como representante al que supone uno de los personajes más fascinantes de los últimos años: Malamadre. Soberbiamente interpretado por Luis Tosar, este preso será el eje principal que moverá todo en entramado carcelario y su personalidad nos conducirá a todas las posibles opciones que la película plantea. Personaje rudo, sincero, y con un mundo interior por descubrir o aventurar, junto a unos compañeros de viaje a cuál más pintoresco (gran trabajo de Carlos Bardem). Como segundo enfoque tenemos al funcionario Juan Oliver (muy bien interpretado por Alberto Ammann) que por error se verá envuelto en una situación comprometida, y que su lucha será por proteger su propia vida. Para ello tendrá que fingir, sobreactuar, sufrir y liderar con el fin de conseguir respeto, posición y alguna opción viable para acabar con ese drama personal. Finalmente y como enfoque si cabe más importante tenemos a la gente de fuera: funcionarios, policías, políticos, periodistas, etc. Todos buscando sus propios intereses, y la salvaguarda de su estatus social y laboral, derribando cualquier tipo de obstáculo que interfiera su camino. En este plano nos encontramos con un excelente elenco de actores secundarios (destacando Antonio Resines) que aportarán la misma autenticidad que la historia mantiene en todo momento.

Además de este acertado y tenaz análisis de la naturaleza humana, Monzón aprovechará también la complicada situación del funcionario protagonista, para crear en torno a él, un emotivo encaje narrativo acerca de su mujer y futuro hijo, añadiendo las necesarias páginas dramáticas a una historia que alcanza por momentos niveles de excelencia.

Por último, y no menos importante, es imprescindible señalar los dos grandes bastiones sobre los que se sustenta esta magnífica película. Y es que nada de esto tendría su excesiva relevancia, si no estuviésemos hablando de un estupendo trabajo de género con mayúsculas. Un elaborado, intenso y monumental thriller que tiene la virtud de mantener un elevado tono a lo largo de todo el metraje, y que tiene la capacidad de intensificarse sin vacuos excesos, consiguiendo llegar a una explosión fílmica final de la manera más razonable, sin restarle ni un ápice a la espectacularidad.

Mención aparte, y como segundo gran valor de la película, supone la magistral interpretación de un Luis Tosar que si ya había dejado claro su capacidad interpretativa en magníficos papeles anteriores, con este se matricula “cum lauden” con todos los honores. La transformación lograda (incluso en la voz) para conseguir otorgar credibilidad al complicado personaje de Malamadre es asombrosa, y esa maestría a la hora de ofrecernos dos caras, la bruta y la sensible, de un presidiario sin aparentes escrúpulos es sencillamente extraordinaria.

El cine español está de enhorabuena con la que probablemente sea una de las sensaciones del año, y con la que tardaremos en olvidar el número de aquella celda tan inquietante.

Impacta, sobrecoge, entretiene, conmueve e impresiona. Puro thriller, del más alto nivel.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Home ¿dulce hogar?

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 28 Oct 2009 15:21:00 +0000

Home ¿dulce hogar? ( * * * )

Road movie invertida

Cuando uno está acostumbrado a un tipo de vida concreto, perfectamente estructurada y asumida, por muy extraña que pudiera resultar a ojos de los demás, cambiarla de la noche a la mañana, puede resultar violento, y acercarse a lo que podríamos llamar un shock cercano a la quiebra de la rutina. A grosso modo, Ursula Meier -que debuta en la dirección con esta película- pretende enfocar este desequilibrio, además de otros muchos factores relativos a la existencia –cotidiana o no- humana.

Cuando la familia protagonista, acostumbrada a vivir en una solitaria casa de una retirada villa rural ve cómo se construye una autopista cerca, su mundo cambiará para siempre. Será entonces cuando fluyan todos los miedos, rechazos y contradicciones que habían estado escondidos durante mucho tiempo. La rotura de la armonía desempolvará la crudeza de una realidad a la que no se había prestado atención. Cada miembro de la familia aportará su particular punto de vista y su consiguiente vía de escape a la nueva e inesperada situación.

La película atraviesa tres estadios claramente diferenciables y a su vez con su particular importancia. En primer lugar tenemos el estadio inicial, donde el devenir de la familia transcurre de manera apacible y rutinaria, en un clima de paz y reservada alegría. Olivier Gurmet, con una interpretación adecuada, logrará ser el padre-eje que conecta la realidad con lo efímero. Con la llegada de la carretera, tenemos un segundo momento donde cabe tanto la perplejidad como la decepción y que va a ser el origen mismo del drama que se va fraguando y que irá despejando dudas y desenmascarando ficciones utópicas. El tercer y último momento, sin duda el más interesante, será el que como consecuencia de todo lo anterior, desemboque en un estallido de sentimientos encontrados. Una extraña mezcla de soledad que va dando paso a la desesperación y que se transforma por momentos en una inesperada impotencia, que vendrá perfectamente interpretado de la mano de Isabelle Huppert.

Todo ello conforma lo que sin duda es un ejercicio reflexivo y metafórico de una sociedad que en momentos puntuales puede llegar a asfixiar. En este sentido Ursula Meier se encarga de retratarlo casi de manera literal: una insolente falta de oxígeno como símbolo de ese indiferente ahogo social y un exceso de alquitrán como símbolo de la suciedad que contiene todo lo que pretende imponerse a base de fuerza. El asfalto, el alquitrán van absorbiendo poco a poco y sin ningún tipo de escrúpulos la unidad y el cariño que hasta ese momento había existido, hasta ahogar metáfora y literalmente la concordia familiar.

Una película que permite momentos entrañables, alguno divertido y una controlada intensidad dramática suficiente para obtener un punto de necesaria complicidad por un lado, y lógica perplejidad por otro.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Sympathy For Lady Vengeance

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Tue, 27 Oct 2009 12:45:00 +0000

Sympathy For Lady Vengeance ( * * * * )

La venganza en formato de lujo estético.

La venganza es uno de los platos más apetecibles para servir por directores con un marcado acento protagonista. En este caso Chan-Wook Park cierra toda una trilogía acerca de este aspecto con esta esplendorosa película.

Dos historias entrelazadas, viajes de flash-backs perfectamente adaptados, una historia ligeramente compleja pero de fácil seguimiento y sobre todo una estética y calidad visual que destaca sobre todo lo anterior.

El director coreano se divierte y nos hace disfrutar con ello en torno a una interesante historia, envuelta en un impactante decorado y con una interpretación magnífica a cargo de Lee Young-ae conforman una impactante película con la venganza nuevamente como telón de fondo y como eje principal de todo el argumento.

sergio_roma00@yahoo.es

Pregunta digital a: Jaume Balagueró y Paco Plaza

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 26 Oct 2009 16:41:00 +0000

Con motivo del estreno de la película "REC 2" tuve oportunidad de hacerles una pregunta a sus directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, en el Encuentro Digital organizado por "El Mundo".

