■ Cinebulosa ■

Crítica de: Intruders

2012-01-09T09:19:00.001+01:00

La sombra del miedo

Tal es el nivel que hasta el momento ha demostrado Juan Carlos Fresnadillo en sus dos únicas películas anteriores (“Intacto”, “28 Semanas Después”) que un nuevo proyecto suyo y además del mismo género que los anteriores es toda una garantía de al menos algo interesante. Y el resultado final en este caso, vuelve a cumplir las expectativas.
Aunque la película podrías encasillarse en el género del terror, lo cierto es que en el suspense es donde se encuentra más cómodo. “Intruders” a pesar de beber de diversas fuentes es una película muy personal, que juega entre la realidad y la ficción con una extremada habilidad y domina registros que normalmente no se parecían en otras películas del mismo tipo.

Tras un guión (Jaime Marqués, Nicolás Casariego) Fresnadillo encuentra el molde esencial para destapar su caja de experimentos cinematográficos, y sobre todo disfrutar desarrollando una historia que permite varios prismas y múltiples maneras de contarla. La manera por la que ha optado Fresnadillo, sin duda alguna es la más estimulante. Desde dos puntos de vista, desde dos espacios distantes, la historia se desarrolla de manera paralela. Los extraños sucesos que le suceden a un niño en España se reflejan en los extraños sucesos que le suceden a otra niña en Inglaterra, y dos padres angustiados como satélites imprescindibles de ambas historias.

La angustia, el miedo, la pérdida o el dolor son las bases en las que se mueve “Intruders” y son las características que reúnen un guión que está estupendamente configurado para terminar –como buena película del género- en un final que gustará a muchos y dejará indiferente a muy pocos.

Tanto interpretaciones (correctísimo Clive Owen en un papel a medida) como fotografía (Enrique Chediak consigue alternar sombras irreales con cotidianas escenas de manera sustancia) como montaje (Nacho Ruiz resultará fundamental a la hora de combinar dos historias paralelas sin que el espectador pierda una visión general de lo que sucede) e incluso la música (Roque Baños se confirma como un auténtico especialista) aprueban con nota cada cual en sus respectivas funciones, pero la combinación de todo en su conjunto deja un ligero tono insípido que impiden que nos hallemos ante una gran obra de género. La historia no pierde intensidad en ningún momento, pero sí adolece en algún instante de algo más de brillantez en cuanto a fuerza narrativa se refiere por una lado, y en cuanto a magnetismo dramático imprescindible en su fase de realismo cotidiano por otro lado, dejando que la historia por momentos esté a punto de perderse en una marea incomprensiblemente abstracta.

Aún así, estamos sin duda ante una gran película de suspense y ante una ocasión única de disfrutar en el cine con una historia suculenta y de alta categoría a todos los niveles.

sergio_roma00@yahoo.es
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Crítica de: Somewhere

2012-01-09T09:17:00.001+01:00

Círculo vicioso

Hace un año, una simple, pero a ratos divertida comedia llamada en nuestro país “Todo sobre mi desmadre” trataba el mismo tema que “Somewhere”, la vida privada de una estrella popular con sus venturas y desventuras, con sus ventajas e inconvenientes. Evidentemente nada tiene que ver aquella película con esta salvo el tema, pero sí resulta curiosa las diferentes maneras (y géneros) que pueden encontrarse a la hora de abordar un tema.

Si la película de Nicholas Stoller era un simple divertimento sin mayor pretensión de trascendencia, la última película de Sofia Coppola peca precisamente de lo contrario, de buscar una trascendencia tan exacerbada que en ocasiones se queda en terreno muerto o escasamente fértil.

Johny Marco es un popular actor que se ha dejado llevar de la manera más rutinaria por los excesos y que lleva una vida que podría ser la envidia de la mitad de los mortales. Pero bajo esa capa de éxito, es donde Sofia Coppola (que firma también el guión) se encarga de arañar cuidadosamente en busca de alma interna tanto de su vida como de la película en sí. Y en esa labor, la realizadora emplea todos los medios con los que más cómoda se siente, donde con más fluidez le gusta contar sus historias. En ese sentido podemos encontrar ciertos guiños de su anterior y escasa filmografía.
En sus películas, Sofia Coppola se preocupa de manera casi obsesiva por indagar sobre el mundo interior de los personajes, por mirar más allá de su reflejo público, y por encontrar respuestas que quizás ni el mismo personaje conozca o aparente no conocer. Para ello, opta por crear, de manera muy acertada e inteligente, cierto halo de misterio, que si bien comienza por la vida personal e íntima de los personajes, acaba atrapando a toda la película, convirtiéndola en una nebulosa de sensaciones y de enigmas cotidianos.

Aquellas “Virgenes Suicidas” que tanto nos inquietaron, una inusual “María Antonieta” víctima tanto de la época como de sus miedos, pero sobre todo aquellos Charlotte y Bob (magníficamente interpretados por Scarlett Johansson y Bill Murray) confluyendo en mundos paralelos aparentemente distintos pero con tanto en común, en la estupenda “Lost in Translation”. Hay mucho en común en cada uno de esos personajes y en ciertos climas de cada película, especialmente en “Lost in Translation” donde escapar de la rutina, navegar contra marea o buscar alternativas se convierten en tablas de salvación a veces utópicas pero siempre necesarias.

Johny Marco necesita un giro radical en su vida aunque quizás no lo sepa todavía. La aparición casi casual de su hija en unos puntuales capítulos de su vida puede que sirvan para darle a conocer otro lado diferente de la vida, otro prisma por el que observar su personal mundo.

Sofia Coppola, de manera muy sutil se limita a desarrollar la historia sin apenas inmiscuirse en los personajes, dejándolos navegar por aguas tibias y sin sobresaltos y lo hace con un lenguaje fílmico pausado, lineal y monótono que corre el riesgo (como en ocasiones sucede) de resultar demasiado plano.

Aún así, la historia mantiene el interés en casi todo el metraje, está rodada con firmeza, mucha clase y gran dominio de los tiempos, y sólo se echa un falta algo más de calor, de intensidad, de emoción.

Vuelve a darse suma importancia a la música, y casi siempre de muchísima actualidad y modernidad con bandas como la francesa “Phoenix”, “Foo Fighters” o “The Strokes”, que junto con los interesantes y originales planos conforman un sello inconfundible y fresco de la directora neoyorkina.

Quien se sienta atraído por su secuencia inicial, un coche dando vueltas y vueltas a lo largo de una circular carretera, además de buscarle posteriormente una respuesta metafórica, seguramente se sienta satisfecho con el resultado de la película, que no es ni mucho menos, para paladares convencionales, pero que supone un paso más en la carrera de una cineasta que tiene visos de ser más que interesante.

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Crítica de: La piel que habito

2012-01-09T09:15:00.002+01:00

Mujer al borde de un ataque de nervios

Aunque el título de esta crítica pudiera parecer un paralelismo entre “La Piel que Habito” y “Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios”, nada más lejos de la realidad, ya que los 21 años que median entre ambas películas son suficientes para distinguir una radical viraje en el cine de Pedro Almodóvar que ahondando en terrenos cercanos al suspense e incluso thriller poco habitual en su cine, finalmente desemboca en una esencia cinematográfica tan personal como auténtica, tan controvertida como esencial.

El director manchego, consciente de la libertad con la que juega en estos momentos, experimenta diferentes registros sin perder su particular visión, y en líneas generales no naufraga en ningún momento, y su cine se mantiene con la misma consistencia como si de un debutante ambicioso se tratase, y con el mismo oficio que caracteriza toda su magnífica filmografía, demostrando que está apto para saludar con auténtico atrevimiento al nuevo milenio, echando incluso la vista atrás a conceptos y arquetipos clásicos.

No conviene contar mucho de “La Piel que Habito” ya que la película nos reserva más de una sorpresa. Almodóvar se encarga de manera muy precisa de mostrarnos a una mujer encerrada en una habitación (Elena Anaya) ante la atenta mirada y escrutinio de un reconocido cirujano experimentando en beneficio de la ciencia. Poco más se debe contar, ya que la estupenda manera de narrar (jugando de manera hábil con los tiempos) nos irá hilando el resto de la historia hasta trasladarnos a la resolución de incógnitas como solo Almodóvar sabe hacer y sabe “manipular”.

Todo en “La Piel que Habito” nos conduce a una gran obra en sus inicios. La intensidad se mantiene en el transcurso de la historia, y su final nos deja un buen sabor de boca y no decepciona en absoluto a pesar del listón tan alto que debe ir superando nuestro director más internacional. Pero hay ciertos aspectos que impiden que nos hallemos ante un paso más de gigante, ante una monumental película, ante la gran película que todo el mundo espera.

Por un lado, Antonio Banderas, aunque correcto, no consigue nunca que nos olvidemos del icono hollywoodiense que tanto le caracteriza, y ante esta adversidad cuesta horrores tomarle en serio como el personaje que desarrolla merecería, por lo que en este sentido nos encontramos ante una renqueante pata de la mesa que impide la firmeza de la película. No podemos decir lo mismo del estupendo trabajo de una sensacional Elena Anaya que consigue transmitir al milímetro lo que el personaje requiere e incluso va más allá en cuanto a sugerencia e imaginación. Probablemente el mejor trabajo de una actriz que crece a pasos agigantados.

Sin nada que objetar a los secundarios (excepto que Marisa Paredes a pesar de la excelencia de sus trabajos, resulta demasiado evidente en el cine de almodoviano) el lado interpretativo, tan importante en este director (probablemente el mejor director de actrices del mundo) vuelve a tener su peso importante, y en este sentido no se consigue la necesaria complicidad que la película requiere y necesita.
A pesar de esto, la historia interesa, se mantiene con firmeza a lo largo de las dos horas de metraje en lo que supone una personalísima adaptación de novela, y en líneas generales, gusta.

Ligero cambio de registro de un director solvente, que sin llegar en ningún momento a defraudar, no logra superar ni igualar registros pasados, pero de igual modo vuelve a demostrar que apenas tiene rival en su campo de juego, y que se mueve con plena fluidez en el cine contemporáneo, adaptándose, experimentando, sorprendiendo y sobre todo fascinando.

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Crítica de: El perfecto anfitrión

2011-12-14T00:09:00.001+01:00

Cena de amigos

Hay numerosas películas, que llegan sin hace mucho ruido, de las que se espera bien poco, pero que tras el visionado uno termina realmente satisfecho, e incluso entusiasmado.

Puede que este sea el caso de “El Perfecto anfitrión”, una modestísima película que se presentase en las últimas ediciones de Sundance y Sitges, y que apenas se acerca sigilosamente a la cartelera para hacer un guiño a quien se atreva a profundizar en campos cinematográficos interesantes y algo complejos.

Uno de los aspectos más importantes de esta película, es no conocer nada, absolutamente nada de ella. Por tanto es altamente recomendable no leer sinopsis, y mucho menos ver el tráiler. Baste saber que John Taylor, atracador de un banco, acaba de manera premeditada y no con buenas intenciones, en la lujosa casa de Warwick Wilson, que prepara una cena de amigos. A partir de ahí, uno está preparado para embarcarse en una aventura primero curiosa, y luego tan cautivadora que puede llegar a entusiasmar, pasando por momentos divertidos, tensos e incluso dramáticos, pero siempre encauzando una historia que pudiera parecer que carezca de hilo conductor, pero que se encuentra perfectamente engranada para conseguir un resultado espléndido que no deje indiferente.

Nick Tomnay, director y guionista australiano se estrena con esta magnífica película, donde la lucha de clases, la doble moral, el lado más oscuro o extraño del alma humana e incluso la dualidad de apariencias caben perfectamente en una historia que parece hecha a la medida del actor David Hyde Pierce que muchos recordarán como el hermano de “Frasier” y que realiza en este más que interesante film, el papel de su vida, dando color abstracto a un personaje que se mueve entre la locura y la extravagancia sin perder un ápice de la magia que lo envuelve, y sobre todo el misterio que le rodea.

“El Perfecto anfitrión” es una estupenda invitación a disfrutar de un cine donde un magnífico guión es el eje principal, y donde los actores se mueven al son de una historia que se eleva minuto a minuto para obtener un conjunto excelente y una particularísima y extraña cena improvisada de amigos.

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Crítica de: Conan el bárbaro (2011)

2011-12-14T00:01:00.003+01:00

Lucha, sangre y poco más

Dificil se me antoja poder olvidarnos de Arnold Schwarzeneggery su Conan el Bárbaro del año 1982, a la hora de hablar de este nuevo Conan. No porque aquella fuese una buena película en términos generales, sino porque fue muy significativa.

Nunca se tiene muy claro cuáles son las intenciones verdaderas a la hora de realizar un remake, versión o adaptación de una película de este tipo. Mayor poder visual y refrescar la memoria a las nuevas generaciones podrían ser escasamente los objetivos que busca y logra el realizador... pero aparte de esto, poco más podemos encontrar que merezca la pena y que nos permita constatar que lo nuevo supera a lo anterior.

El Conan el bárbaro del 2011 posee como ya se ha dicho un poder visual arrebatador, potenciado más si cabe por unos 3D que harán saltar de la butaca a más de uno ante tanto chorro de sangre, y tiene ese punto interesante de devolvernos a un personaje muy significativo dentro del mundo cinematográfico, y que sin duda alguna dejó huella.

Este remake tiene la virtud de la constancia en cuanto a aventuras se refiere. Apenas pierde el pulso aventurero y en pocas ocasiones llega a aburrir de manera descarada, gracias a espectaculares combates (lo más destacable sin duda es una lucha de Conan contra guerreros de arena) y momentos de predecible emoción, que harán las delicias de quién se acerque sin muchas pretensiones a verla.

Pero dicho todo esto, esta versión se muestra en general bastante floja en otros aspectos esenciales, como la credibilidad de un Conan adulto mal interpretado por Jason Momoa, un guión que resulta demasiado evidente y unos diálogos que se presentan excesivamente infantiles en muchas ocasiones, lo que impide que la película pudiese contener mayor intensidad narrativa.

Se acierta ligeramente en la forma, pero se falla en el fondo, donde cualquier espectador ambicioso echará en falta multitud de argumentos para que la película le satisfaga plenamente.

Por tanto, ante esta nueva versión de Conan nos encontraremos con los que disfrutasen antaño y vean esta película mejorada por los efectos visuales y especiales. También habrá los que consideren al Conan un personaje de culto y no estén nada de acuerdo con esta versión. Y una gran parte de espectadores que se acerquen por primera vez al personaje y encuentren este aluvión de aventuras sangrientas como un motivo más que suficiente para pasar un rato entretenido.

Lo cierto es que la película no llega a aburrir a pesar del largo metraje, pero sí se aprecian excesivas lagunas e importantes detalles negativos como para que nos encontremos con una versión de Conan que no gana con los años, sino que se presenta un poco más pobre.