Pregunta nº 5

Hola Jaume y Paco. Hay que reconocer que la primera entrega de REC fue un "bombazo" cinematográfico, ¿creeis que esta segunda entrega puede mantener la capacidad de sorpresa y sobre todo aquella intensidad? Muchas gracias

Esperemos que sí. Hemos intentado introducir el ésta muchas novedades y giros inesperados. Ya nos dirás.

Leer Encuentro Digital

Leer Crítica de REC 2

Crítica de: Edén al oeste

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Thu, 22 Oct 2009 01:08:00 +0000

Edén al oeste ( * * * * )

En busca del paraíso artificial.

Si algo ha demostrado Costa-Gavras a lo largo y ancho de su filmografía es su capacidad para remover conciencias. Su cine, siempre comprometido, ha tocado palos diversos, y especialmente delicados. Todo estamento en situación de abuso, o toda situación de injusticia ha sido analizado bajo la lupa de un cineasta con principios; un intelectual con valores.

En esta ocasión, el cineasta franco-griego se adentra en las turbulentas y farragosas aguas de la inmigración ilegal. A través de la mirada y desventuras de un inmigrante que llega a las costas de Occidente, Costa-Gavras nos ofrece toda una sucesión de, en general, dramáticas situaciones por las que debe atravesar el joven para conquistar un trozo de paraíso. Precisamente aquí (en el Paraíso-Hotel) es donde comienza su andanza, y a modo de road-movie (en auto-stop) viajaremos a rincones sin escrúpulos, conoceremos la maldad encubierta y la indiferencia más abrupta, y también por supuesto compartiremos con este joven inmigrante la impotencia ante la dificultad que tiene él y cualquier otro por formar parte de nuestro particular edén occidental. Siempre claro, con derecho de admisión. Este inicial Hotel de lujo hará las veces de sensacional metáfora, que abarca desde las paraísos artificiales en los que se sumerge el adinerado hombre occidental, hasta la incapacidad de afrontar la cruda realidad una vez se tiene delante de las narices.

Uno de los grandes aciertos de la película, está sin duda en la elección de Riccardo Scamarcio para este papel tan complicado. La mezcla de ingenuidad, picardía y ternura junto con una particular belleza conseguirán un realismo meritorio, y una complicidad con el espectador fascinante. El trabajo interpretativo es palpable, así como el de documentación y experiencias aportadas, dando a todo el marco fílmico un empaque dramático adecuado y en muchas ocasiones emotivo.

La historia engancha desde un primer momento, no pierde nunca interés y va ganando enteros a lo largo de la narración como buena historia relatada. Sin olvidar un deje de amarga comedia, se centra principalmente en ocupar los mayores huecos posibles de compromiso y denuncia. Las críticas, a veces directas y a veces encubiertas estallan aquí y allá sin desarmonizar la historia, sino más bien enriqueciéndola. Todo un ejercicio de maestría tanto en narración como en capacidad de reflexión.

La sociedad actual retratada a través de la siempre reveladora mirada de un cineasta que punto puntos en íes y encuentra un cauce adecuado a través de sus imágenes por el que materializar sus ideas y especialmente su visión de un mundo que se acerca peligrosamente a límites de indiferencia social y humana.

Notable y entretenida historia, en la que nos sentiremos como un compañero de viaje, de un pasajero con el billete más complicado de adquirir.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Yo también

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 14 Oct 2009 13:18:00 +0000

Yo también ( * * )

En busca de la normalidad

¿Puede una persona con Síndrome de Down desarrollar una vida lo más normal posible en una sociedad tan cargada de barreras (especialmente morales) como la nuestra? ¿Pueden llegar a entablar una relación sentimental con una persona “normal”? En estos y otros aspectos similares intenta profundizar tanto esta película como el anterior cortometraje “Uno más, uno menos” dirigido también por Antonio Naharro y Alvaro Pastor. Ya en este mencionado corto de 20 minutos se observa una decidida pretensión de mostrar la enfermedad del Síndrome de Dawn desde una perspectiva diferente, ahorrándose detalles minúsculos para acomodar la pantalla a la delicada situación social que tienen que hacer frente estas personas. Buscar puntos de normalidad donde la convivencia se configure de manera natural, y no premeditada. En “Yo también” existe una cierta línea continuista respecto a estos dilemas, si bien apoyándose en la ficción para conseguir un efecto más dramático e impactante.

Daniel comienza su nuevo empleo de administrativo como cualquier otra persona. Conoce a su compañera de trabajo, Laura, y con el paso del tiempo se acaba enamorando de ella como le ocurre a multitud de personas. Hasta ahí todo entra dentro de lo que podíamos llamar habitual. La diferencia estriba en que Daniel no es una persona normal, a pesar de sus evidentes diferencias respecto a otras personas con el mismo problema, y nuestros prejuicios sociales se encargan de subrayarlo demasiado a menudo. Antonio Naharro y Alvaro Partor realizarán un ímprobo trabajo por mostrar todos y cada uno de los recovecos de una posible relación entre Daniel y Laura. Dejarán desarrollar el enamoramiento de Daniel expectantes ante las reacciones de Laura, una mujer que lleva una vida complicada, y que encuentra un lazo de amistad y apoyo en Daniel. Para ello, una sensacional Lola Dueñas, en un registro poco conocido, se encargará de aportar la complejidad necesaria que requiere ese papel, y entablar una cercana complicidad con Daniel para conseguir un plausible realismo que pese a todo no se conseguirá mantenerse a lo largo de la película.

No se podía haber recurrido a un actor mejor que Pablo Pineda, primer licenciado europeo con el Síndrome de Down, y que no sólo se interpreta a sí mismo (lo cual no hubiese restado mérito) sino que le añade un vínculo reflexivo apreciable, y una capacidad para desarrollar toda una serie de situaciones morales y de gran trasfondo dramático que le otorgan un gran valor interpretativo y un meritorio trabajo.

Son sin duda alguna Lola Dueñas y Pablo Pineda –ambos galardonados con la Concha de Plata en el último Festival de San Sebastián- los grandes valores de esta digna película, que si bien pretende un sincero y reflexivo acercamiento hacia esta enfermedad y sus connotaciones sociales, no consigue en cambio ese impulso dramático que el guión necesitaba, quedándose a las puertas de una sensibilización acentuada. Hay ciertos momentos en que la historia se estanca, y hay varios en que la cima emocional aunque se atisba, nunca se alcanza, dejando una agridulce sensación de uniformidad narrativa.

No hay excesos, ni giros valientes, pero sí una respetable historia, con momentos divertidos, diálogos efectivos y un loable mensaje de esperanza, tanto a la sociedad en general como a las familias que conviven con estas personas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Infectados

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 12 Oct 2009 15:55:00 +0000

Infectados ( * * )

Virus mortales contemporáneos

En los tiempos actuales donde las infecciones se están convirtiendo en nuestro pan de cada día, y donde tocarse con nuestros allegados supone ya casi un ejercicio de heroísmo, resulta morboso, y casi masoquista adentrarse en esta extraña película que pareciera transportar un gris mensaje apocalíptico. Razones para un tímido acercamiento hay unas cuantas, entre otras y principalmente, la dirección de los hermanos españoles Alex y David Pastor en una producción cien por cien norteamericana. Razones para ir perdiendo interés según avanza la película hay otras tantas, destacando la acumulación de tópicos y un estancamiento del guión que impiden un intenso compás medianamente atractivo.

A priori, la irrupción de los hermanos Pastor en el cine norteamericano pudiera mantener cierta similitud con la de Juan Carlos Fresnadillo y su excelente “28 días después”. Pero por desgracia esta esperanzadora similitud se desvanece a medida que la historia pierde personalidad y poco a poco se va convirtiendo en una película más, dentro de un género escaso de imaginación en estos tiempos. Alex Pastor por su parte ya se dio a conocer de manera brillante con su cortometraje “La ruta natural”, que ya destacara en la edición del “Sundance” del 2006, donde volver la vista atrás y retroceder los pasos previamente marcados supuso una originalidad narrativa interesante. Posteriormente se atrevió con el western rodado en blanco y negro en Almería “Pacemaker” incorporando una calidad técnica considerable. Por desgracia, nada de lo prometedor que había en aquellos dos cortometrajes lo encontramos en “Infectados”.

En un planeta donde la mayoría de la población están infectados con un extraño virus contagioso y mortal, del que apenas nada se nos cuenta, cuatro jóvenes todavía “sanos”, emprenden la arriesgada aventura de dirigirse a una apartada playa del Golfo de México, donde aspiran estar a salvo durante una temporada. Esto convertirá a “Carriers” en una road movie de sencillo seguimiento desde un primer momento, pero donde los recursos, intervenciones y sorpresas se van agotando conforme la historia se va perdiendo a la deriva. Cuesta encontrar un norte medianamente orientativo; los neumáticos narrativos en cambio, se desgastan al son de una carretera sin apenas curvas donde dirimir algún esporádico argumento razonable.

En todo caso, la posición que ha de adoptar cada uno de los cuatro jóvenes, según van sucediendo los acontecimientos, las disyuntivas morales, y delicadas decisiones que tienen que tomar a lo largo del camino, se antojan como lo más interesante, en medio de unas interpretaciones irregulares y monótonas que no nos alejan afortunadamente del interés por sus reacciones. Volver a reencontrarnos con la niña buena del “Bar Coyote” (Piper Perabo), o presenciar un conflicto de autoridad a cargo de los dos hermanos protagonistas no supone en sí mismo ningún interés más allá de lo previamente configurado por la creación de unos personajes carentes de expectativas de orden mayor.

Ligeramente entretenida, discreta y sencilla es lo más que se puede decir de esta película de dirección española y producción norteamericana de la que se esperaba bastante más.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Modigliani

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Sun, 11 Oct 2009 11:33:00 +0000

Modigliani ( * * * )

Pasión vida y muerte de un pintor atormentado

Hay dos enfoques fundamentales en esta película que la hacen sumamente interesante. Por un lado su extraña y pintoresca rivalidad con Picasso, lo que le otorga un clima de “duelo al sol” particular y sugestivo. Y por otro, su relación de amor con Jeanne, visto desde un prisma muy personal y trascendente. En ambos casos, es acierto es discreto, y el resultado aceptable.

Mick Davis consigue mostrar una especial y atractiva visión de una parte de la vida de Modigliani, quizás la más importante, y quizás la más dramática, pero siempre la más personal. Con el café Rotonde, en París, como escenario principal, y con la vida bohemia de los artistas de esa época como marco imprescindible, las pinceladas que Mick nos enseña están cargadas de un cálido color y un fresco naturalismo que adquiere su mayor punto dramático en los momentos finales de la vida del pintor italiano.

Excelente las interpretaciones tanto de Elsa Zyberstein como de Andy García, escenificando una intensa pasión amorosa en la primera y una extenuante pasión carnal sobre la vida en el segundo, que mantienen la historia en un continuo e amargo lienzo impresionista, ayudado por una exótica y envolvente música.

Como un tercer enfoque no menos importante, cabe destacar el esfuerzo de Davis, por mostrarnos un acertado paralelismo entre su momento presente y su complicado pasado, logrando una irreal convivencia entre el Modigliani adulto y el infantil, en una marcada lucha de contradicciones, pensamientos y recuerdos.

Un cuadro fílmico al que acercarse lenta y paulatinamente, a escuchar algún susurro, y vislumbrar algún pasaje inusitado de extraña belleza.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Agora

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Tue, 06 Oct 2009 00:52:00 +0000

Agora ( * * * )

Hipatia, o el fin del paganismo

Dieciséis siglos después, el extraordinario director español Alejandro Amenábar nos propone un fascinante viaje a la maravillosa ciudad de Alejandría dominada por Roma, en un momento crucial para la historia de la humanidad. Por aquel entonces, Alejandría contaba con la mayor y mejor Biblioteca del planeta. Se podría decir que todo el saber de la humanidad estaba recopilado en aquel santuario de cultura, que además hacía las veces de Escuela y que ya había sido destruida años atrás.

El fin de la citada Biblioteca, la lucha de religiones en el seno de la ciudad de Alejandría en tiempos de los romanos y sobre todo la vida de Hipatia, científica, filósofa, astrónoma y una de las personalidades más interesantes de la época, será el eje sobre el que gire esta historia que Amenábar nos propone en un escenario idílico y un clima solemne.

Teniendo en cuenta lo que en nuestros tiempos representa, el misterio que gira en torno a ella, y el aura de fascinación y mito que la rodea, resulta difícil de creer que ningún cineasta se haya acercado a este personaje con anterioridad. Amenábar quedó prendado desde un primer momento, a pesar de su encuentro casual con ella, y a su vez la observó como un pretexto perfecto para abordar otra serie de temas asociados tanto a la cultura de la época como a ciertos valores que permanecen inmutables aún en nuestra sociedad actual. De esta manera y junto a Mateo Gil (co-guionista), consiguen elaborar un acertado paralelismo entre la irracionalidad de aquella época y la imperante aún en la nuestra en algunos países en general e incluso en algunos sectores de la sociedad de manera más particular.

Hipatia representa el prototipo perfecto de mujer libre e independiente, y sólo esto, desde un punto de vista social, hace que el acercamiento a su persona, vida y también obra resulte tremendamente atractivo a la vez que estimulante. Si para representarla se cuenta con una actriz del talento Rachel Weisz, entonces el personaje termina por ser tan cautivador que será complicado olvidarlo facilmente. Weisz aporta la belleza, el misterio y el magnetismo necesario para hacer de Hipatia una auténtica personalidad de la época, pero además consigue alejarla de ese aura mitológico que hubiese resultado incómodo para el devenir de su historia y busca en todo momento el lado más humano y sincero. Todo un compendio de valores escenificados a través de sus palabras, sus actos y su manera de entender el mundo siempre desde un prisma de respeto general. La ambición puesta al servicio de la armoniosa sensibilidad femenina. En torno a ella se moverán toda una serie de personajes que serán decisivos en el transcurso de su agitada vida, pero sin llegar a eclipsarla en ningún momento, y con unas interpretaciones (Oscar Isaac, Rupert Evans, Ashraf Barhom, Max Minghella…) que sin llegar a brillar en exceso en ningún momento, acompañan de manera adecuada el desfile de impresiones y circunstancias que rodean la vida de Hipatia.