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Crítica de: Super 8

2011-12-13T23:59:00.002+01:00

Emoción y nostalgia

Cuando una película viene precedida de una discreta pero efectiva táctica de marketing siempre hay que mantenerse alerta, e intentar preservar ese punto de objetividad que permita opinar sobre la película intentando no perder un norte fundamentalmente imparcial. Y es que resulta ciertamente complicado mantenerse firmemente impasible en pos de dicha visión objetiva, cuando un grupo de cineastas "atacan" el lado más débil y delicado de un espectador: la nostalgia. De principio a fin, existe un baño de alegre nostalgia que atrapará a todo aquel que creció con la fantasía de E.T., se inquietó con la misteriosa "Encuentros en la tercera fase" o se divirtió con las aventuras de "Los Goonies". Porque de todo esto hay en "Super 8" aunque sólo sea en pequeños retazos a veces o en directos homenajes a aquel cine de los 80.

Ya el mismo título del film nos traslada a aquella época en que las pelïculas caseras tenían ese aroma de lo sencillo, lo cotidiano y para los más intrépidos, la manera de hacer cine con escasos recursos. Tan escasos como los que disponen los niños protagonistas de la película, que con una cámara Super 8 al hombro se disponen a rodar un cortometraje de terror para participar en un concurso local de cine. Dicha aventura les llevará a rodar una de las escenas en la estación de tren donde ocurrirá el accidente que dará pie a todo el desarrollo de la historia.

Como película homenaje al cine de los 80 en general y al cine de Spielberg (productor) en particular, "Super 8" está cargada de todos esos elementos que nos permiten un ligero regreso al pasado. Pero además de esto, J.J. Abrahams añade su toque personal y convierte una película aparentemente sencilla en un "paquete sorpresa" donde cabe tanto el inevitable y muy estimable compendio de extraordinarios efectos especiales, como el intrigante juego de misterios a la hora de mostrar (con cuenta gotas y muy habilmente) la extraña criatura que pondrá patas arriba un tranquilo pueblo norteamericano.

Como ejercicio nostálgico hay que reconocer que la película funciona, con algún que otro momento emotivo, ilusiona y con un ligero toque contemporáneo, sorprende, por lo que ya sólo por esto nos hallamos ante un producto recomendable y poco decepcionante. Si la observamos en cambio un poco desde la distancia, buscando el aislamiento emotivo que puede producir el recuerdo es cuando nos encontramos con alguna laguna, principalmente en forma de guión y que permite reflexionar que se podría haber profundizado en una historia más genuina.

"Super 8" hará las delicias de mucha gente que estaba inconscientemente esperando un revival de cierta época cinematográfica y dejará bastante indiferente si no decepcionada a otro tipo de público aislado de factores externos y temporales.

En términos generales la película funciona y aunque no será, ni mucho menos la película del año, sin duda alguna dará que hablar.

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Crítica de: La boda de mi mejor amiga

2011-12-13T23:55:00.003+01:00

Las amigas de ella

Se podría decir que Judd Apatow es el gurú de las comedias de toda la segunda mitad de la década de 2000. Casi todo lo que ha tocado lo ha transformado en oro (comercial), aunque su calidad difiera en muchísimas de ellas. Sus comienzos (y éxitos) en series de televisión le llevaron rápidamente al cine donde parece haya conseguido encontrar la piedra angular de la nueva comedia norteamericana. Como director tiene en su nómina discretas comedias como “Lío embarazoso” o “Vírgen a los 40”. Pero es como productor, donde Apatow ha encontrado el verdadero camino. “Un loco a domicilio” ya fue un gran acierto con la inestimable ayuda de Jim Carrey, “El reportero” fue una estupenda película, pero sobre todo “Supersalidos”, “Paso de ti”, “Superfumados” y “Todo sobre mi desmadre”, le confirman como un auténtico especialista de la comedia contemporánea, y lo que es más difícil, ha conseguido ganarse el respeto de cierta crítica y de un elevado público.

En esta ocasión cuenta con un poco experimentado Pau Feig en la dirección, del que sólo conocíamos la flojísima “Peligro, menores sueltos”, para abordar un tema que no por muchas veces tocado sigue resultando atractivo y eficaz, especialmente en la comedia. Hablamos de la siempre sugestiva preparación de una boda, donde el listón ya pareció quedar suficientemente alto con aquella desternillante “Los padres de ella”. A pesar del título elegido en la versión española, nada tiene que ver esta película con “La boda de mi mejor amigo” de P.J.Hogan. Más que impedir una boda, aquí de lo que se trata, por parte de la mejor amiga de la futura esposa es organizar la mejor y más informal preparación y boda de la amiga de la infancia. Ya sólo eso de por sí sería una tarea de enormes dimensiones pero si le añadimos que una nueva amiga de la novia se interpondrá en su camino entonces nos podemos imaginar toda una serie de situaciones que pueden convertir a la película en algo muy valioso.

Y se logra una buena película, por muchísimas circunstancias bien enlazadas. Por un lado la interpretación principal del papel de nueva y moderna Ally Mc Beal está estupendamente bien realizado por la que también es co-guionista Kristen Wiig. Todo un animal de comedia que consigue mantener en todo momento un excelente nivel y lograr risas donde uno menos se lo espera. Por otro lado, tenemos un guión, que si bien a priori podría parecer simple, es en los pequeños detalles, en las situaciones más inesperadas donde encuentra su mejor habitat y donde logra convertir lo que podría ser una simple comedia cotidiana en una película abiertamente divertida. No son el elenco de secundarios los que logran elevar más el film, pero sí cabe destacar a Maya Rudolph a la que ya pudimos ver en la última de Sam Mendes “Un lugar donde quedarse”, de primero ilusionada y posteriormente sufrida y atormentada novia.

Toda la mezcla de ingredientes bien servidos consiguen que nos hallemos ante un estupendo cocktail veraniego, una excelente opción para soltar alguna que otra carcajada y la nueva confirmación de que sí, el universo Apatow ha vuelto a conseguir que nos divirtamos.

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Crítica de: Paul

2011-07-22T00:01:00.003+02:00

Road movie extraterrenal

Dentro de lo que se suele llamar despectivamente como americanadas, esta tediosa película ocuparía sin lugar a dudas un lugar importante. Y no sólo por la falta de originalidad, que la hay, ni por el desorbitado compendio de diálogos y situaciones absurdas y predecibles, que también las hay, sino principalmente por una exacerbada acumulación de tópicos burdamente estructurados que hacen de lo que podía haber sido una interesante película, un producto rápidamente facturado y con un objetivo muy concreto.

Si el director Greg Mottola nos había resultado ligeramente divertido con aquella comedia del 2007 “Supersalidos” y nos resultó ciertamente interesante con la comedia adolescente “Advetureland” dos años después, se esperaba que con este film se diese un paso de calidad en el género y estuviésemos ante el salto si no definitivo, sí importante. Pero nada más lejos de la realidad, nos encontramos con un torpe tropiezo, de una película que aburre de principio a fin y solo encuentra cierto interés en la magnífica interpretación (vocal) de Seth Rogen y la caracterización digital del personaje principal, Paul. Un extraterrestre un tanto peculiar, que si bien sus diálogos no están a la altura del personaje, en no pocas ocasiones nos provoca toda la risa que le falta a la película en su conjunto, y adquiere cierta gracia con ese aire desinhibido y chulesco.

Y es que aparte de esto, lo único que tenemos es una road movie, que bebe torpemente de un elenco de películas del género ciencia ficción-extraterrestres, con alguna que otra vaga referencia que incluso da vergüenza reseñar, y que se alimenta de un simple guión para intentar provocar momentos divertidos basándose únicamente en el personaje extraterrestre, que como hemos dicho antes, tiene su gracia.

Y gran parte de culpa de que nos hallemos ante tal fallida comedia, la tienen unas nefastas interpretaciones a cargo de los que también son los guionistas de la película Simon Pegg y Nick Frost, y de unos secundarios tan predecibles como aburridos, y tan encasillados como ridículos.

No es ni mucho menos la comedia del verano, a pesar de que en esta época seamos más proclives a la risa fácil, y no creo que suponga una película a tener en cuenta en ningún apartado concreto, lo que sí que es seguro es que supone un punto de inflexión preocupante en un director como Mottola, que había dado muestras de poder permanecer en el género de manera más que digna.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La prima cosa bella

2011-07-20T11:43:00.001+02:00

Las bellas historias bien contadas

En muchas ocasiones la belleza ha supuesto paradójicamente una barrera infranqueable por mujeres que se querían abrir paso para mostrar su verdadero talento a base de coraje y valentía. Si nos trasladamos a la Italia de 1971 y a un pequeño pueblo, como en esta bella película, los problemas se acentúan considerablemente.

Un modesto concurso de belleza es el detonante de un conflicto matrimonial del que, como casi siempre, serán los hijos las víctimas y testigos incrédulos de los acontecimientos. Uno de estos testigos, el hijo mayor, será el que nos aporte una visión colectiva de pasado y futuro pero a través de un prisma melancólico y abiertamente equivocado, como se irá comprendiendo a lo largo de la película.

Paolo Virzi dirige esta estupenda realización italiana, narrada de un modo clásico y con la sencillez que atesora un talento a la hora de contar historias, como ya demostrase en el año 2003 con “Caterina se va Roma”. El estilo nos retrotrae a algunas magníficas composiciones de Roberto Benigni o historias de Michael Radford y la combinación de narraciones pasadas para entender diálogos y situaciones presentes se realiza de un modo perfecto para el equilibrio de una narración que si bien pareciera que en algún momento pueda decaer consigue finalmente sostenerse con verdadera solvencia a lo largo de las dos horas de film.

Un gran trabajo también de dirección de actores permite componer un amplio retrato de época pasada y presente fácilmente perceptible donde cabría destacar a la actriz protagonista Micaela Ramazzotti, y a la hermana del “narrador” ya en el año 2009, Claudia Pandolfi. Ambas reflejan una gama amplia de sentimientos y sensaciones y consiguen afianzar la idea de que la historia tiene un por qué y necesita ser liberada de algún modo.

A pesar del drama evidente en todo momento, hay un pequeño hueco para la comedia y para la sonrisa, gracias principalmente al carácter del personaje principal (Anna) que a pesar de todo por lo que tiene que pasar, mantiene un contagioso optimismo que se traduce en un marco de alegría inusitada en todo lo que la rodea.

A pesar del clasicismo, son indiscutibles ligeras señas de identidad, de manera que sin hacer mucho ruido se ha logrado una más que correcta película sobre una bella historia que sirve a Paolo Virzi como liberación y una muestra más de talento, y al espectador para volver a disfrutar del cine a la manera del cuentacuentos.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Midnight in Paris

2011-05-15T18:36:00.004+02:00

Magia parisina

Encontrarse con una nueva película del genio neoyorkino y confirmar que se trata de lo mejor de su cine en un extraordinario momento de forma, es una auténtica gozada tanto para sus incondicionales como para los que no le siguen habitualmente. Porque el cine de Allen en este elevado tono, es cine en estado puro.

No podía haber elegido el mejor Festival de Cine del Planeta (Cannes) mejor pistoletazo de salida para un certamen cargado de nombres importantes. Y es que Allen, con “Midnight in Paris” supone todo un aperitivo de lujo cargado de matices, momentos extraordinarios y sublimes, y por supuesto divertidos.

Bajo la apariencia de comedia romántica, Woody Allen nos envuelve por completo en su particular mundo, y con la premisa de una excitante carta de amor a una de las ciudades más bellas del mundo, se encarga de transformar dicha comedia en todo un compendio de cine de alto contenido intelectual, lo que nos permite viajar por mundos de ensueño sin apenas parpadear y nos permite reir sin complejos sin apenas perder la compostura.

En “Midnight in Paris” hay de todo. Desde la nostalgia como punto de reflexión argumentativa, pasando por una estupenda sesión fotográfica y sensorial del París más conocido y también el más bohemio, sin descuidar por supuesto unos diálogos sensacionales y unas situaciones magistrales, para conformar un maravilloso lienzo impresionista que nos permite disfrutar de una sesión de cine al más puro estilo, y de unos más que agradables minutos cinematográficos en una comedia que atrapa desde un primer momento y no deja de sorprender y enganchar en cada tramo, a cuál más interesante.

Todo ello arropado por un acertado reparto, protagonizado por un nostálgico Owen Wilson y una deliciosa Marion Cotillard en sendos papeles hechos a medida, y toda una serie de secundarios en papeles sencillos pero importantes pero ejecutados con bastante acierto, incluida la popular Carla Bruni, que junto a una música cargada de matices consiguen que la obra se mantenga en un elevado y singular tono.

La magia se cierne sobre el París más bello y embriagador de la mano del cineasta que probablemente mejor y con más acierto es capaz de homenajear una ciudad. En este caso además, el homenaje se extiende al París de los años 20 (Picasso, Dalí, Hemingway., Scott Fitzgerald, Buñuel, etc conforman un particular y sorprendente marco de época) e incluso al de la “Belle Epoque” de finales de siglo XIX con Tolousse Lautrec y Gauguin como ejes principales.
Una comedia de amplio disfrute para mentes despreocupadas, pero de una particular motivación para quién además disfrute de fastuosas pinceladas literarias, artísticas e intelectuales, de la mano de un director que deslumbra en pleno siglo XXI.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Código fuente

2011-04-13T12:35:00.004+02:00

Regreso a la memoria reciente

Fue una película tan estupenda la realizada por Duncan Jones hace tan sólo dos años, que la siguiente le correspondía una merecida expectación y una ganas de comprobar que ciencia ficción y thriller se pueden combinar de manera brillante. Y lo vuelve a lograr. Aunque el aumento de presupuesto no suponga un correlativo aumento de calidad, sí estamos ante una nueva buena película de un director que sabe observar con ojos diferentes un género del que no resulta en absoluto nada fácil conseguir resultados positivos.
Duncan Jones tiene talento para este género. Se mueve con elegancia, brillantez y mucha determinación a la hora de sorprender jugando con los tiempos, las imágenes y un guión (Billy Ray, Ben Ripley) perfectamente elaborado para que no quede ni un solo cabo suelto, a pesar de que a veces “Código fuente” se deje llevar por terrenos llanos y sencillos.
En esta ocasión el guión nos traslada a los viajes en el tiempo, o más estrictamente los viajes a la memoria, a los últimos ocho minutos de la memoria para protagonizar una y otra vez ese momento hasta conseguir un objetivo concreto. En este sentido es invitable que nos vengan a la cabeza películas tan emblemáticas como la magnífica “Atrapado en el tiempo”, “Regreso al futuro” o la interesante “Los cronocrímenes” de Villaronga.
“Código fuente” posee su propia particularidad y quizás va un poco más allá en este subgénero para adentrarse en un terreno pantanoso donde realidad y ficción se diluyen para crear una tercera dimensión temporal de dudosa coherencia.
Jones maneja con soltura el guión, se concede pocas licencias y por ende pocos errores aparentes y permite un seguimiento fluido, coordinado y con el suspense necesario y pertinente para que el corto metraje atrape al espectador con suficiencia y sin altibajos.
Jake Gyllenhaal y Michelle Monaghan demuestran una química especial y necesaria para afrontar complicados papeles, y la bella Vera Farmiga consigue ser un eje central perfecto en un diagrama de personajes y situaciones de ligera complejidad en algunos casos y de elevada actitud fílmica en todos.
La ciencia ficción está de enhorabuena siempre que Jones acoja un proyecto con tanta solvencia y brillantez como lo hizo en “Moon” y lo vuelve a repetir en esta ocasión con una película que a buen seguro no pasará desapercibida en pantallas y que supone todo un soplo de aire fresco en un género que como la reciente malograda “Destino oculto” demuestra que necesita no sólo de una buena historia, sino también de un buen artesano que sepa manejar todas y cada una de las piezas de un complejo puzle de elevada factura.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Happythankyoumoreplease

2011-04-13T12:33:00.003+02:00

Elogio de la sencillez

El legado que Woody Allen (Si la cosa funciona) viene dejando a lo largo de los años se hace cada vez más verificable y objetivo, para bien del cine y de las historias interesantes. La sencillez como dogma y el juego de sensaciones y sentimientos desde el espejo que supone la empatía con el que se tiene delante se anteponen a cualquier otra circunstancia alternativa y conforman un mundo particular donde la palabra adquiere un valor determinado, y las miradas y actitudes se antojan sustanciales y un elemento determinante de todas y cada una de las relaciones entre los personajes.