Desde un primer momento, la empatía hacia ella está garantizada y se acentúa cuando es obligada a recoger lo poco que pueda conservar de una Biblioteca que será quemada, y destruida para siempre. Este será sin duda alguna el momento de mayor carga dramática de la película, y el invisible camino de emoción del cual nunca se debiera haber desviado una película que hasta este preciso instante estaba resultando prometedora.

La causa y manera en que la Biblioteca se destruye le servirá a Amenábar para afrontar otro controvertido tema histórico: la lucha de religiones como enfoque general, y la intolerancia que subyace de ellas. Las religiones mostradas como fuerte barrera cultural a lo largo de los siglos, y causa directa de conflictos, y luchas sin cuartel. En este caso es el cristianismo el que sale peor parado. Una religión que ya era la oficial del Imperio y que aspiraba a terminar con el paganismo por la fuerza y a base de mentiras, manipulaciones y dardos venenosos. Amenábar se decanta por mostrar el lado más oscuro del cristianismo de la época: intolerante con las demás religiones, hasta el punto de escenificarlos como auténticas cucarachas que se mueven al son de la supervivencia religiosa más desaforada. Un particular (y probablemente real) punto de vista que sin duda resulta controvertido, y que conforma el toque provocador que el joven director aporta de manera muy personal como ya hiciera en “Mar adentro” y su posicionamiento en torno a la eutanasia. Sedicioso, valiente, pero sobre todo sincero como ha caracterizado siempre a su filmografía.

Es, esta nefasta convivencia entre religiones, y la supremacía de una de ellas (el cristianismo) respecto a las demás, lo que marcará el devenir de Hipatia y su dramático final, que aunque no está del todo documentado históricamente, Amenábar se permite la pequeña –y acertada- licencia de decantarse por uno de los numerosos finales que pudieran haber sucedido, conservando el clima romántico que en toda la película se había creado entre la filósofa y uno de sus esclavos.

La historia tiene tantos matices, y están tan bien elaborados que es inevitable que mantenga el interés más o menos regular en toda la película. La música, (de Dario Marianelli) aunque extensa y excelsa en ocasiones, acompaña perfectamente cada uno de los momentos y planos trascendentes y aporta el aura épico necesario para intentar crear el marco incomparable que no siempre consigue. Es también destacable y de manera notable la escenificación majestuosa de la ciudad de Alejandría, sus calles, sus gentes, su mítico Faro, y en especial la mencionada Biblioteca como símbolo de la cultura y el saber que con tanto celo custodiaban. Un fascinante viaje al pasado desde una distancia adecuada, a través de bellas e impactantes imágenes, y como si de la observancia de un documental se tratara, donde los personajes de la época cobran vida para mostrarnos sus inquietudes, pensamientos y manera de ver un mundo donde abundaban cuestiones trascendentes y controversias culturales. Amenábar abre una pequeña ventana para que el espectador se asome a contemplar la apasionante vida de por entonces la ciudad más cosmopolita del planeta.

Se queda a las puertas en cambio de la gran película de época que muchos esperábamos, al no conseguir ese tinte épico y esplendoroso que la superproducción obligaba. Hay ligeros altibajos que impiden que aquella intensidad inicial se mantenga a lo largo de las dos horas de cinta histórica. Pero sobre todo, en esta ocasión, Amenábar no logra tocar la fibra sensible (como sí hiciera de manera magistral en “Mar adentro”) del espectador con rotundidad, a pesar de que navega con viento a favor. El grado de conmoción nunca supera al de la impotencia inicial que se siente ante la pérdida de la famosa Biblioteca, y la excitación por el triste final de Hipatia nunca sobresale de lo meramente puntual y ordinariamente esperable.

No obstante, estamos ante una gran película, con sello de autor, que nos devuelve a Hipatia, Alejandría y la época romana con elegancia, brillantez y un alto grado de madurez narrativa y visual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Rec 2

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Fri, 02 Oct 2009 01:36:00 +0000

Rec 2 ( * )

Grabando sin batería

Cuando se emprende el ambicioso proyecto de desarrollar una secuela de una película que ha tenido un éxito abrumador se puede deber a dos motivos fundamentales. O bien se quiere exprimir a la gallina de los huevos de oro y sacar un provecho abiertamente económico, o bien hay un interés plausible, de profundizar en los aspectos fundamentales de la película. A directores como Christopher Nolan, les podríamos encajar en este último apartado de cineastas ambiciosos. Lamentablemente para nosotros, en esta ocasión la gallina cacarea tan alto y en un tono tan descarado, que a REC 2 no queda más remedio que meterla en el primer grupo.

La película REC que sorprendió y logró el aplauso tanto de aficionados al género como de los que se acercaron de puntillas con aires de curiosidad, supuso un soplo de aire fresco para un género maltratado y en especial en nuestro país, poco elaborado. Toda una serie de elementos innovadores, (que iban desde un estilo periodístico con cámara en mano como imagen desconcertante, actores que buscaban (sin encontrarla) la naturalidad necesaria para dar credibilidad a la historia y un guión que dejaba abiertas varias posibilidades) convirtieron a REC en una película destacable dentro del género, y sin duda un éxito de público más que aceptable.

Aunque en un principio no se pensó en una secuela posterior, un guión tan abierto, y sobre todo una extensa demanda de gente ávida por conocer el desenlace de lo que ocurriría en esa “infectada” casa, han provocado que nos encontremos ante un REC 2, o si queremos ser más exactos, un REC al cuadrado.

El problema es que esta segunda parte se centra tan sólo en imágenes impactantes, prolongación de sustos ya previsibles, y una cansina histeria colectiva que uno duda que se trate de gente en auténtico peligro o tarados mentales sin ningún tipo de control ni raciocinio. Todo lo demás ha importado bien poco a la pareja Jaume Balagueró y Paco Plaza, que sin ningún pudor nos han vuelto a intruducir en aquella casa infectada (en este caso poseída), con los mismos seres maléficos pero ya poco sorprendentes, y con una absurda obsesión por presentarnos a los Cuerpos de Seguridad del Estado como auténticos idiotas que no son capaces en ningún momento de hacer frente a una situación de emergencia, provocando el sonrojo ajeno ante tal barbaridad de palabras, actos, situaciones y salidas de tono sin un sentido aparente.