Josh Radnor, director, guionista y protagonista de este film independiente se aventura como un cineasta de lo más interesante de cara al futuro, en un debut de lo más prometedor y un talento inusual para manejar los tiempos de cada una de sus composiciones narrativas.

Premiada en el último festival de Sundance con el premio del público a la mejor película, HappyThankYouMorePlease es un compendio contemporáneo de relaciones humanas sobre el marco floral y a veces insustancial del amor como punto de partida y objetivo casi primordial en la huida a ultranza de la temida soledad.

Varias historia, en un mismo contexto de amistad de unen de manera fluida, a la vez que una minúscula historia del protagonista con un niño encontrado casualmente en el metro sirve para interrelacionar a personajes y permite componer un marco cómico dentro una amalgama de situaciones ligeramente dramáticas, sonsiguiéndose un interesante resultado emocional, que si bien nunca adquiere un tono demasiado elevado, se mantiene casi siempre en un aceptable discreto plano de entretenimiento.

Película que en apariencia no aspira a demasiadas cosas ni inventa nada nuevo, pero que sí consigue trasladar situaciones cotidianas en un mundo rabiosamente actual donde las relaciones personales se convierten en un eje dinámico al que amarrarse cuando la soledad llama a la puerta. Lástima que en el tramo final, Radnor se deje llevar por un flojo romanticismo y unas poco creibles situaciones que impiden que nos hallemos ante una película a la altura de los grandes cinestas del mismo estilo.

Aún así, cine clásico, emotivo y con dosis suficientes para atraer a un público que no busque excesivas metas fílmicas, y que quizás encuentre más de lo que esperaba, con una simple y sencilla receta para alcanzar la felicidad: gracias, más por favor.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Cuestión de principios

2011-04-13T12:31:00.002+02:00

Cuestión de principios

Ah los principios. De aquel viejo y consumido paradigma moral cuán poco queda y qué poco y mal ha sobrevivido el paso del tiempo. Obsoletos, prescindibles. Morir o ser encarcelado por unos principios era relativamente habitual en los comienzos del siglo pasado, pero actualmente no se observan de la misma manera, e incluso adquieren connotaciones negativas dependiendo de contexto o grado.

En esta ocasión, una preciada revista, la única que le falta a le jefe, la tiene casualmente Castilla, un humilde empleado que bajo la rústica apariencia moral, esconde unos poderosos principios que si bien nunca se pueden decir que puedan ser inquebrantables si tendrán la solidez suficiente para mantenerse firme en no ceder la revista por aparecer en ella un familiar suyo.

El joven cineasta argentino Rodrigo Grande se atreve a plantearse ciertos criterios morales en torno a estos conceptos, que obsoletos o no siguen manteniendo todo el interés en cuanto a la moral del ser humano y los límites que es capaz de asumir. Y lo hace con frescura, absorto en sus propios actores, y con la sencillez necesaria y a su vez compleja (valga la paradoja) de que la historia fluya sin sobresaltos imprevistos ni giros extraños, siempre con los personajes como punto de partida y esquema final de la historia. Una historia que parte de un relato corto homónimo de Roberto Fontanarrosa, que además co-participa en el guión de la propia película.

Nadie mejor que Federico Luppi, probablemente el mejor actor de la historia del cine argentino, para protagonizar un papel que puede tener cierta consonancia –precisamente por el tema de valores, o principios- con los ya realizados en películas como “Martín Hache” o “Un lugar en el mundo”, ambas de Adolfo Aristarain. Precisamente de este genial cineasta también argentino, bebe muchísimo Rodrigo Grande en conceptos tan puros como los diálogos y la manera de dar vida a unos personajes que en todo casi siempre serán los protagonistas supremos de la historia narrada, que en ocasiones parecen ser protagonistas íntimos de una escena teatral.
Mejor compañía que la siempre deliciosa Norma Andrea difícilmente podría encontrarse a Federico, ambos formando un tándem sensacional que junto a Pablo Echarri, en el incómodo papel de Silva, forman un conjunto homogéneo que da vida a una confrontación certera entre burguesía y poder, o lo que es lo mismo entre principios consolidados y frivolidad social.

“Cuestión de principios” no llega a ser la película argentina del año porque se pierde en algunos conceptos y situaciones un tanto abstractas y ligeramente rudimentarias, pero con su intencionado clasicismo argumental y su fresca puesta en escena, nos presenta una manera de hacer cine que nunca caduca y que nunca pasará a la historia, no así como los mencionados principios de los que la película debate y profundiza, porque en estos tiempos, como ya anticipase en genial Groucho Marx: “Estos son mis principios, si no le gustan tengo otros.”

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Incendies

2011-04-13T12:29:00.003+02:00

Rutas incendiarias

Hace unos pocos meses se podía disfrutar en Madrid (en el Matadero) de una obra de teatro impactante, del autor Wajdi Mouawad sobre la metamorfosis de unos personajes en continua búsqueda personal. Ahora nos llega a los cines la adaptación de aquella obra de la que el director canadiense Denis Villeneuve se quedó maravillado nada más verla, y a la que le concede particulares y en general acertadas licencias que favorecen el espectáculo fílmico hasta llevarle en ocasiones a un éxtasis dramático y emotivo.

El curioso y enigmático testamento de Nawal, mujer de pasado desconocido pero intenso, será el eje inicial a través del cual sus hijos comenzarán la búsqueda de todas aquellas cuestiones que van surgiendo y van sorprendiendo a sus protagonistas. De este modo, “Incendies” explora tanto los caminos del flash back imprescindible, hasta los del road movie crudo y real, para conseguir de manera brillante que la historia nunca pierda intensidad y sobre todo mantenga una emoción se prolongará a lo largo del film, hasta conseguir resolver todas las claves que se proponen desde el inicio mencionado. La interpretación de Lubna Azabal es tan soberbia que resulta complicado desligarla de Nawal y su terrible drama, mostrándonos tantas capas internas y ventanas insondables que la historia se enriquece en cada aparición al margen de circunstancia o tiempo del que nos tratemos.

Si al cenit dramático, le unimos la situación geopolítica a la que nos traslada, y la denuncia social, nos podemos reencontrar con películas como “Zona libre” protagonizada por Natalie Portman, “Los limoneros” o “Paradise Now”, y sobre todo, sin lugar a dudas ante una obra absoluta, que tan sólo se le encuentra debilidad en algún momento final, pero que a lo largo de toda la emocionante historia mantiene un nivel elevado y un pulso constante entre eficacia dramática y estilismo virtuoso.

Villeneuve nos regala un espectáculo dramático brillante, basado en una magnífica obra teatral y con todos los argumentos posibles para haber sido candidata al Oscar de habla no inglesa y por supuesto para haberlo ganado.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Destino Oculto

2011-04-13T12:28:00.002+02:00

Ajuste de cuentas

Hablar de una película de ciencia ficción, en términos románticos y amorosos ya de primeras produce cierto rechazo. No suele funcionar y no son dos ingredientes que encajen bien en casi ningún argumento de este tipo salvo raras excepciones. Si además ni lo uno lo manejamos con brillantez, ni lo otro resulta creíble, pues entonces nos encontramos con un cocktail dificil de digerir y con pocos alicientes que destacar.

George Nolfi firma una ópera prima tirando de caballo ganador en cuanto a guión. Toma un relato poco conocido de Philip Kindred Dick (autor de relatos o libros en los que se han basado exitosas películas como "Desafío Total" o "Minority Report" o "Blade Runner") para moldearlo sin mucha ambición y buscar un resultado discreto que le permita solventar una pepeleta que a priori se antoja complicada y que no está a la altura del cometido.

El eje principal de la historia no resulta especialmente esperanzador, habida cuenta de las numerosas películas que nos presentan cómo manejar a los humanos sin que ellos se enteren, pero lo que en absoluto funciona casi en ningún momento es el propio desarrollo, que se muestra inverosimil, a veces simple e infantil y en no pocos momentos aburrido.

La fantasía y la coherencia mínima no fluyen como debieran, y lo que pretende ser una historia a la que sacar todo el jugo posible, se convierte en un derroche vanal de artificios sin mucha sustancia que tener en cuenta.

Matt Damon y Emily Blunt hacen lo que pueden y están como mínimo a la altura de unos personajes de los que poco se puede sacar y que apenas aportan intensidad a un relato vago y ambiguo. El disfrute de alguna secuencia en la que ambos se enamoran es de lo poco interesante que nos podemos encontrar a lo largo del film.

Estamos por tanto ante una nueva decepción de un tipo de película que si bien se presenta con visos esperanzadores de al menos hacernos pasar un rato entretenido se va conviertiendo poco a poco (y pese a que los primeros minutos prometen algo más) en una acumulación de recursos insustanciales y de situaciones poco destacables y sobre todo muy predecibles.

Ajustándonos a la realidad, una película floja en un género del que siempre se espera mucho.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: 127 horas

2011-02-04T00:21:00.001+01:00

Atrapado

El recientemente oscarizado Danny Boyle se ha adaptado con tanta facilidad al cine contemporáneo que se mueve con extremada soltura y solidez en todos y cada unos de sus terrenos, y le permite obtener oro de una historia aparentemente simple.

Sin apenas personajes, con un guión extremadamente simple (basado en la historia real de un aventurero se queda atrapado en una montaña con mínimas posibilidades de salir con vida) y con la imaginación como único medio para solventar la película, Boyle va construyendo un elegante producto que nos atrapa desde un primer momento, casi desde el primer plano, y a base de una cámara inquieta, una potente e incesante música (A.R. Rahman vuelve a colaborar, además de un sensacional tema de Dido) y la extraordinaria interpretación de James Franco consigue de "127 horas" un estupendo film donde suspense, angustia, drama e incluso comedia se mezclan con la suficiente destreza para poder estar hablando de una de las películas del año.

Y es que el director inglés, lejos de acomodarse tras su exitosa "Slumdog Millonaire", busca proyectos atratctivos y arriesgados, y "127 horas" no lo podía ser más. Al igual que Rodrigo Cortés con su reciente "Buried", Boyle tiene poco material para transformar un accidente en un prodigioso ejemplo de narración dinámica y con un fascinante montaje (esto la diferencia de la anterior película mencionada) logra una fluidez excepcional de una historia que debe discurrir con habilidad para conseguir el objetivo final.

Entretenida como pocas, y excelentemente dirigida por quien ya ha demostrado con creces que su capacidad de adaptación no conoce límites, y sobre todo emocionante hasta el punto de no saber qué es lo que va a pasar con este aventurero que poco a poco vamos conociendo un poco mejor y que se debate entre la vida y la muerte debido a un golpe de mala suerte.

Boyle sigue estando en forma, y eso siempre es una excelente noticia para el mundo del cine.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Primos

2011-02-04T00:18:00.001+01:00

Descompuesto y sin novia

Resulta realmente extraño y un caso ciertamente atípico dentro del mundo del cine, que un director que realizase la sensacional “Azuloscurocasinegro” (grata sorpresa en su momento del cine independiente) y la más que digna “Gordos” donde supo conjugar con cierta originalidad el drama con ligeros toques de comedia, se lance de manera descabellada hacia una comedia descarada y abiertamente comercial, y lo haga con un producto tan flojo y por ende decepcionante.

El guión, aún siendo prometedor, de manera casi instantánea se va transformando en una historia predecible, en una escapatoria hacia el maravilloso lugar de Comillas, en un ambiente vacacional y fiestero que anima al humor y la comedia pero que se hunde en un fallido intento de conjugar comedia festiva con superficiales momentos sentimentales.

Con todo, “Primos” se perfila como un atractivo producto divertido, que tendrá su aceptación, y que nos deja momentos cómicos de ligero acierto, donde el potencial de los actores mantienen viva la llama de la risa aunque sólo sea por sus interpretaciones. En este sentido Quim Gutiérrez se conforma como el auténtico motor de la comedia (pese a no tratarse de un actor cómico) y como un estupendo personaje que haciendo vibrar a una suerte de secundarios como Antonio de la Torre o Raúl Arévalo permiten que la película se desarrolle de manera aceptable y discurra por terrenos amables aunque abiertamente insuficientes. Por otro lado, el hecho de incluir a los mismos actores para las películas de Daniel Sánchez Arévalo además de confundir a los personajes, les impide obtener la credibilidad necesaria para que el personaje, con su propia personalidad nos plantee situaciones efectivas y contundentes.

Da la impresión de que “Primos” pudiera ser un paréntesis en la prometedora carrera de Daniel Sánchez Arévalo, antes de afrontar nuevos proyectos más sólidos, y nos hallemos ante un puro divertimento sin ninguna pretensión más que agradar al espectador y buscar la propia diversión.
En cualquier caso se trata de un paso atrás en un intento de crear una comedia al uso donde tan sólo el buen hacer interpretativo puede otorgarle algún potencial y donde el discurrir de los acontecimientos nos confirma que no ha habido excesivo interés ni por sorprender ni por innovar.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Miel

2011-02-04T00:15:00.001+01:00

Densidad y belleza

Formando parte de una trilogía que comenzó con "Huevo", a la que le siguió "Leche" y precedida por el prestigioso galardón del reciente Oso de Oro de Berlín (festival que siempre suele tener bastante buen gusto), nos llega a las pantallas (sin haberse estrenado aún en nuestro país las dos primeras mencionadas) esta interesante película del no menos interesante cineasta turco Semih Kaplanoglu.

La película narra la historia de un niño de 6 años en una zona rural y los pormenores que ello conlleva. La imaginación, los deseos, los miedos o las propias curiosidades infantiles centran el mundo de Yusuf en un viaje hacia la desconocida cotidianidad donde muchas situaciones serán novedosas, otras terriblemente tristes y la gran mayoría extrañas.
Yusuf siente admiración por su padre, recolector de miel y que inevitablemente marcará su vida para siempre.

Arropada por una espléndida fotografía donde los claroscuros centran toda la atención y la diversidad de paisajes iluminan en otros momentos la película de manera notable, "Miel" se articula como un profundo y reflexivo estudio contemplativo de la vida de Yusuf, a través de diversos pasajes. Todos y cada uno de estos pasajes tendrán una razón de ser y formarán parte de un mecanizado juego de estructuras narrativas que si bien centran el interés al comienzo de la película, a la larga la envuelven de cierta densidad que le impide desarrollarse con la fluidez necesaria para que la atención adquiera un ritmo constante.

El interés, inevitable, por el devenir de Yusuf, está conseguido, y la solidez de un discurso narrativo de notables influencias y de elevada proporción permiten que la película discurra casi siempre en un plano de indudable factura y consiguen que arte fotográfico, silencios imaginativos y bellos marcos argumentales se fundan con libertad para formar una película que bien puede ser considerada un perfecto broche final a una trilogía que se configura de manera muy original en retroceso narrativo.

Kaplanoglu culmina una extensa obra de una calidad notable con este film, que si bien se infiltró por sorpresa como vencedor en Berlín, se ha ido ganando poco a poco el aplauso y el respeto de quién se ha acercado a verla.

Una propuesta arriesgada, pero siempre con el broche de una calidad contrastada pese a que en ocasiones la densidad no nos permita contemplar la belleza del bosque.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Más allá de la vida

2011-01-20T21:03:00.003+01:00

El arte de narrar con carácter

Una narración casi artesanal. Una manera de contar historias de manera pausada, sosegada sin ánimo de apresurar acontecimientos aunque sean nimios. El pequeño arte del cuentacuentos cinematográfico.

Esto, en líneas generales es lo que caracteriza el último cine del maestro Clint Eastwood, y esto es lo que primeramente nos ofrece con su última película “Más allá de la vida”, que defraudará a pocos de los seguidores de este particular cineasta.

Tres historias, sin aparente nexo común más que el tema principal que no es otro que la propia muerte. La dama oscura que acecha y que en este caso plantea reflexiones sobre la otra vida sin complejos, sin necesidad de análisis profundamente científico pero con un marcado intento de darle un carácter moral que va más allá (nunca mejor dicho) de una simple lectura frívola y que provoca un ligero sentimiento de interés hasta en la mente más escéptico en estos asuntos tan poco conocidos. Nada de dogmas radicalmente subjetivos, pero sí una leve lectura filosófica de un acontecimiento que no por ser rutinario nos sigue resultando enigmático. No es casual que el director octogenario se plantee este y otros dilemas las alturas de su vida, pero resulta sorprendente la lucidez de planteamiento, el alejamiento radical de una postura ligera o superficial.

La primera historia nos lleva a conocer como de una exitosa vida profesional y sentimental por parte de la presentadora francesa Marie (Cécile de France), se puede pasar al más profundo aislamiento y desamparo por culpa del acercamiento a la muerte a través de un desastre natural. La segunda historia nos lleva a conocer la tristeza y la incredulidad de un niño al afrontar la muerte de su hermano gemelo, y con una madre drogadicta. Por último, Eastwood nos presenta al personaje que a priori podría ser el epicentro de la historia, a través de un médium (Matt Damon) que aparentemente y sin engaño alguno es capaz de ver más allá de la vida.

Eastwood elabora este trío de historias de manera absolutamente independiente pero con la particularidad de mantenerlas de alguna forma ligadas en la retina del espectador para enriquecer cada una de ellas y en cierta medida alimentarse y combinarse indirectamente entre las mismas. Uno presiente que estas historias paralelas, aunque lejos geográficamente se entrelazarán de alguna manera, se fusionarán para conseguir un éxtasis final redentor y con visos de solución a los dilemas que se plantean. No será hasta el tramo final cuando se podrá observar si existe dicha fusión, pero mientras tanto todas y cada una de las tres historias contendrán tanto interés individualmente, que por ellas mismas mantendrán la película en un elevado nivel narrativo y emocional. En este sentido es imposible no acordarse de la trilogía de González Iñárritu (Amores perros, 21 gramos, Babel) del cine de Rodrigo García (Cosas que diría con solo mirarla, Nueve vidas, Madres e hijas) o de la excelente Crash de Paul Haggis, para hacernos una idea de un cine que eficazmente se adentra en el particular y siempre controvertido estigma personal del alma humana.

La película además se adhiere al momento contemporáneo de globalización y se enmarca en tres escenarios geográficos completamente distintos y en dos idiomas (francés e inglés) a la vez que el guión de Peter Morgan emplea acontecimientos históricos relativamente recientes y de gran impacto social como el tsunami del sudeste asiático, o los atentados de Londres, para añadir modernidad, actualidad y un enfoque puramente contemporáneo que permite una visión estrictamente personal de los acontecimientos.

La certera música proviene del mismo Eastwood y la fotografía -de su fiel Tom Stern- añade ese halo denso y oscuro necesario en numerosos momentos para conseguir un climax de misterio e intriga que acompañará a no pocos instantes del film. Un film que además contiene soplos entrañables, algún enfoque íntimo de cierto nivel emocional y sobre todo una estructura narrativa tan bien elaborada que conmueve y mantiene el interés a partes iguales durante todo el intenso metraje.

Eastwood vuelve a dar con la tecla adecuada. Vuelve a hacer profundizar en el lado más amable y sensitivo del ser humano, y nos regala una propuesta interesante, reflexiva, y en algunos momentos sublime.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Camino a la libertad

2011-01-20T20:52:00.002+01:00

El triunfo de la épica

Que Peter Weir es un director valiente y de un cine muy personal, lo corroboran películas anteriores como "Unico testigo", "El club de los poetas muertos", o "El show de Truman". Por eso no es extraño encontrarse con un proyecto de tal envergadura envuelto en un digno halo de humildad acompañado de una escasa y discreta promoción comercial.

Peter Weir afronta en esta película un capítulo de la historia poco conocido, pero no por ello menos interesante, como es la existencia de los Gulags en la Rusia estalinista. Escapar de una prisión siberiana y todo el recorrido hasta encontrar la libertad será el camino de que deberán recorrer tanto protagonistas como espectadores en este drama épico basado en hechos reales.

Lo más destacable de "Camino a la libertad" es sin duda alguna el inmenso trabajo tanto de actores como de director que se vislumbra en los innumerables aspectos que el film nos proporciona. La variedad de idiomas (todos ellos perfectamente coherentes con la historia), de adaptaciones a climas, de situaciones peligrosas, etc, etc nos permiten comprobar que tras la cámara ha habido un compromiso que va más allá del puro cine comercial, y una profesionalidad que busca algo más que el mero aplauso interpretativo. Tanto Ed Harris, en un papel perfectamente pensado para él, como el sorprendente Colin Farrell en uno de los mejores trabajos de su carrera, como la poco conocida Saoirse Ronan, y sobre todo el magnífico Jim Sturgess conforman un equipo que encaja a la perfección en una aventura sin límites donde la complicidad de todos y cada uno de ellos puede dar o no al traste con el devenir de la película. Los diálogos, las miradas, los silencios...todo ello conforma un mundo personal e indispensable que permite que la historia (quizás excesivamente larga) discurra por un lineal y encomiable discurso narrativo que acepta el trato con el espectador en el idioma universal del entretenimiento.

Porque la película de Weir es muy entretenida. Y practicamente no deja de serlo en ningún momento. Pero dicho esto, a uno le queda la impresión de la ocasión desperdiciada. Con los moldes existentes, y un mayor enfoque narrativo y argumental, bien podríamos estar hablando de la película del año por diversos motivos. En cambio, "Camino a la libertad" se queda en una buena película en la que en cierta medida tanto esfuerzo por parte de todo el equipo se queda en suspenso ante una historia que no termina de emocionar, que a pesar de la buena complicidad de los actores, no terminan de convencer en el sentido más personal de sus relaciones, y que en definitiva se pierde en caminos excesivamente épicos para terminar sobreponiendo la aventura a la intensidad emotiva, dejando un poso amargo que impide ver el amplio espectro que en principio de había creado.

La estupenda interpretación de Jim Sturgess, que ya nos convenciera con "50 hombres muertos", nos permite confirmar un valor en alza dentro del cine contemporáneo, y la firmeza de convicciones y buen dominio de la dirección del maestro Weir, nos permite disfrutar de una película recomendable, y esperar en el futuro un nuevo y sorprendente proyecto.

No es, como pudiera parecer, la gran película de Weir, pero sí es en cambio una interesante opción para además de acercarse a un capítulo no muy conocido de la Segunda Guerra Mundial, disfrutar con espectaculares paisajes, y admirar momentos interpretativos de gran calibre.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La llave de Sarah

2010-12-28T11:57:00.004+01:00

Eterna tristeza

Vivir con el peso de la culpa, de lo que se podía haber evitado, de lo que nunca debió ocurrir, es una carga demasiado importante para sobrellevarla sin ningún tipo de problema a lo largo de los años. Cuando la pequeña Sarah, en la época de la caza de judíos durante el gobierno colaboracionista de Vichy en Francia, intenta salvar la vida de su hermano pequeño, se creará en torno a ello una situación de desesperación y angustia con la llave como principal protagonista y única confidente.

Aunque el suceso ocurre en 1942, el director francés Gilles Paquet-Brenner, inspirado en la exitosa novela de Tatiana de Rosnay, elabora toda la historia en dos épocas concretas. Por un lado la época en la que suceden los acontecimientos trascendentales, y por otra el año 2002, fecha en la que la periodista Julia comienza casi de manera casual a investigar todo lo sucedido y en concreto el devenir de la vida de Sarah.

Alejándose por completo de sentimentalismos convencionales, y contando la historia con una corrección extrema y una elegancia indudable, el director francés conlleva ambos relatos con un gran acierto hasta hacerlos confluir de manera dinámica y con un estilo firme. Tanto las interpretaciones de Sarah (Mélusine Mayance ) como de Julia (Kristin Scott Thomas) son tan estupendas, que permiten seguir la historia con coherencia y emoción, con ese punto necesario de intriga y drama que enriquece la historia hasta convertir el devenir de la misma en un momento intenso y vibrante.
Aunque la película toca temas ya conocidos, sobre la barbarie nazi, lo hace de una manera tan bien estructurada y tan bien coordinada que inmiscuirse por completo en la historia resulta una tarea sencilla y convierte al espectador no sólo en un testigo contemplativo sino en un visitante indignado y dolido con todo lo que sucede.

Aunque Sarah guardaba la llave que debía salvar a su pequeño hermano, Julia tendrá la llave que le permite investigar sobre la posterior vida que llevaría Sarah, la familia que pudiese haber formado y sobre todo la experiencia personal de aquellas fatídicas fechas.

Un drama solemne, avalado y protegido por el éxito de la novela homónima, pero con unos rasgos personales y propios que la convierten en una excelente opción en la cartelera navideña y una importante oportunidad de acercarse una vez más a una época histórica que no por terrible resulta eminentemente interesante.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Historias de la edad de oro

2010-12-17T02:08:00.003+01:00

Rumania legend

La revisión años después de un régimen dictatorial planteada desde un discurso irónico pero sin perder la postura de compromiso, supone ya de por sí un ejercicio saludable y reconfortante no sólo para los que lo sufrieron, sino para los que apenas tuvieron conocimiento de ello. El director Cristian Mungiu reconocido en Cannes por su película magnífica película “4 meses, 3 semanas, 2 días”, es el auténtico artífice y motor de este interesante proyecto que se propone en clave tragi-cómica hacer un repaso en apariencia superficial pero con trasfondo político y social a una época complicada y sumamente oscura.

Aunque esta película está narrada en la misma época que “4 meses, 3 semanas, 2 días”, el tono es abiertamente diferente. Si aquella el drama más encarnizado lo envolvía todo de una manera sublime, en esta ocasión se opta por transmitir lo mismo pero de una manera más amable, burlesca y en un plano de aparente sencillez. A través de cinco historias, cinco leyendas urbanas y con cinco directores rumanos distintos se proyecta un momento histórico, cultural y social trascendental en la vida política europea, y se hace transformando la triste realidad en cinco historias divertidas, curiosas y mostrando una mirada que sin alejarse de una crítica indirecta se mueve por terrenos donde tiene cabida el humor, el absurdo de las situaciones y el más estricto y reflexivo drama moral urbano o rural.

Aunque las cinco historias están rodadas por cinco cineastas rumanos, la mano de Mungiu es evidente, y sumamente importante no sólo en la proyección internacional del film, sino también en su estilo narrativo y en su manera de proponer alternativas cinematográficas a una visión histórica complicada y con numerosas lagunas.

Los actores no son conocidos en el plano internacional, pero sí podemos reencontrarnos con aquel despiadado médico sin escrúpulos de “4 meses, 3 semanas y 2 días” Vlad Ivanov en un papel muy distinto y en un nuevo acierto interpretativo que enriquece su historia de manera notable.

Es sin duda la primera historia, la más divertida, simbólica y la que nos deja un cierto recuerdo melancólico de nuestra querida “Bienvenido Mr. Marshall” del maestro Berlanga. Un estupendo inicio para lo que va a ser un viaje entretenido, curioso y con un gran valor histórico aunque se disfrace de narrativa superficial.

Nueva aportación de un cine rumano que además de la mencionada película anterior de Mungiu, nos dejó hace poco tiempo la interesante "California Dreamin", del tristemente fallecido Cristian Nemescu. Un cine que se asoma con lentitud, con discreción pero con muchísimo estilo, profesionalidad y aparente veteranía.

Cuando las leyendas nos invitan a reflexionar.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Balada triste de trompeta

2010-12-15T02:57:00.002+01:00

Todos los juguetes sobre la mesa

Si algo caracteriza el cine de Alex de la Iglesia es quizás su poderosa atracción posmoderna a base de artificios estrambóticos. El exceso y esa capacidad de búsqueda de lo sorpresivo, lo arrebatador, hacen de Alex uno de los cineastas más destacables en el plano nacional, y también internacional. Su interesante filmografía tiene varios rasgos en común, y algunos de ellos, se reencuentran en esta película, confirmando un sello tan particular como inimitable.
De “Muertos de risa” tenemos la lucha entre dos personajes (esta vez payasos en lugar de humoristas), así como de “La Comunidad” podemos disfrutar nuevamente de una galería de personajes secundarios imprescindibles, y un humor negro terriblemente divertido.