Aún con esas, la película se hubiese mantenido más o menos con cierta dignidad si no hubiese sido por la incursión de tres adolescentes a cuál más estúpido, que supone además de un desafortunado paréntesis en la tensión general, un añadido prescindible y poco acertado.

Nos encontramos pues, ante una extensión de la primera parte, sin ningún tipo de escrúpulos, con un lamentable guión lleno de retazos mal cogidos de “El exorcista”, y una sobreactuación general que resulta en muchos casos ridícula. Cuando una película de terror provoca risas, y en no pocas ocasiones carcajadas, es evidente que algo no funciona y que no se está consiguiendo enviar el mensaje aterrador en ningún momento.

La pequeña incursión nuevamente de Manuela Velasco, que podría resultar refrescante cuando la película agoniza, no aporta apenas nada, salvo alguna pequeña sorpresa, y la presencia de un vacuo exceso de sangre a borbotones no hace más que teñir de rojo un escenario sin apenas color definido.

La presencia de cuatro cámaras “narradoras” en lugar de la única utilizada en la primera parte, una mayor elaboración técnica (en algunos momentos ciertamente destacable) y algún que otro pequeño detalle, puede hacer que merezca la pena REC 2, para quién desee acercarse sin excesivas pretensiones y menos exigencias.

En caso contrario, es inevitable la decepción, porque contra toda lógica “cinematemática”: Rec más Rec, igual a uno.

sergio_roma00@yahoo.es

Leer Pregunta Digital a los directores

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Pregunta digital a: Juan José Campanella

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Tue, 29 Sep 2009 13:34:00 +0000

Con motivo de la presentación de la extraordinaria película "El secretos de tus ojos" tuve oportunidad de hacerle una pregunta al director argentino Juan José Campanella, en los Encuentros Digitales de RTVE.

Pregunta nº 12

Buenas tardes Juan José. Enhorabuena por tu trayectoria como director. Uno de los aspectos fundamentales de tu cine son las historias, que son magníficas. Me gustaría saber cuánde te das cuenta de que estás ante una buena historia y por qué. Muchas gracias.

El tiempo. Cuando dejás pasar el tiempo y una historia vuelve a la cabeza, cuando se rehúsa a dejarse ignorar, esa es la señal de que es la historia correcta. También hay ideas que no te sugieren nada, y otras que te provocan una catarata de imágenes y situaciones.

Leer Encuentro Digital

Crítica de: Capitán Abu Raed

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 28 Sep 2009 20:44:00 +0000

Capitán Abu Raed ( * * * )

Sueños en el firmamento

A pesar de que el cine jordano es un gran desconocido, el director Amin Matalqa firma un drama con bastante acierto y no pocas referencias tanto de Oriente como de Occidente.

La nueva y fantasiosa vida casual de Abu Raed que pasa de ser limpiador del aeropuerto a piloto de líneas aéreas será el escenario a través del cual se reflexione sobre la soledad y sirva también para mostrar de reojo una historia paralela con ejes comunes.

Por momentos, una elaborada fotografía, ayudada por paisajes deslumbrantes, y unas delicadas interpretaciones nos sumergen en un drama que puede resultar familiar en su núcleo más profundo, pero que se ve envuelto por el exotismo y la magia de una localización poco habitual y unos personajes poco corrientes.

El guión seguirá una línea más o menos regular hasta un punto sin retorno donde la historia se verá atrapada en un callejón sin salida.

La grandeza de la sencillez, al servicio de una historia con fundamento.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Si la cosa funciona

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 28 Sep 2009 00:08:00 +0000

Si la cosa funciona ( * * * )

Dejarse llevar

Abrumados y casi indefensos ante el desfile de mediocres comedias americanas (y alguna que otra española) que circulan últimamente sobre una pasarela de poca exigencia, resulta revitalizante que Woody Allen nos deleite con una nueva comedia, a su más puro estilo y con aires abiertamente desenfadados.
Cierto es que el hábil cineasta neoyorkino recurre con naturalidad a su genuino e identificativo cine, pero no menos cierto es que lo realiza de manera tan brillante y con un guión tan exultante que en ningún caso se le puede tachar de reiterativo o poco original.

Tras su (interesante) aventura londinense y su (discreto) paseo catalán y con un guión guardado durante treinta años, Woody Allen no sólo regresa a su ciudad natal para volver a rodar, sino que regresa al cine que tantos éxitos le ha proporcionado y en el que se mueve como pez en el agua. Desde un primer momento, Allen logra la complicidad del espectador hablándole (literalmente) a la cara y a partir de ahí transportarle a un viaje con tintes divertidamente surrealistas como sólo podrían proporcionar un cruce explosivo de personajes y situaciones.

El primer y principal personaje es Boris Yellnikoff, egocéntrico, misántropo y maniático personaje interpretado sensacionalmente por Larry David, conocido por sus apariciones en la televisión estadounidense, y en un papel que le encaja a la medida. A través de este actor, Allen consigue que un personaje uraño, asocial y a todas luces antipático, resulte interesante, simpático y en la mayor de las ocasiones agradable. No podemos obviar el marcado reflejo de alter ego que posee Yellnikoff respecto a Woody Allen y la facilidad con que a través de él, el director se posiciona en algunos aspectos y se divierte especulando en otros. Reflexiona, afirma, discute y proporciona moldes para adentrarnos en su particularísimo mundo donde cinismo y desvergüenza se dan la mano con el día a día cotidiano. Allen se siente cómodo con el personaje principal, y aunque tiene un guión pre-establecido le deja actuar, le proporciona vida y se deleita observando hacia dónde gira y cómo reacciona en su fortuita interconexión con el otro personaje contrapuesto: Melodie. Terrible y a su vez deliciosamente inocente, inculta y por momentos irritante es el personaje que interpreta la bella Evan Rachel Wood. Una auténtica contraposición a la inteligencia y supuesto raciocinio de Yellnikoff, y que a la larga y tras una peculiar convivencia otorgarán las situaciones y diálogos más divertidos de todo el film. Una provocación que proporcionará por un lado un escenario de momentos irónicos, y por otro una excusa perfecta para confrontar estilos de vida, de pensamiento y de actitud hacia las adversidades.

El amor, está, pero nadie le reclama, es casi anecdótico y no será determinante en sus aspectos fundamentales. Conformarse, dejarse llevar “si la cosa funciona”, y dar importancia al azar en su reverso más irónico es el eje fundamental en el que se moverán toda una serie de personajes con los que Allen juega a hacerlos soñar dentro de las paredes con que la vida oprime.

Irreverente, sin vergüenza y sin complejos. Una obra sin excesivas pretensiones, en un tono engañosamente menor, con la que Woody Allen regresa sus orígenes, y con ello, a la comedia inteligente.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Destino: Woodstock

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Fri, 25 Sep 2009 11:41:00 +0000

Destino: Woodstock ( * * )

Tres días de amor, paz y música

El Festival de música y arte de Woodstock de 1969 fue uno de los acontecimientos culturales más importantes del siglo XX, no sólo por su carácter musical sino por la fuerte reivindicación social que supuso en un país sumido en una lejana guerra en la que los jóvenes lanzaron una voz unánime, fuerte y solidaria con el utópico interés de cambiar el mundo.