El problema es que hay otros aspectos que resultan menos agradables, debido a su repetición. Esos finales siempre tan al límite (casi idéntico en este caso al de “La Comunidad” o “El día de la bestia”) nos hacen ingresar en un incómodo “dejau vu” que sólo puede funcionar para alguien que es virgen en el visionado de la filmografía del director. Es en este sentido es decepcionante no encontrar alternativas que puedan asombrar o no vislumbrar caminos alternativos por los que dirigirse sin ningún tipo de complejos. Finales excesivos, cargados de acción y emoción (a veces edulcorada) que en ocasiones demuestran el talento (innegable) del director en cuanto a su capacidad de transmitir y de generar cine, pero en líneas generales pierden efectividad a base de ser excesivamente reconocible.

La película no puede tener un influjo más poderoso ya desde el comienzo, con unos títulos de crédito realmente sensacionales en cuanto a música y en cuanto a imagen. Tras ellos la Guerra Civil. Es aquí donde la película comienza cojeando debido a la poca verosimilitud del relato histórico y sobre todo de los personajes. El humor se mezcla con la historia de una manera un tanto extraña, que no funciona ni por el sentido cómico ni por el trágico o dramático, a pesar de los esfuerzos de secundarios como Fran Perea o Fernando Guillén. El discurrir de esta “balada” mantiene cierto interés y aunque continua con irregularidades, en líneas generales contiene cierto atractivo especialmente para los que anteriormente hayan disfrutado con el cine del director Alex de la Iglesia.

Son sin duda los dos actores principales, Carlos Areces sensacional y sobre todo Antonio de la Torre en absoluto estado de gracia los que dan el mejor tono a la película, los que sostienen todo el metraje con gallardía y los que hacen medianamente bueno un guión que parece no caminar con pie demasiado firme. En cambio Carolina Bang, a pesar de tener en sus manos un papel jugoso, no consigue darle la consistencia suficiente como para ponerse al nivel de su dos compañeros.

Para los amantes del cine de Alex, será una nueva oportunidad de disfrutar si no se le busca tres pies al gato, o al payaso, qué duda cabe. Para los que busquen un grado más de exigencia puede resultar decepcionante. En general triunfará en taquilla, pero dejará el sabor amargo de la oportunidad perdida, aún pareciendo haber puesto toda la carne en el asador, o todos los juguetes encima de la mesa.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Todas las canciones hablan de mí

2010-12-10T01:55:00.002+01:00

Las consecuencias del amor

Las relaciones personales en general, y las de pareja en particular es un tema bastante recurrente en el cine español. En cierto modo porque funciona, y en cierto modo porque se ha realizad con acierto en la mayoría de los casos. Los precedentes son innumerables y las referencias casi infinitas. En este caso nos hallamos ante la ópera prima del hijo de Fernando Trueba, Jonás Trueba. Y para ser su primera película, nos encontramos ante una obra ciertamente destacable. Moderna en su perspectiva, y clásica en su planteamiento, pero con ese punto de personalidad que nos permite diferenciar la obra de autor, de cualquier otra obra del montón.

Una pareja que acaba de poner fin a su relación es el punto de partida desde donde la historia se moverá por parámetros de factura diversa, con el único punto en común de dejar desarrollarse a unos personajes que naufragan bajo la amenaza del ciclón de la desesperación y que sobreviven como pueden al fantasma de la nostalgia.

En el cine del joven Trueba podemos encontrar tantas referencias cinematográficas como musicales, todas ellas bañadas en una banda sonora contemporánea y embriagadora. No es difícil sentir el eco del mejor Truffau (Jules y Jim) en no pocas secuencias de la película y reconocer la innegable deuda que el cineasta español mantiene con la maravillosa Novelle Vague y sus influencias. De este modo la historia se desarrolla con fluidez, en muchos casos con un destino poco certero, y en algunas ocasiones con secuencias de brillante factura que nos permite reconocer la personalidad de un autor con talento y a tener en cuenta en el futuro.

Madrid será el marco imprescindible e inconfundible en el que los personajes recorrerán calles emblemáticas, cafés interesantes y bares con encanto, otorgando a la ciudad un importante y destacado papel, y consiguiendo sacar lo mejor de ella y lo más significativo. Junto a ella, la música adquirirá su correspondiente importancia, y canciones de Cristina Rosenvinge, Nacho Vegas o música de Perico Sambeat compondrán una banda sonora dinámica, moderna e independiente que encajará a la perfección con el clima de insatisfacciones y desesperanza en el que se mueven los personajes. Incluso la sensual “Canción para follar” de Aroah, tiene perfecta cabida sin que pierda un ápice de concordancia en ningún momento.

Los dos personajes principales están protagonizados por un correcto Oriol Villa (“Salvador”) y una más que interesante Bárbara Lennie, que si ya nos convenciese en la irregular “Las trece rosas”, en esta película se la comprueba cómoda y desarrolla el personaje con suma facilidad y acierto considerable. En torno a ellos dos se mueven secundarios que aportan la sutil comedia que la película contiene en su justa y agradecida medida, destacando el hallazgo de un Bruno Bergonzini sencillamente insólito.

En Jonás Trueba hay también, como hemos dicho antes, una importante influencia literaria que en todos los sentidos enriquece a la película, tanto en diálogos como en actitudes. Nos encontramos en este sentido con que “La ignorancia” de Milán Kundera ,o “Cuadernos de todo” de Carmen Martín Gaite adquieren un importante papel, así como la poesía de Pessoa o de Alejandra Pizarnik se convierten en voces poéticas destacables en uno u otro sentido.

Todo ello hace que “Todas las canciones hablan de mí”, lejos de parecer un simple drama generacional o costumbrista, sea trate de un drama con sustancia, en muchos puntos original y con un sello personal y meritorio que hacen de una película pequeña un pequeño destello que se mantiene en la memoria.

sergio_roma00@yahoo.es

puertas

Crítica de: NEDS

2010-12-03T14:01:00.002+01:00

Lejos de los maestros del género.

No es la primera vez ni mucho menos, que existe un acercamiento cinematográfico al mundo de la adolescencia desde multitud de prismas. El más eficaz y menos arriesgado a la hora de realizar una película es sin duda alguna los conflictos que se crean en torno a esta edad, los problemas que se suceden y sobre todo la búsqueda de una identidad que en un punto determinado se ha perdido o se encuentra difusa. En este sentido, podemos hablar desde su vertiente más comercial con “Mentes peligrosas” con la intrépida Michelle Pfeiffer, hasta películas más crudas que afrontan el problema desde una perspectiva más profunda, como la extraordinaria “Ciudad de Dios”.

“No educados y delincuentes” es la base en la que se centra este drama juvenil que toma como raíz principal la metamorfosis que se produce en una mente joven prácticamente pura y virginal hasta convertirse en un adolescente delincuente, estudiando como influencias decisivas de este nuevo comportamiento las bases familiares, culturales y sociales.

El actor y director Peter Mullan afronta un proyecto que no le es en absoluto indiferente y que ha vivido en su propia piel aunque de manera probablemente más suave. Y lo hace con muchísima voluntad pero con poco acierto en no pocos momentos que se antojan fundamentales. La película al subgénero no aporta nada, se disfruta con relativa facilidad y en este sentido es agradable, pero no consigue el punto de emoción o empatía que necesita para que discurra por cauces más trascendentes. No se trata de una más en el sentido más estrictamente negativo, pero sí de una película que al no mostrar nada nuevo se queda como un puro producto entretenido al que poder comparar y encasillar con otros del mismo estilo.

Toda la fuerza tanto dramática como emotiva la aporta el novel y actor no profesional Conor McCarron. Su gesto concreto, su facilidad para tratar de tú a tú a la cámara sin ningún complejo, y sobre todo su expresividad dentro de gestos aparentemente convencionales adquieren tal grado de realismo que lo convierten en el auténtico bastión en el que la película se sostiene. En este sentido, es inevitable la comparación con aquel debut de Thomas Turgoose que siendo también un actor no profesional consiguió un excelente trabajo en “This is England” y más tarde en “Somer´s Town”, ambas película del inglés Shane Meadows y con cierta similitud en el subgénero tratado, aunque con más acierto.
Es evidente que Mullan bebe de diversas fuentes en cuanto a cine social se refiere, que van desde Einstein hasta Danny Boyle, pasando evidentemente por el neorrealismo italiano, y sobre todo el auténtico dominador del género Ken Loach. Con este último intervino en películas como “Riff Raff” y “Mi nombre es Joe” (película que le valió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes del 98). De Loach absorbe casi todo. Y algunos aspectos los aborda con tacto, pero otros los trata de una manera excesivamente superficial. En este aspecto, es sin duda Andra Arnold, con películas como “Red Road” o “Fish Tank” la que mejor ha sabido entender la esencia de este tipo de cine y la que mejor se ha acercado a un submundo complejo pero intenso, oscuro pero vital.

“Neds” adolece de un realismo más profundo, le sobran momentos surrealistas que lejos de aportar algo interesante ridiculizan al personaje, y le falta un mayor acercamiento a la realidad urbana así como a la realidad familiar de manera que el puzle se vaya formando sin sobresaltos y sin perspectivas abruptas de una situación difícilmente adaptable al ambiente creado.

Una película que se puede recomendar, que entretiene, pero que no se eleva a la categoría de imprescindible y que está lejos de los maestros del género.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Poesía

2010-11-25T02:32:00.002+01:00

La belleza eterna

Enaltecer la belleza desde una vertiente poética y con el susurro de la palabra y la insinuación de una imagen, es un privilegio como autor que está al alcance de muy pocos, y uno de ellos es sin duda alguna el cineasta que ya nos dejase aquella maravillosa “Secret Sunshine” de hace tan sólo tres años, Chang-dong Lee. En aquella particular odisea era Shin-ae una madre recientemente viuda la que vive la más dura de las experiencias, y será su soledad y su impotencia los motores que pondrán en marcha todo un mundo de tristezas y añoranzas. Como en “Secret Sunshine” y dando la impresión de que estamos ante un extraordinaria díptico sobre la soledad femenina desde diferentes perspectivas, “Poesía” ahonda en el sufrimiento paralelo en los desenlaces desafortunados y en la pérdida de una esperanza hacia unos personajes que pudieran tener un destino predefinido y de difícil conmutación, pero en permanente lucha contra ese destino precisamente y en la búsqueda constante de un cauce más dinámico a una vida de por sí excesivamente rutinaria.

Pero esta vez, Chang-dong Lee va más allá en todos los sentidos. Sobre el marco de la poesía, de los versos, construye toda una historia cargada de matices y con diferentes connotaciones que nos lleva a situarnos desde varias ventanas que dan a un mismo paisaje crepuscular. Tanto el personaje principal, la tierna y sensible Mi-ja, como toda la amalgama de secundarios imprescindibles, participan de un decorado bañado en versos sin hablar de la poesía más que en abstracto, y creando un universo cautivador y enormemente emotivo.

Mi-ja está interpretado por la mítica (en Corea del Sur) Jeong-hee Yoon que tras una prolongada ausencia en las pantallas, vuelve a demostrar que es la mejor actriz de la historia del cine coreano, en lo que probablemente es el mejor papel de su carrera. Jeong-hee Yoon aporta tanto al personaje y lo enriquece de tal manera que permite una empatía tan intensa como emotiva con una sensacional transparencia y total fluidez dramática.

La historia es dramática desde su comienzo con un hecho trágico (el suicidio de una adolescente), pero Chang-dong Lee la va convirtiendo con absoluta maestría en todo un homenaje a la narración más conmovedora y variada, y todo un compendio de buenas artes al servicio de una imagen tan expresiva como sustancial.

“Poesía” es una postal cinematográfica que encierra versos tanto enigmáticos como sencillos, tan efusivos como irónicos, tan emotivos como absortos. Un encuentro con el presente más trágico desde el pasado más incomprendido. Una brillante manera de acercarse a la belleza.

Una belleza interminable y eterna.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Cruzando el límite

2010-11-12T00:45:00.001+01:00

El internado infernal

Las relaciones entre padres e hijos adolescentes en los últimos años, donde se ha reducido considerablemente la autoridad paterna para bien o para mal, supone un verdadero problema social y todo un tormento para los padres que no son capaces de atajar una situación que en numerosas ocasiones se les va de las manos. La psicología se perfila como una de las soluciones, pero la imaginación del guionista Pere Saballs i Nadal nos propone otra opción en esta extraña película que navega entre dos aguas y que no termina de llegar a puerto seguro en ningún momento.

Partiendo de este conflicto social, Xavi Giménez dirige esta película que juega a estirar los extremos, maneja la esencia de la extraordinaria novela de Aldous Huxley “Un mundo feliz” en su versión de adoctrinamiento juvenil llevándolo a la exaltación violenta, pero no se maneja con soltura en este ambiente, y peca de poca solidez y escasa credibilidad en sus planteamientos más importantes.

En esta ocasión, padre que tiene que terciar con rebelde sin causa se encuentra con la posibilidad de internarlo en un centro de modificación de conducta con unos métodos reprobables y unos resultados más que dudosos como no podía ser de otra forma.

Ni las buenas interpretaciones de Marcel Borrás y Adolfo Fernández como padre e hijo consiguen levantar mínimamente un argumento que se plantea inicialmente como atractivo y que deriva en una historia que no sabe encajar como debiera la parte extrema con la parte más íntima, y donde las historias paralelas (especialmente esa edulcorada relación de infidelidad) resultan nada interesantes y alejadas en todo momento del clima resultante.

La música realizada por Macaco es el mayor acierto de la película y sabe perfectamente adaptarse a esta historia aunque la misma no consiga la estabilidad suficiente como para atraer a un espectador que nada más sentarse en la butaca siente como le están hipnotizando y se encuentra predispuesto a disfrutar con una historia arrebatadora.

Si la reciente película francesa “LOL” fracasaba por ser extremadamente superficial, “Yellow” (así se titula en su proyección internacional) no funciona por no saber plantear una realidad social con una ficción exagerada en un plano de equilibrio necesario y no conseguido.

“Cruzando el límite” nos deja eso sí una buena escena final de dialogo abrupto entre padre e hijo que bien merece la pena destacar dentro de un film que en todo caso puede resultar curioso en algunos aspectos morales y en algún planteamiento estético.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Scott Pilgrim

2010-11-10T02:22:00.002+01:00

Delirio pop colorista

Situando una película en su contexto adecuado, entendiendo las formas al margen del fondo y aceptando los orígenes y referencias, uno puede disfrutar plenamente de un producto tan atípico como “Scott Pilgrim”.

Basada en un popular comic del canadiense Bryan Lee O'Malley, el film se postula como una acertada extensión del cómic casi en todos sus conceptos, y gracias a esta premisa, funciona con absoluta fluidez y con un detallismo continuado y poco especulativo.

Scott es un adolescente que vive en Toronto, que sueña con conquistar a la enigmática Ramona Flowers. Pero para conquistar el corazón de esta chica, deberá derrotar a sus siete “ex novios malvados”. Este simple inicio narrativo será empleado por el director Edgar Wright –aquel que nos sorprendiera como una comedia romántica con zombies (Zombies party) y con aquella sutil y divertida parodia (Arma fatal)- para componer un estructurado y colorista mosaico pop donde la forma se superpondrá de tal manera al fondo que apenas este último adquirirá la suficiente importancia como para destacar por sí solo. En este sentido se podría decir sin problemas que la película es el puro comic con retazos de videojuego. Es decir, respeta tanto el formato y lo maneja con tanta soltura y atrevimiento que cómic-cine-videojuego forman una tripleta formal de innegable interés visual y de pocas fisuras.

Aparte de esto, Wright emplea elementos de comedia – a veces surrealista, pero siempre descarada- para apoyar la historia y convertir la narración en un espectáculo divertido y con enormes dosis de voluptuosa esencia “burtoniana”. Y es que si la influencia de Tim Burton se puede apreciar en algunos detalles, películas como la reciente “Kick Ass” o la obra de Tarantino “Kill Bill”, son claros exponentes de un cine donde todo juega a favor del espectáculo, y el resultado final se verá más favorecido cuanto más se empleen los medios alternativos al estricto mecanismo cinematográfico. Todo ello, nos lleva a un ambiente de cultura pop adolescente, donde tiene tanta importancia la escenificación, como la música (casi siempre independiente) o las referencias literarias o cinematográficas. Todo un compendio que nos obliga a recordar inevitablemente la obra de Andy Warhol en todas sus vertientes y la estela que ha ido dejando a lo largo de los años.

En este ambiente, las interpretaciones se ajustan estrictamente al formato, y el mismo protagonista Scott Pilgrim (Michael Cera) que guarda cierto parecido estético con aquel lejano Jack Putter (Martin Short) de la curiosa “El chip prodigioso”, supone todo un antihéroe a la vieja usanza pero con toques post modernistas.

Con todo su riesgo y valentía, la película funciona, y gustará especialmente a quienes más identificados se sientan con los conceptos aportados (que no necesariamente frikis) y quienes disfruten con excelsas peleas a lo “street fighter” junior y comedia en ocasiones absurda, en un ambiente puramente virtual y pintoresco.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Copia certificada

2010-11-04T17:39:00.002+01:00

Duplicando la realidad

¿Es posible que una copia pueda ser mejor que un original? Probablemente la respuesta a simple vista puede resultar sencilla, principalmente si hablamos del arte, como comienza “Copia certifcada” centrándonos el argumento. Pero lo cierto es que vivimos en un convulso mundo en el que los estados emocionales adquieren más importancia que nunca y donde la realidad y la ficción se superponen y se duplican como la copia y el original en el arte, de manera que en ocasiones responder a esa inicial cuestión no suponga un ejercicio tan sencillo, y sí en cambio un dilema moral y en segundo término intelectual.

Abbas Kiarostami es un maestro en exponer al foco de la opinión pública las miserias y desventuras del alma humana, y darle una confusa pero pragmática categoría de trascendencia. “El sabor de las cerezas” supuso su definitiva consagración como cineasta, pero títulos tan imprescindibles como “¿Dónde está la casa de mi amigo?”, o “El viento nos llevará” le certifican como un director paradigmático de la nueva ola iraní, y de un cine intimista y comprometido con el ser humano como pocos.

Su primera incursión en el cine occidental no podía haber sido más brillante. Sin perder de vista en ningún momento su característico cine, nos propone en esta ocasión un juego de composturas, un viaje que nos conducirá a la trasposición de los términos y los personajes con el fantasma de la paradoja como eje consensuado. Kiarostami se divierte, pero del mismo modo se pone a prueba y de paso examina la capacidad del espectador para asumir un rol incómodo pero al mismo tiempo placentero. Una trampa perfectamente estudiada y acondicionada para construir una historia que lejos de parecer que carezca de pies y cabeza es un perfecto edificio estructural de ideas, sentimientos y emociones que divergirán en múltiples caminos y opciones, creando una maravillosa tela de araña imaginativa y lúdica.

En cierto modo se puede hablar de un intento por encontrar la esencia y fundamento de las relaciones de pareja en distintos ámbitos y edades, tomando en este sentido un ligero camino autobiográfico y convirtiendo la película en algunas fases en un pormenorizado estudio de las diferentes situaciones que debe afrontar una convivencia continuada, y lo hace de la manera más original posible, a través de la transfiguración de unos personajes complejos y dinámicos. Para ello, Kiarostami rompe –necesariamente- con su loable actitud de trabajar con actores no profesionales para contar con en esta ocasión con Juliette Binoche como pieza imprescindible y de resultado extraordinario, y con William Shimell como inestimable y acertado compañero de “armas”.

Con la Toscana como inmejorable marco la película viaja (como ya hiciese Richard Linklater con “Antes del atardecer” en París) de manera pausada pero intensa a través de unos escenarios envidiables en un entorno conversacional agradable, ameno y por supuesto reflexivo, existiendo un punto intermedio desde donde la película tomará diversos caminos. Un cambio en absoluto brusco, y sí muy acorde con todo el clima hasta entonces creado, y que permitirá un seguimiento natural dentro de la evidente complejidad en la que nos hallamos.

Abbas Kiarostami firma una magnífica película, con “Te querré siempre” de Rosellini como referente ineludible, o la magia de los transposición de personajes de las películas de David Lynch como “Carretera perdida” o sobre todo “Mulholland Drive”, como eje principal para contar la historia de manera diferente a lo habitual, pero siempre con un pronunciado sello de autor, y un talento envidiable para desarrollar una historia a priori convencional y lenta, en un prodigio de estructura narrativa, dramática y emocional.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Los ojos de Julia

2010-11-04T17:37:00.001+01:00

Bajo las tinieblas

Nuevamente nos encontramos hablando de una reciente película de terror e intriga de la mano de un joven director de nuestro cine, eso sí amparado por un Guillermo del Toro que en ocasiones cuesta creer que se involucre realmente en algunos proyectos. Un género muy bien tratado en los últimos años en nuestro país, y rompiendo moldes en cuanto a estética y originalidad. En nuestra retina aún permanecen películas como “Los otros”, “Rec”, “El orfanato” y directores como Fresnadillo o los hermanos Pastor, con cierta relevancia fuera de nuestras fronteras.

En esta ocasión la película viene firmada por Guillem Morales, del que sólo conocemos la modesta “El habitante incierto”, y al que se le ha dado la oportunidad de contar con un buen reparto y con una cuidada producción.
El resultado final no se puede decir que esté a la altura de lo anteriormente mencionado. Junto a Oriol Paulo diseña un guión que si bien tiene cierto atractivo al comienzo de la película, según se va desarrollando la historia se va convirtiendo en una acumulación de clichés y de elementos poco novedosos, que obligan a ir perdiendo poco a poco el interés.

Julia es una mujer que poco a poco va perdiendo la vista debido a una enfermedad degenerativa, al igual que le ocurrió a su hermana gemela. Este ambiente de tinieblas lo aprovechará Morales para jugar con artificios bastante convencionales aunque de una manera correcta y aceptable en algunos momentos. El problema es que todo lo que se aventura sorpresivo, novedoso o intrigante se va convirtiendo en encajes abruptos de guión que nos dejan la sensación de haber visto alguna vez aquella u otra escena, y convierten a la historia en relato muy conservador y con pocos alardes imaginativos.

Para elevar el tono de la película nadie mejor que Lluis Homar en un nuevo excelente papel, y la popular Belén Rueda, que si bien realiza un papel bastante destacable se ve oscurecido por las limitaciones del personaje creado, y sobre todo por la descarada copia del personaje reciente de Laura en la película “El orfanato”. Y lo cierto es que se encuentran algunas más similitudes con esta película que hacen cuestionar seriamente la elección del reparto.

Morales también nos guarda un pequeño homenaje a “El silencio de los corderos” y nos permite rememorar tiempos felices del género, aunque la diferencia sea palpable y demasiado destacada.

En líneas generales la película se disfruta como una más para los amantes del género, y con cierto atractivo para el resto, con muy pocas ambiciones a priori y con la urgente y poco plausible necesidad de agradar a todo tipo de público.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Héroes

2010-10-21T01:16:00.002+02:00

El mejor verano de sus vidas

Aunque la película en sus comienzos pudiera parecer que nos encontramos ante un sucedáneo contemporáneo de “Verano azul”, (bicicletas incluidas y "Pancho" presente), por fortuna y con el transcurso del metraje la película poco a poco va derivando en una historia algo más particular y con cierta personalidad.

Cinco amigos de la infancia por un lado y una pareja de adultos desconocidos por otro son las dos historias que se van intercalando a modo de flash-back para conformar una sola historia que indudablemente tiene un nexo en común y que se va alimentando la una de la otra en ocasiones por necesidad y en otras en un hábil juego de situaciones y de interrogantes paralelos.

En “el mejor verano de sus vidas” esos cinco niños experimentarán unos momentos tan especiales y sintomáticos que será relativamente sencillo que cualquier espectador adquiera una rápida empatía con sus aventuras, y sobre todo con sus sentimientos. Todo resultará cercano y esa cercanía ayudará mucho a un seguimiento inmediato de una historia que tiene mucho en común con la italo-griega "Uranya" de Costas Kapakas o con la mencionada serie de Antonio Mercero.

Pau Freixas, que debutó con “Cámara Oscura” de no muy afortunada manera, cambia la intriga juvenil de aquella por el drama infantil de esta mejorando en muchos aspectos, y logrando junto con Albert Espinosa un guión bien construido y unos personajes bastante sencillos y creíbles. Rodada en catalán, la película logra transmitir la atmósfera que pretende (la misma que también lograra Antonio Mercero) y permite adoptar una ventana veraniega que nos proponga vislumbrar toda una serie de recuerdos ajenos bajo un prisma de complicidad sutil pero enormemente eficaz. Tanto la música, como la labor interpretativa conseguirán que el drama se sostenga sin excesivos problemas, echando en falta quizás un final menos convencional.

Aunque siempre es tarea complicada trabajar con actores tan jóvenes, conviene destacar la interpretación de la niña Mireia Vilapuig, repleta de inocencia y expresión, que arropada por caras conocidas como Eva Santolaria (demasiado previsible), Álex Brendemühl (poco convincente en algunos tramos), Emma Suarez (con un papel alejado de su altura) y Lluis Homar (siempre excelente), conforman un reparto afable, y acorde con el clima de la historia general.

No estamos ante la película del año en cuanto a cine nacional se refiere, pero sí ante una película a tener en cuenta, de fácil consumo por su carga dramática convencional, de amena factura y, aunque se perfila en sus inicios como excesivamente tradicional, nos depara alguna imaginativa licencia narrativa y algún divertimento plausible, arropado todo bajo una fina capa de una melancolía imprescindible para el devenir de la historia y necesaria para la interacción con el espectador.

Héroes por un verano. El verano de sus vidas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Elisa K

2010-09-24T13:46:00.004+02:00

Inocencia interrumpida

Cuando el extraordinario compositor, director de orquesta y pianista alemán Ludwig van Beethoven compuso la bagatela para piano solo “Para Elisa” estaba dedicada a un gran amor. En su composición encontramos la intensa pasión que desprende, pero también encontramos ligeros toques melancólicos que bien pueden tener amplios y controvertidos significados. Cuando los créditos del inicio de esta película comienzan con esta pieza, además de disfrutar con su belleza, también se pueden apreciar ciertos matices tristes. Matices que a lo largo de la película irán adquiriendo su máximo significado y que encajarán a la perfección con una historia difícil, amarga y con pocos resquicios a una búsqueda de respuestas.

Rodada en catalán, de “Elisa K” lo primero que cabe destacar es su particular enfoque narrativo. Con una continua voz en off, (que recuerda por momentos a “Amelie” aunque en otro tono) bellos planos en blanco y negro (en su primera parte) y una cuidada dirección de actores que denota una estricta complexión dramática, la película discurre desde el comienzo en un plano de falsa sobriedad que permite un austero seguimiento que lejos de resultar aburrido mantiene un interés constante gracias a unos artificios sencillos pero eficaces. La narración en off no molesta, acompaña a una historia que en un momento puntual adquiere el tono necesario para poder desarrollarla con la intensidad que merece, y buscando alternativas y variantes a una triste historia que lucha con énfasis en buscar un camino redentor, una salvación necesaria.

Elisa es una inocente y tímida niña de once años. Su vida se verá marcada por un suceso concreto que no volverá a aparecer hasta catorce años después, cuando le dice a su madre por teléfono: “ayúdame, acabo de recordar una cosa horrible”.

Todo el bueno tono que parece demostrar la película desde el comienzo y durante toda esa parte en blanco y negro parece que se fuera diluyendo cuando la pantalla toma color y los personajes han madurado. De manera que aunque la historia se sigue con el mismo interés se tiene la sensación de haber perdido un poco la magia que ligeramente nos cautivó al principio.

Aún así, “Elisa K” termina funcionando. Finalmente se conforma como una película más que aceptable, por momentos original y nos deja esa sensación de extraña tristeza que permiten un margen a la reflexión pausada y a una contemplación inerte tanto del suceso como del contexto social y familiar en general.

Película a tener en cuenta, que nos muestra una vertiente de cine sin complejos, con pocas licencias comerciales y con la búsqueda de un equilibrio entre belleza formal e historia compleja. No es sencilla la tarea, y muy pocos cineastas (Haneke con la obra maestra “La cinta blanca” sin duda) lo consiguen. “Elisa K” se queda a las puertas por varios factores, pro deja una agradable sensación de buen cine y de inmejorables intenciones.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Astroboy

2010-09-23T18:23:00.003+02:00

Exigua “robotlución”

“Astroboy” es un personaje de anime, creado por Osamu Terzuka respetadísimo autor manga autor entre otras obras de “Buda” o Fénix”. Al margen de si la adaptación al cine es más o menos acertada, una valoración externa como simple película de animación nos deja una sensación extraña, muy cercana al escueto entretenimiento más que a una obra firmemente destacada.

Y es que “Astroboy” juega con muchos de los elementos que funcionan en el cine de animación, pero los usa de tal manera que resultan excesivamente manidos y con un grado de sorpresa bastante escaso, lo que convierte a la película en una sucesión de momentos agradables pero sin llegar en ningún momento a alcanzar ningún listón medianamente elevado.

Es incuestionable sin embargo que la calidad técnica sin llegar a deslumbrar, sí convierte a la película en un producto medianamente interesante en este aspecto. El colorido, la recreación y la viveza de los personajes están a la altura de cualquier obra contemporánea del mismo estilo, y es aquí donde adquiere su mayor grado de aceptación y pureza.

El guión de la historia se va configurando atrayente conforme va avanzando y su elaboración es bastante aceptable sin incurrir en errores específicos, pero sí se echa de menos ese humor que tanto está caracterizando a este tipo de películas en la actualidad, que habiéndolo, es con cuentagotas y en ocasiones demasiado simple. Tampoco encontramos momentos de emotividad elevados como para llegar a emocionar en ningún momento, y todo deriva en algo puramente trivial y con un enfoque excesivamente tradicional en casi todos los aspectos narrativos.