Cuando al versátil Ang Lee le llegó la novela de Elliot Tiber, le atrapó desde un primer momento y decidió dejar a un lado el drama intenso de anteriores películas, para embarcarse en el mundo de la comedia amable y de cierto tono documental.

Captar la esencia, es espíritu, el sentimiento que movió todo aquello es tarea complicada. En 1970 el documental dirigido por Michael Wadleigh obtenía el Oscar al mejor documental y resultó ser el lanzamiento definitivo a un festival que pasó a la historia no sólo por la cantidad de asistentes (se estima que más de 500.000 personas pasaron por sus escenarios) sino por el espíritu que se respiró en todo momento y que lo llevó a situarse en el eje principal de un movimiento antibelicista.

Ang Lee está lejos de captar dicha esencia. Consigue una recreación estimable, pero adolece del clima necesario para una identificación plena. Juega con varios elementos y los maneja a su antojo, pero finalmente no consigue trasladarnos de manera efectiva a aquel mítico festival; camina con paso inestable sobre un barro que en todo momento frena la trayectoria. Nos ofrece una pequeña ventana, a través de los ojos de Elliot Tíber, partícipe involuntario de la organización y con unos problemas personales y familiares que quedan dignamente reflejados en la película, con la inestimable colaboración de un poco conocido Demetri Martin, que consigue un asombroso y particular mimetismo, en lo que es el mayor valor de toda la película. Una interpretación plena de matices y con ardiente toque necesario para resultar convincente sin caer en el exceso, pese a situaciones estrictamente cómicas.

Dicha interpretación junto a una adecuada ambientación suponen un plus de veracidad que se ve diluida por gotas de excesivo planteamiento formal que en ningún caso consiguen captar el recorrido espiritual de una conjunción de aspectos que tenían a la música sobre el eje donde girar, y a los valores humanos y reivindicativos como propósito final. Lee emplea toda una serie de artificios, como largos e intensos planos, división de la pantalla en varios puntos de vista (en un homenaje al documental previo) etc, que permiten aplaudir la técnica, pero que en poco a nada ayudan a lo que se debiera pretender.

Tampoco cautiva respecto al mundo de la música y de la cantidad de componentes que participaron en tan sonado acontecimiento, y lo que debiera ser un primer plano se queda en un marco insustancial donde narrar una historia paralela, que pese a que en un principio tiene cierto atractivo, va poco a poco perdiendo interés conforme se ve atascada en un momento concreto de la película.

Lo que allí ocurrió había que intentar contarlo, y siempre quedará la duda de si Scorsese no hubiese hecho diabluras con un guión como punto de partida, pero un acontecimiento como elemento fundamental donde ahondar en un profundo sentimiento global que cambió la vida de miles de norteamericanos durante tres días de amor, paz y música.

sergio_roma00@yahoo.es

Pregunta Digital a: Nancho Novo

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 23 Sep 2009 11:42:00 +0000

Con motivo de la presentación de la obra teatral "El cavernícola", tuve ocasión de hacer una pregunta a Nancho Novo, en el Encuentro Digital celebrado por el diario "El Mundo".

Pregunta nº3

Hola Nancho, reciéntemente estuve viendo nuevamente "La ardilla roja", donde considero que estás magnífico. ¿Cuál es el trabajo que más satisfecho te ha dejado en el mundo del cine? Muchas gracias.

El que más satisfecho me ha dejado es uno que todavía no se ha estrenado, se llama 'Animales de compañía'.

Leer Encuentro Digital

Crítica de: Malditos bastardos

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 16 Sep 2009 00:33:00 +0000

Malditos bastardos ( * * * )

La venganza se sirve en bobina fría.

Con un letrero inicial que reza “Erase una vez…en la Francia ocupada por los nazis”, Quentin Tarantino, uno de los cineastas más fascinantes y geniales de los últimos tiempos, nos ofrece un adelanto de la marcada pretensión por construir un particular cuento de hadas, una parábola que haga las veces tanto de redención personal a modo de liberación de ataduras, márgenes y cánones, como de puro y simple juguete recreativo. Tanto lo primero como lo segundo lo logra con acierto, y se podría añadir con maestría; el único pero, es lo que se deja en el camino.

Uno de los momentos más sugerentes y también brillantes de esta irregular película lo tenemos justamente al comienzo, en una magnífica escena en la que el habitual “caza-judíos” mantiene una tensa y emocionante conversación con un aldeano francés en la propia casa donde se supone esconde a una familia judía. Este hilo inicial, además de cautivarnos ya desde el comienzo, servirá para la construcción de una historia que se irá desarrollando intensamente en torno a la lucha contra la Alemania nazi desde un frente utópico y romántico (la niña que consigue salvarse en este primer momento) y otro encabezado por un curioso Brad Pitt, al mando de un escaso pero ambicioso ejército, bajo el nombre de “Inglorious Basterds”.

Esta primera escena (o capítulo, como le gusta señalar a Tarantino) también servirá para presentarnos a uno de los grandes hallazgos de los últimos años en el cine del director norteamericano, desde dos vertientes complementarias; por un lado el fascinante personaje (coronel Hans Landa), y por otro el magnífico actor que lo interpreta (Christoph Waltz), que en conjunto suponen de lo mejor de la película.

Desde el comienzo de la película Tarantino echa mano de sus innumerables referencias y si bien en un comienzo la sombra de Sergio Leone y el espagueti western planea de manera evidente, no se puede obviar la figura de Enzo Castellari (incluso tiene un pequeño cameo) y su “Aquel maldito tren blindado” (titulada en inglés “Inglorious Bastards”) también desde un primer momento. Toda una serie de referencias a las épicas bélicas y claramente diferenciables le siguen después como Samuel Fuller, Robert Aldrich (“Doce del patíbulo”) y películas como “El hombre atrapado”, e incluso “Ser o no ser” de Lubitsch o “Esta tierra es mía” de Jean Renoir. Aunque son sin duda las películas norteamericanas de los años 40 de las que más ha bebido el cineasta a la hora de confeccionar este film. Todo un mundo de influencias que como ya sucediera en otras ocasiones se encierran y mezclan en la particular “coctelera tarantiana” para conseguir un exótico licor-pop de indudable categoría y personalidad y de elevado poder embriagador.

A partir de ahí tenemos toda una serie de códigos muy identificativos del cine de Tarantino, en especial esa capacidad casi innata para dignificar los subgéneros, marcarlos en negrita para transformarlos, y sobre todo jugar con sus posibilidades. En este sentido, se permite el lujo de fantasear con la historia y moverla a su antojo, en una mezcla (ciertamente agradable) de personajes ficticios y reales que lleva consigo una reinvención (otra más) en este caso del género bélico en un proceso arriesgado, valiente y del que sale triunfante sin necesidad de acudir a la estricta y recurrente acción.