Curioso resulta encontrarnos con Nicolas Cage en el papel del Doctor Tenma, tal como ocurrió en “Kick Ass”, en una acertada interpretación vocal del personaje más importante junto al de su hijo.

Obviando comparaciones que más que nunca resultarían odiosas (máxime si mencionamos a Pixar), la película se mueve por el plano terreno del puro entretenimiento, lo cual no resulta del todo positivo habida cuenta del altísimo nivel que está ofreciendo el cine de animación en estos momentos y que lo convierte en uno de los géneros más interesantes y con mucha más aspiración que amenizar una sesión.

Poca novedad en casi cualquier aspecto, pero una película en todo caso entretenida y de cómodo visionado.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Enterrado (Buried)

2010-09-16T12:25:00.003+02:00

Pero...esto qué es?

Muy sencillo: una película sobre un hombre que aparece metido en una caja de madera.

Pero….se puede hacer una película sólo con eso?
A la vista está.

Pero….se puede mantener así la atención del espectador durante noventa y cinco minutos?
Se puede. Pero para ello se necesita toda una serie de habilidades, conejos de chistera, e imaginación que nos derivan a un solo aspecto: talento.

Talento el que ha demostrado el joven director Rodrigo Cortés (“El concurso”) con su segundo largometraje. Y agallas. Muchas agallas para creer en un proyecto a todas luces incompatible con el cine convencional y mantener la confianza y seguridad hasta el último momento sin perder un ápice ni de personalidad ni de autenticidad.

Cuando a Cortés le llegó a las manos el extraordinario guión firmado por Chris Sparling tenía la plena certeza de que tenía algo importante entre manos. Y a su vez tenía la absoluta convicción de que esta película sólo se podía rodar dentro de una caja, sin ningún tipo de exteriores. Y acertó de lleno. Resulta complicado, una vez vista “Buried” imaginársela de otra forma. Con más concesiones comerciales o con algún respiro pasajero se hubiese destruido por completo el clima, auténtico artífice para que la película funcione. Es “Buried”, tal y como está, y me aventuro a pronosticar que va a dar mucho que hablar durante todo el año.

Con tan sólo un actor, la elección se antojaba decisiva y al mismo tiempo complicada, pero Cortés tuvo claro un nombre a pesar de las pocas probabilidades de conseguirlo: Ryan Reynolds. Un actor versátil, con opción a multitud de variantes y con una característica fundamental para abordar este complicado papel: su capacidad de transmitir. El trabajo de Reynolds es extraordinario y permite transitar con fluidez los caminos de la angustia, el miedo, la esperanza, la desesperación, y por supuesto la emoción.

Se podrían encontrar multitud de referencias (la más próxima que mucha gente pensará es “Kill Bill”) en cuanto al concepto y la situación, incluyendo al maestro Hitchcock, pero probablemente un discreto distanciamiento en este sentido permitirá un mayor goce de una película novedosa y original, y con los ingredientes necesarios para lograr despertar una disparidad de sentimientos ayudado todo ello en gran medida por la capacidad que tiene la película de convertir al espectador en protagonista, a través de una atmósfera asfixiante y con pocas opciones de luz. Un intenso diálogo con la oscuridad, el silencio poco prolongado y la incertidumbre.

"Buried" es un auténtico soplo de aires fresco (valga la paradoja) en el panorama cinematográfico internacional. Una película que aúna emoción, intensidad y suspense, pero del mismo modo contiene elementos de crítica social, política y en cierto modo una pequeña y discreta denuncia a la globalización como culpable directa de una nueva soledad.

"Buried" es una experiencia.

Pero…esta película es recomendable?
Alla tú.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Lope

2010-09-02T17:30:00.003+02:00

Armas, letras y pasiones amorosas

No cabe duda que la vida del gran dramaturgo madrileño Lope de Vega resulta apasionante a pesar de lo poco que se conoce acerca de ella. El “Fenix de los ingenios y monstruo de la naturaleza” llevó una vida casi tan apasionada como los personajes de sus obras y sus aventuras amorosas no podían estar ausentes por mucho tiempo de la gran pantalla.

Aún así, hoy en día emprender el proyecto de una película de época sin excesiva acción y pocas licencias comerciales requiere un plus de valentía a tenor de lo arriesgado de la empresa y de las pocas perspectivas de un hipotético público de masas. Para contar con ciertas garantías, en esta ocasión se ha contado con un reparto estelar y a su vez prometedor y con la presencia de un director brasileño que no deja de ser sorpresa vista su escasa experiencia cinematográfica en nuestro país. Por tanto nos hallamos con elementos arriesgados por un lado y apuestas seguras por otro para afrontar una ardua y dura batalla cinematográfica.

El resultado se antoja como mínimo interesante. A todo lo que se le debe pedir a este tipo de películas y que cumple con nota (ambientación, vestuario, música, drama clásico) hay que añadir el aire contemporáneo que adquiere la película sin perder ni un ápice su aroma clásico de novela de época. Sin duda alguna los guionistas Jordi Gasull, Ignacio del Moral y Juan Vicente Riuve, han tenido mucho que ver en ello, y han conseguido un lenguaje fluido, y perfectamente identificable con el siglo XVI sin olvidarse de la necesaria e íntima conexión y diálogo certero que tiene que haber entre personajes y espectador. Un original y radiante punto en común que queda patente en varias escenas de la película. La pasión amorosa como mecanismo principal en el que mover este molino de viento que lanza sus aspas al son de la época que le ha tocado vivir, y que difiere bien poco de épocas posteriores. Ni el espectador poco aficionado a la lectura se sentirá defraudado con la aventura, ni el mayor admirador de Lope de Vega se sentirá avergonzado con su proyección cinematográfica. Equilibrio prudente y hábil.

El director brasileño Andrucha Waddington ha sabido aprovechar con acierto todo lo que se le ha puesto en su mano, y como si de un lienzo romántico se tratase a conjugado con fluidez matices y trazos hasta lograr un todo bastante aceptable y por momentos muy plausible.

No hay ninguna interpretación que brille en exceso, ni siquiera la del protagonista Alberto Ammann ("compañero" de Malamadre en la reciente "Celda 211") que se adentra de manera meritoria en la piel de Lope de Vega dejándonos un par de solemnes escenas dignas de mención. Tampoco Leonor Watling ni Pilar López de Ayala consiguen la majestuosidad de otras ocasiones, pero en términos generales todos aportan la seguridad, solidez y categoría necesarias para conseguir mostrar unos personajes creíbles y con el rasgo humanitario necesario para no perder en ningún momento la intensidad de la narración. Un desaprovechado Luis Tosar y un poco acertado personaje escrito para Miguel Angel Muñoz cierran en líneas destacables un reparto bastante aceptable y apoyados con la solidez que siempre aporta el excelente Juan Diego.

Drama de época con tintes románticos de cierto interés. Las armas, el amor y las letras unidos bajo la batuta de un escritor genial. El don de la palabra al servicio de amantes y admiradores.

Lope, en carne y hueso, para deleite de quién se quiera acercar a un capítulo de su vida.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Todo sobre mi desmadre

2010-08-25T14:01:00.003+02:00

Rock, drogas, alcohol y alguna risa

Sobre el mundillo que rodea a una estrella del rock y sus “desmadres”, existe todo un filón del que sacar muchísimo partido si se realiza con cierta seriedad (si se admite la paradoja tratándose de una comedia) para lograr un resultado mínimamente creíble y certero. No es nada sencillo, y comedias recientes como “Adventureland”, “Resacón en las Vegas” o “Supersalidos”, nos han devuelto la esperanza en el género de la comedia dentro del panorama contemporáneo.

En esta ocasión, el punto de partida no puede ser más simple: estrella de rock (Russell Brand) venida a menos, problemas con el alcohol y las drogas y misión casi imposible por parte de un inocente y conservador trabajador de una discográfica (Jonah Hill) que deberá recogerlo en Londres y llevarlo a realizar un concierto que pueda levantar el vuelo de la discográfica. Aún con la manifiesta simplicidad de un guión poco trabajado, la película apunta a momentos divertidos, y en ese sentido se nos muestra sincera y con mínimo riesgo.

Todo el viaje de regreso a USA nos garantiza algún momento “Animal house”, y nos permite una degustación poco pretenciosa de una comedia ligera, para no tomársela muy en serio y para salir de la sala del cine con cierta sonrisa en la boca.

Tanto Russell Brand como Jonah Hill consiguen cierta química en torno a la película y en cuanto a sus desventuras juveniles, así como la afortunada presencia de Sean Combs en un papel hecho a su medida. Pero no son evidentemente ni las más que discretas interpretaciones ni el triste y poco imaginativo guión lo que se pudiera sacar de positivo de esta película. “Todo sobre mi desmadre” nos reserva algunas piezas cómicas que sí pudieran merecer la pena, en especial la sensacional puesta en escena de una situación desternillante de su estancia en Las Vegas.

Aunque la película se presenta como sátira del mundo del rock y viene precedida del sello Judd Apatow en la producción, ni lo uno ni lo otro consiguen tener el potencial suficiente como para que estemos hablando de una comedia importante. En el primer caso, porque aun existiendo la evidente pretensión de ridiculizar todo lo que mueve el mundo de las estrellas musicales más o menos en términos generales, se queda en un flojo repaso muy superficial y aprovechando clichés demasiado gastados. En el segundo caso, porque aún sabiendo que la presencia de Apatow es sinónimo de comedia contemporánea, no lo es en ningún caso (y esta película es un claro ejemplo) de comedia con talento ni inteligente y sí con un descarado aire comercial que rodea y envuelve todo el entorno.

Como no podía ser de otra forma, este peculiar “desmadre” nos reserva las aburridas y ridículas moralinas americanas que no hacen sino bajar el tono de la comedia que en algún momento podría haber estado eleveado.

No es por tanto la comedia del año, ni mucho menos permanecerá largo tiempo de boca en boca y por ende de sala en sala, pero es en todo caso una opción nada desdeñable de pasar un rato entretenido, ligeramente divertido y con la sana costumbre de “marcarse unas risas”, que aunque pocas, las hay.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El silencio de Lorna

2010-08-19T14:05:00.003+02:00

La Europa de los olvidados

La aparición de una nueva película de los hermanos Dardenne siempre es un motivo de celebración, y a fe que se lo han ganado a pulso. Películas como “Rosetta” y “El Hijo” y sobre todo “El Niño” se han confirmado como todo un ejemplo de verdadero cine social desde una perspectiva dinámica, reflexiva y con un marcado tono de denuncia que hacen de las películas de estos cineastas un acontecimiento casi imprescindible para conocer la realidad social del mundo contemporáneo, al menos en el rincón desde el cuál proyectan sus inquietudes, que es igual de brillante como el que pudiera ser el de Ken Loach o Andra Arnold, pero desde una perspectiva diferente.

“El Silencio de Lorna” mantiene este pulso social, y además esta vez se envuelve de cierto halo de misterio que lo hace aún más interesante. A pesar de que es fácil vislumbrar la relación que pueda existir entre la pareja protagonista, no cabe duda que el hecho de que todo se vaya mostrando con cuentagotas lo hace aún más interesante, y permite un visionado muy personal y siempre en un continuo estado de inmediatez narrativa.

En este caso son los problemas con la inmigración, las nacionalidades y las mafias que generan el foco en el que los hermanos Dardenne centran su atención, provistos siempre de una especial sensibilidad para afrontar el lado femenino y casi siempre el más perjudicado y controvertido. Pero Lorna, interpretado con acierto por la desconocida Arta Dobroshi, es testigo silencioso de todo lo que ocurre y arde en deseos de acabar con un silencio que poco a poco la va destruyendo y que además con el devenir de los acontecimientos la atormentará hasta límites incalculables.

La cámara se convierte en un testigo silencioso pero inevitablemente curioso, y sobre todo partícipe de un sufrimiento que irá en aumento a lo largo de toda la película, que si bien mantiene una más que aceptable intensidad narrativa y emocional, bien es cierto que en su tramo final pareciera que llega falta de fuelle o de ideas para concluir una historia sumamente interesante y con un tono elevado, conciso y prudente, evitando tentaciones dramáticas que hubieran estropeado el clima perfectamente creado.

Estamos por tanto ante una película que contiene todo lo necesario para mantener un prudencial interés sin apenas sobresaltos, y conseguir una plena satisfacción en quién busca algo más que una película ligera de verano.

Los hermanos Dardenne vuelven a dar en la diana, apuntando con muchísimo cuidado y con un oficio que aumenta en cada película y les convierte en unos directores a tener siempre en cuenta y a no pasar por alto ni una sola de sus películas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Sunshine Cleaning

2010-08-19T13:58:00.005+02:00

Limpieza en seco

Cuando una película aparece disfrazada de independiente y poco a poco se va desmontando esta premisa en beneficio de una convencionalidad de lo más recurrente, produce una sensación de profunda decepción y se acaba por poner en duda lo que las apariencias nos venden en un primer momento y que se va demostrando que hay que tomar con cautela.

“Sunshine cleaning” viene con la estela del prestigioso “Sundance” para recordarnos que no estamos ante una comedia o drama típica del género, pero salvo cierta originalidad en cuanto al argumento inicial, nada que ver con recientes películas como “Fish Tank” o “El Silencio de Lorna” de Andrea Arnold y los hermanos Dardenne respectivamente por poner algún ejemplo significativo.

La pareja de hermanas que lucha por sobrevivir a la dureza del mercado laboral y de paso a la crisis de las relaciones sociales y sentimentales se ve envuelta en un guión que si bien en un principio resulta atractivo, con el paso –lento- del metraje se va volviendo anodino, carente de ningún tipo de gancho y con la mala dirección de quién intenta provocar un mínimo de interés sin conseguir ningún resultado óptimo prácticamente en ningún momento. Todo va ocurriendo sin que en apariencia suceda nada significativo lo que provoca un ritmo lento, y una constatación de que efectivamente lo que sucede apenas inquieta y lo que pretende inquietar apenas lo consigue salvo algún que otro momento muy concreto.

Lo malo es que se han desperdiciado dos más que dignas interpretaciones tanto de Amy Adams como de Emily Blunt que asumen dos personajes que aún careciendo de la intensidad necesaria logran sumirlos en un desconcierto y ligero tono dramático que adquiere cierto interés y deja un buen sabor en base a dos trabajos bien realizados y con la necesaria solidez, que bien pudieran haberse aprovechado para trasladar un argumento centrado en ellas hacia derroteros menos convencionales.