También nos encontramos con una gran cantidad de interesantes (no tan brillantes como en otras ocasiones) diálogos de largo recorrido y aupados en una irreverente Torre de Babel donde francés, alemán e inglés tendrán que jugar sus bazas y que nos llevará incluso a poder escuchar a Brad Pitt chapurreando el italiano en uno de los momentos más divertidos de la película.

Esta variedad de idiomas le otorga a la película un plus de autenticidad y magnetismo. Ha sido además determinante en la elección de los actores (salvo Brad Pitt en un personaje que no requería excesiva adaptación y que no pasa de ser simpático). Fue importante en la acertada decisión de dar el papel al ya mencionado Christoph Waltz, al correcto Daniel Bruhl (personaje que recuerda al actor veterano de guerra Audie Murphy) y a la excelente Diane Kruger. También destacan Eli Roth y Mélanie Laurent en papeles decisivos. Y no podemos dejar de mencionar la desafortunada decisión de convertir al “Dr. Maligno” en el General Ed Fenech protagonizado por un esperpéntico Mike Myers en uno de los momentos más decadentes de una película que mantenía una acertada línea regular hasta ese instante.

Con todo, Quentin Tarantino nos ofrece una particular versión de la II Guerra Mundial, en un estilo al que no se le puede negar sinceridad y aplomo. Nuevamente y como punto de partida (esta obsesión desde Kill Bill ya empieza a ser preocupante) la venganza vuelve a ser el hilo conductor y el motor que mueve toda la historia. Y por medio de ella nos vamos a encontrar todo un conglomerado de situaciones que permitirán un amplio conocimiento de personajes que si bien por sí solos nunca alcanzan un protagonismo destacado, en conjunto consiguen un enfoque moderno, inusual y terriblemente provocador.

Será, -en un excelente ingenio narrativo- el cine en sí, el encargado de intentar salvar al mundo. En un sentido metafórico y también en un sentido literal, que unido a unas interesantes conversaciones sobre cine europeo entre algunos personajes, conformará un alegato final de amor a este séptimo arte escenificado de manera brillante y original.

Lástima que en el camino se quede una cierta debilidad en la construcción narrativa y un exceso innecesario de subversión del género que nos impide apreciar esta película desde un conjunto más homogéneo y redondo. Para bien o para mal, “Malditos bastardos” es Tarantino en estado puro. Sin una excelente banda sonora (aunque Morricone y Bowie suenan estupendamente), sin un guión espectacular (“Pulp Fiction” es cada vez más insuperable) y con un ligero bajón en el estado de forma del genial cineasta, pero con la convicción de que estamos ante una buena película con sello de autenticidad y estilo propio:

“Nunca sigo los códigos al pie de la letra sino los placeres que procuran” Quentin Tarantino.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Distrito 9 (District 9)

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Mon, 07 Sep 2009 14:45:00 +0000

District 9 ( * * * )

Insusual invasión alienígena

Acostumbrados como estamos, a que el cine de ciencia ficción y más en concreto en lo relativo a los extraterrestres, se ajuste a unos cánones pre-establecidos, y se ciña a unas reglas predeterminadas, previsibles y por ende aburridas, es de agradecer encontrarnos productos como el que nos ocupa.

Sin una pretenciosa ambición aparente y sin necesidad de recurrir a acartonadas estrellas del celuloide, "District 9" conforma una más que aceptable película de género, en un universo por descubrir y bajo la segura, certera producción y supervisión de un experimentado Peter Jackson.

En este sentido de ruptura de cánones, una nave nodriza se establece en un lugar muy apartado del clásico USA, como puede ser Sudáfrica. Al entrar en contacto con dicha nave, los humanos se encontrarán con seres de otro planeta, en un estado lamentable y sin causa aparente de supuesta invasión. La respuesta terrenal en un primer momento de confusión, será establecer, justo bajo la nave, una especie de campo de refugiados que dará lugar a una complicada convivencia con todas sus consecuentes visicitudes.

El hecho de rodar cámara en mano y con aspecto de documento periodístico puro, favorece enormemente las aspiraciones de una certera credibilidad y de un protagonismo absoluto de la historia frente a héroes excesivamente clasificables y de las dificiles relaciones de una convivencia que a todas luces debe resultar conflictiva. El aspecto de sobrio documental está por tanto perfectamente logrado y nos traslada a una realidad probable y perfectamente identificable.

En este sentido, existe también una razonable intención de promover adecuadamente un personaje central y determinante que se distancie de un héroe popular e invencible. Un hombre cargado de bondad, y lejos de la acción en sí misma entendida. Un líder que andará con pies de plomo sobre la fina línea que separa la gloria del rechazo, el triunfo de la derrota más infernal.

Con una cara poco conocida en el mundo del cine y a través de un elaborado proceso de evolución-involución asistimos a la transformación (en varios sentidos) de quién en principio estaba destinado a buscar soluciones y acaba siendo un problema, además de una tentadora provocación.

La elaboración de los alienígenas, sin ser excesivamente destacable, es bastante aceptable, resolviendo con sencillez el eterno problema de la comunicación y creando seres que impresionan en algunos planos y se muestran tiernos en otros. Que duda cabe que en ocasiones y dentro de las escenas violentas el derramamiento (o más bien la explosión) de sangre se antoja necesaria, y se resuelve igualmente con naturalidad, ligera estética visual y principalmente alejándose de todo lo que pudiera resultar supérfluo para el resultado que se pretende mostrar.

Moldes clásicos de ciencia ficción, cierta originalidad y una puesta en escena discreta pero efectiva resumen esta nueva aventura alienígena a la que sólo se le echa en falta una mayor profundidad en personajes e historia de fondo y mayor acercamiento a un conflicto al que se intuye se le podía haber sacado mucho más jugo.

Quizás, y con una mayor apuesta presupuestaria, estaríamos hablando en otros términos más elevados, pero aún así, una apuesta segura; avalada y con mayor participación de lo que en apariencia se supone de un Peter Jackson que si algo domina con naturalidad es la capacidad de deslumbrar en sus proyectos.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Control

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Sun, 06 Sep 2009 21:56:00 +0000

Control ( * * * )

Perder el control de la conciencia

Empleando técnicas puras y eficaces del videoclip, junto con aciertos narrativos, un buen reparto e interesante escenas, el debutante director Anton Corbijn nos presenta un más que aceptable biopic sobre la vida de Ian Curtis, y su banda Joy Division que triunfara allá por los años 70.

Todo parece cuidado al detalle y la pretensión de profundidad veracidad sólo se ve enturbiada por un guión (testimonios de su viuda) que da la impresión de no ajustarse a la realidad de una estrella de rock, que apenas tiene más problemas que los amatorios. Huele por tanto a un exceso de conservadurismo a la hora de emprender el trabajo biográfico.

Esto no empaña un resultado final excelente, muy efectivo y que sobresale principalmente por unos elementos formales apropiados y una majestuosa interpretación de Sam Riley en un papel que pareciera hecho a su medida y que da buena muestra de una preparación acorde con su profesionalidad. Una magnífica mutación personal y músical.

Un proyecto llevado a cabo con el acierto de elegir lo mejor y más apropiado tanto en el reparto como en el aspecto formal y que convierten esta sobria historia en un brillante retrato impresionista que gustará aunque no se conozca apenas nada de la banda.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Agallas

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Thu, 03 Sep 2009 16:09:00 +0000

Agallas ( * * )

Mariscada gris

En nuestro país, el thriller es un género poco tocado, y en general con poco acierto, si exceptuamos interesantes aportaciones como la de Agustín Díaz Yanes en el año 1995 con su película “Nadie hablará de nosostras cuando hayamos muerto”. No estamos, por desgracia ante una excepción en este caso concreto, y sí ante un autocomplaciente ejercicio de asimilación de conceptos básicos del género, con reglas previamente marcadas y cien veces vistas, y un elenco de numeroso clichés y situaciones que convierten la película en un puro producto de entretenimiento que a duras penas conseguiría este ínfimo objetivo si no fuese por alguna situación divertida, y una buena interpretación por parte de Carmelo Gómez.

El debut en el cine de dos “canteranos” de TVE como son Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez, se ahoga sin contemplaciones como pez fuera del agua, no cuenta con la frescura y talento de otros debuts más notables. Poca ambición y un excesivo interés por buscar el camino más cómodo, impiden que nos hallemos ante momentos intensos y atractivos de un género sumamente interesante y del que siempre se puede sacar un enorme partido.

Cuenta eso sí, con la inestimable ayuda de una (como casi siempre) formidable interpretación de la mano de Carmelo Gómez, que aúna las suficientes habilidades para que la película adquiera algo de atractivo, aunque sólo sea por ver sus situaciones en pantalla. Tampoco podemos obviar la escasa pero crucial aparición de Celso Bugallo en un –por desgracia- escaso papel, pero con pequeñas joyas como un monólogo bañado de alcohol en lo que se antoja uno de los mejores momentos de la historia. Hugo Silva, por su parte, cumple con suerte dispar una interpretación dividida en dos momentos. Pese a sus loables intentos, su papel es tan ridículo en uno de esos primeros momentos, y tan encasillado, que poco más puede hacer que dejarse llevar por el personaje.

Aparte de eso, poco más. La historia es tan simple, que apenas inquieta: narcotraficantes en una Galicia bajo sospecha. Tampoco hay acción que pudiera elevar el tono de la película, ni unos fascinantes diálogos que mantuviesen un mínimo de interés ante una posible lucha de poderes. Poco más; casi nada.

Han faltado, (y sirva el símil fácil) agallas para emprender un proyecto de mayor factura, ambiciones y valentía, porque moldes había, localizaciones sobraban y la historia prometía.

Aguas de borraja.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La clienta

sergio_roma00@yahoo.es (■ Sergio Roma ■) — Wed, 02 Sep 2009 17:07:00 +0000

La clienta ( * * )

Yo te pago, tú me amas.

Si bien es cierto que el tema de la prostitución es –como bien opina la directora- un tema aún tabú en estos tiempos, más lo es si cabe si hablamos de la prostitución masculina. Y abordarlo por tanto, supone como mínimo un ápice de valentía y cierto descaro. Cierto es también que este citado ápice de valentía se atenúa cuando se cuenta con un éxito moderado de la novela en que se basa la película y que está escrita por la misma directora. Aún así, conviene en principio destacar este factor y tenerlo en consideración.

La citada y polifacética directora Josiane Balasko, rescata un tema poco abordado y sin duda interesante, como es la prostitución masculina, tanto desde el punto de vista del hombre que la practica, como sobre todo de la mujer que se hace con esos servicios. Buscar el trasfondo, los sentimientos, las inquietudes y necesidades de las personas que rodean este mundo es lo que pretende Balasko, a través de un ejercicio que pudiera parecer exhaustivo en un primer momento pero que poco a poco se va quedando en un simpático cuento de hadas que tiene más de “Prety Woman” (“Prety Man” en este caso) que de la excelente “Princesas” de nuestro León de Aranoa.

La vida de una atractiva cincuentona (protagonizada de manera brillante por la veterana y espléndida Nathalie Baye) que necesita de los servicios de jóvenes “gigolós” (putos, si nos alejamos de la pedantería) para cubrir sus necesidades vitales llega a resultar creíble en un primer momento. El ligero acercamiento a su vida, a sus necesidades reales y especialmente a sus motivaciones, hace que el relato vaya perdiendo fuelle a pasos agigantados, y nos vayamos introduciendo en una historia que se va acercando más a una comedia romántica que a lo que en un principio nos habían anticipado.

Sin giros argumentales destacables, ni un hilo conductor estimablemente original, la historia se diluye y naufraga convirtiéndose en un amable cuento que apenas inquieta, donde las dos vidas paralelas que se pretenden narrar se ven bloqueadas por un absurdo intento de buscar romanticismo tan irreal, que denota ese finísimo hilo que nunca debiera observarse y que nos recuerda que todo está caramelizado bajo el manto de una sensibilidad femenina que abriga y protege todo el resultado y que se traduce en la dirección.

La relación entre las dos hermanas que protagonizan la película (una de ellas, Irene, es la propia directora) es de lo más interesante, y quizás lo más destacable pese a que se trate de algo secundario. Dos hermanas que ejemplifican dos aspectos muy relevantes de una sociedad poco sincera: el sueño romántico y femenino de encontrar el príncipe azul, desde dos puntos de vista distantes pero compatibles. Por un lado la esperanza e ilusión pese a las adversidades, y por otro la derrota y desengaño pese a las posibilidades. Dos mundos paralelos y diferentes, pero con un punto en común: el sueño anhelado y casi imposible.

Mucho hay de la propia Balasko en la película y no sólo a nivel sentimental, ya que su propio marido participa en la misma, así como su hija, lo que supone un plus de fraternidad que se aprecia discretamente en el desarrollo de los personajes. Algunos tan interesantes como la mujer de Marco, (el “gigoló” bien interpretado por Eric Caravaca) que se verá en una difícil tesitura de consecuencias desconocidas, y que nos mostrará el sufrimiento de la bella Isabelle Carré en un papel a medida.

Historia poco común, desarrollada de manera elegante en algunos tramos (acompañados por una estupenda banda sonora) y torpemente en otros. Por un lado sinceridad, descaro, frescura y honestidad. Por otro lado, traslúcido cristal de una realidad más profunda, pura inocencia, excesivo y empalagoso tacto, y sobre todo escasa intención de llegar a lo más profundo e incómodo.

Queda en definitiva, aún un mundo por descubrir acerca de este arduo tema.

sergio_roma00@yahoo.es