Película que combina largos bostezos con algún que otro momento atractivo pero que en definitiva nos deja la extraña sensación de haberse hecho de un guión prometedor una verdadera limpieza en seco.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Toy Story 3

2010-07-20T11:45:00.004+02:00

Jugando con la perfección

Antes de comentar la película, conviene destacar algo a lo que los chicos de Pixar nos están felizmente acostumbrando. Se trata de un corto al inicio, titulado “Día y Noche”, que supone además de un extraordinario aperitivo de lo que a continuación nos espera, toda una declaración de principios e intenciones y un fantástico espectáculo de más o menos cinco minutos donde poder disfrutar una vez más de la magia de esta factoría en versión breve.

Tras este estimulante bocado y sin apenas tiempo para pestañear, arranca “Toy Story 3” con una espectacular escena de aventura que nos dejará bien claro el listón al que aspira esta película y que a lo largo de los noventa y tres minutos intentará demostrar con empeño.

Tanto Spike Jonze con su magnífica “Donde viven los monstruos” como Tim Burton y su discreta “Alicia en el país de las maravillas” han dado buena cuenta que el cine imaginativo y de interés estético y en cierta medida intelectual atraviesa por un momento aceptable y con un buen manejo del lenguaje fílmico necesario para presentarse ante edades diversas. “Toy Story 3” y en concreto Lee Unkrich toma buena nota de esta premisa, que por otro lado maneja con envidiable soltura y nos presenta un relato que si bien no aporta demasiado en cuanto a estricto guión se refiere si sobresale de manera abiertamente destacada en cuanto a la manera de narrar, de deslumbrar y en todos los sentidos de sorprender.

Tomando como base que Andy, aquel niño con el que muchos nos identificamos a través de guiños a una infancia diferente a la actual, ha cumplido diecisiete años y tiene que acudir a la universidad, la película adquiere desde un primer momento un aroma nostálgico que no abandonará en ningún momento y que servirá de hilo conductor para transmitir todas aquellas emociones que necesitan extrapolarse al campo de la reflexión cotidiana. Este viaje de Andy hacia la madurez provocará otro viaje de nuestros queridos compañeros juguetes hacia lo desconocido. Y este fascinante viaje nos dará la oportunidad de conocer y disfrutar con nuevos personajes a cuál más dinámico, y enriquecedor para el devenir de la historia: la pareja Ken y Barbie es todo un prodigio de humor, así como el payaso Sonrisitas, Monkey o el mismísimo Lotso (impresionante hallazgo de oso protagonista para esta nueva entrega). Todo un arsenal de espectaculares personajes, que de la mano de un formidable escenario hacen las delicias de quién se acerca a conocerlos. Los personajes ya conocidos mantienen su esencia, e incluso se superan en imaginación (impagable la intervención de Buzz Lightyear en su doble versión).

“Toy Story 3” alcanza cotas de una altura poco comparable. Nos hallamos ante una espectacular película que contiene todos los ingredientes –y más- para hablar de una obra maestra del cine de animación. La película –cómo no- emociona, divierte, entretiene, deslumbra, sorprende y en definitiva maravilla. Contiene momentos de vibrante dinamismo, así como pausados pasajes que mezclan la nostalgia con la alegría de quién no tiene otro remedio que continuar caminando con la cabeza bien alta, en el fugaz viaje por las diferentes etapas de la vida.

Hay escenas de un poder emotivo pocas veces igualable, así como otros momentos donde la risa es tan inevitable como las ganas de seguir disfrutando de este fascinante espectáculo de color, fantasía, imaginación y sobre todo muchísimo ingenio.

El formato 3-D le añade un plus de calidad a la película, aunque pudiera ser prescindible, así como su versión original se antoja necesaria si se quiere disfrutar de Tom Hanks, Tim Allen, Michael Keaton o Joan Cusack, por poner cuatro ejemplos significativos que están estupendos. Además de la aportación de un “castellanizado” Buzz Lightyear en un pequeño guiño a nuestra lengua que conviene tenerse en cuenta.

Película redonda, una opción imprescindible en la cartelera y sin duda alguna la mejor entrega de la que ya de por sí es una saga magnífica.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Shrek. Felices para siempre

2010-07-20T11:42:00.004+02:00

Agridulce capítulo final

Cuando en el año 2009 irrumpía en las pantallas de cine aquel extraño ogro y su curiosa ciénaga de la mano de DreamWorks, pocos podían presagiar que sería el comienzo de una interesante y respetada saga. Lo cierto es que en su momento supuso una explosión de creatividad, un desvergonzado ejercicio de humor y sobre todo un paso al frente en una “fratricida” lucha con la factoría Pixar. Nueve años después nos encontramos con el último recorrido del ogro Shrek, en un capítulo final en el que destaca nuevamente la capacidad técnica, aupada por unos excelentes gráficos 3D, y arropados a su vez por la complicidad que ha supuesto el seguimiento de las desventuras de estos personajes.

Esta última entrega contiene muchos de los ingredientes que han maravillado y conjugado favor de crítica y público a lo largo de estos años, y en este sentido poca decepción nos encontramos ante una historia que contiene un punto de originalidad y una nueva visión tanto de personajes principales como de alguna que otra interesante novedad. Una vez garantizado el espectáculo técnico, la comedia romántica que supone el comienzo va derivando en una modesta aventura que tendrá como destino final el punto de partida, aunque parezca una paradoja.

Desde una visión algo más exigente, se esperaba mucho más de este “Felices para siempre”, y en cierto modo queda la sensación de que esto ya no da para más. Que entretiene, en ocasiones divierte, pero no deslumbra ni supone un punto de ruptura respecto a convencionalismos en el cine de animación como sí lo supuso antaño. Nos encontramos pues ante una aceptable propuesta continuista, que si bien viene a mejorar la tercera entrega, se queda ligeramente lejos de las dos primeras, y supone un cierre de ciclo algo agridulce y con una sensación de que se podía haber hecho algo mejor.
Dicho lo cual continúa siendo una excelente opción a la que agarrarse en estos momentos en que la cartelera ofrece pocas garantías, al menos hasta la inminente llegada de la obra maestra realizada por Pixar “Toy Story 3”, y que -esta sí-, supone un golpe arrollador en la mesa, y una contundente victoria en esta –maravillosa- lucha por el poder en el cine de animación.

El ogro regresa a la ciénaga, la abandona voluntariamente para luego volver a añorarla. Idas y venidas de una de la más apasionante saga del cine de animación que hemos tenido oportunidad de disfrutar varios años.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Madres e hijas

2010-07-02T12:40:00.003+02:00

Acertada conjunción de historias paralelas

Si hay algo que ha caracterizado la breve pero fructífera carrera del cineasta Rodrigo García (hijo del sensacional literato autor de “Cien años de soledad”) es su particular manera de contar historias. Si obviamos el nefasto e incomprensible thriller “Passengers”, el resto de su obra viene marcado por un profundo concepto del drama íntimo, personal y extraordinariamente privado. Con su ópera prima “Cosas que diría con solo mirarla”, presentaba sus credenciales a la vez que sus referencias, y nos mostraba un barrio de Los Angeles desde un punto de vista femenino, un universo en ocasiones traumático, pero con tantos puntos comunes como caminos paralelos. “Nueve vidas” supuso la confirmación de que estábamos ante un cineasta a tener en cuenta. De nuevo el universo femenino y en este caso la prisión (metafórica y literal) como enlace, como cruce inevitable.

En esta ocasión reincide en retratar el ángulo de la mujer desde tres puntos de vista diferentes. A priori pudiera parecer que nos hallamos ante dos historias con nexo en común; la mujer madura, amargada y con un triste pasado y la joven solitaria que lucha contra sus propios fantasmas. Y en un tercer término la mujer “felizmente casada” y con la necesidad de ser madre aunque sea de adopción. El desarrollo de la historia nos conducirá a un estupendo final donde las piezas del puzle encajan con suavidad y la historia encuentra la similitud y grado de moderado dramatismo apropiado para un intenso climax final.

El punto fuerte que emplea García, que además se encarga de elaborar el guión, son las historias en sí. Estas se encuentran narradas desde una perspectiva sobria, donde la fotografía percibe los matices con extraordinaria cautela, y donde los personajes interactúan de manera independiente pero dejando un rastro ineludible a la hora de ir elaborando la propia historia común. Las mujeres protagonistas se encuentran magníficamente interpretadas, de manera que a la verosimilitud necesaria para su papel se añade una aportación majestuosa en la manera de identificar y mostrar los aspectos más escondidos. Kerry Washington nos traslada a la vida de la mujer de color, casada y con la fortuna aparentemente sonriendo en cada cristal de cada ventana de una casa de cuento de hadas. La desesperación y la amargura serán los rasgos que Washington se encargará de transmitir en este peculiar personaje. Annette Bening echará mano de experiencia y pese a encontrarse con un personaje complejo, aportará lo necesario para convertirlo creíble e incómodo, pese a que en ocasiones ralle la excentricidad más imperfecta. Pero será sin duda alguna Naomi Watts la que destaca especialmente para mostrarnos un enfoque tan dramático como real, dando vida a un personaje tan oscuro como descarado, y dando muestras una vez más de que la muchacha londinense es una extraordinaria actriz con la magia y coraje necesarios para dar vida a personajes complejos y nada tradicionales.

En una historia de personajes se acierta plenamente con las interpretaciones, y tampoco podemos olvidar el lado masculino, de la mano de un Samuel L. Jackson que sin necesidad de mostrar su mejor registro se aleja de registros más violentos y aporta la experiencia suficiente para que la historia no haga aguas en ningún momento y más bien mantenga el tono elevado y especialmente delicado con su aportación.

Historias paralelas de madres dañadas, la sensibilidad de vidas marcadas por un pasado traicionero y cruel, la soledad más traumática, el efímero sueño de la felicidad más pasajera, y la lágrima más íntima y causal son algunos de los rasgos que acompañan a esta estupenda película que nos trasladan a los mundos de Alejandro González Iñárritu y su extraordinaria trilogía, Paul Thomas Anderson y aquel palpitante universo de magnolias, Paul Haggis y su manera de hacer colisionar varios estadios de pasión y drama y por su puesto Robert Altman y su estupenda “Vidas cruzadas” que tantos cimientos ha prestado y tantas variantes ha admitido.

Cine de alto y poco pretencioso grado dramático, intensidad constante y un estilo propio, particular y patente para narrar sin fisuras en un marco común y desalentador donde nos espera un acertado final digno de una película con suficiente peso fílmico como para ser tenida en cuenta sin ningún tipo de complejo.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Air Doll

2010-06-17T13:45:00.004+02:00

La pureza del aire

El sensacional realizador japonés Hirokazu Koreeda nos tiene gratamente acostumbrados a un cine de categoría superior, con la clara consigna de sorprender en algunos casos y de emocionar en otros, pero siempre con un estilo tan particular como trascendente. Películas como “Nadie sabe”, “Hana” y sobre todo “Still Walking” nos indican que nos encontramos ante un director con una mirada diferente, y con un sentido de la estética poco habitual, al que le importa bien poco el marco histórico o estructural en el que desarrollar la historia, y mucho el fondo más insondable en el que quiere instalarse.

“Air Doll” es una profunda vuelta de tuerca más y un excelente muestrario de habilidades tanto en el plano cinematográfico como en el filosófico e intelectual. Koreeda nos propone un ingenioso juego al que difícilmente podemos resistirnos. A través de los ojos (y corazón) de una muñeca hinchable nos planteará adentrarnos en un extraño y particular mundo cargado de imaginación, reflexión y mucho estilo. Un mundo fantástico más propio a priori de un cuento de hadas que de un acercamiento social a alguna cuestión en concreto. Con una portentosa habilidad consigue conectar realidad con ilusión, pensamientos con sueños, y todo ello sin dejar de lado lo que a la postre es lo principal, lo trascendente: el encuentro espiritual acerca de algunos inquitenates sentimientos humanos.

El aire, como vehículo principal y necesario será el eje que hará vibrar varios mundos paralelos, y un solo punto en común. Temas como el sentimiento de culpa o desarraigo, la indiferencia social, la falta de comunicación y sobre todo la soledad en su sentido más profundo tendrán cabida en esta peculiar historia bañada de esquemas alegóricos en un complicado ejercicio de fusión informal acerca de realidades inertes.

Desde el momento en que Nozomi adquiere vida y comienza e explorar el mundo de los sentimientos la película posee una capacidad de atracción que no se verá diluida en ningún momento, y nos mantendrá atrapados hasta llegar a un espectacular y maravilloso final.

Juego, propuesta, inyección imaginativa, reflexión original: Koreeda.

Crítica de: Kick Ass

2010-06-02T16:14:00.004+02:00

Carta de amor al mundo del cómic

Entre la delgada línea que separa la parodia más absurda y disparatada, y el digno homenaje reverencial respecto al cómic, "Kick Ass" se decanta con bastante fortuna por esto último, y se nos ofrece una comedia donde son tan evidentes las referencias a películas como “Kill Bill”, de donde se podría extraer algún que otro aplauso de un Tarantino poco exigente, como las referencias a películas de adolescentes como “Supersalidos”, para confluir en términos generales a una carta de amor al mundo del cómic evidenciada en casi todas sus aportaciones.

La historia en sí peca de poco original aunque se escude en algo que a nadie se le ha ocurrido y rápidamente y por fortuna entendemos que lo interesante de esta película está más bien en el desarrollo de la misma, donde nos encontramos por un lado explosivas y deslumbrantes peleas ambientadas de manera acertada con una intensa música, y por otro la sucesión de personajes que sin tener el caudal necesario de subsistir por ellos mismos, sí aportan los argumentos necesarios para ser imprescindibles en puntuales momentos de la película. Mención aparte suponen los dos personajes principales. El primero en surgir es “Kick Ass”, que arrastrará a todos los demás, y encendiendo la llama a base de disparatadas y precarias actuaciones hará arder toda una serie de acontecimientos que nos arrastrarán inevitablemente a un explosivo y abrasador acto final. El actor Aaron Johnson se enfundará un incómodo traje de neopreno verde para firmar una interpretación bastante aceptable, en la medida de sus posibilidades. El otro personaje, “Hit Girl” es sin duda alguna el más interesante y embaucador. Todo un hallazgo en cuanto a personajes de cómic se refiere y todo un acierto en cuanto a la interpretación de la joven Chloe Moretz, dándole una fuerza muy estimulante y ayudada por unas impactantes imágenes y no menos impactantes diálogos, que ya se vislumbran desde el "políticamente incorrecto" taco inicial al aparecer en su primera pelea. Hit Girl sostiene toda la trama, y es el cerebro y habilidoso brazo ejecutor de un sinfín de situaciones. Es un personaje endiabladamente divertido, e increíblemente violento que aporta el mayor esplendor a una película que se mantiene firme tanto en propósitos como en maneras.

La película es moralmente discutible en según qué aspectos y en según qué círculos conservadores, lo que llevó a la dificultad de encontrar productora para realizarla, pero en general es valiente, decidida y luminosa, siempre que se entienda el cine como un espectáculo donde los límites morales van de la mano y en paralelo con la sociedad del momento.

La aportación de Nicolas Cage sin llegar a ser destacable ayuda bastante a que la película no pierda nunca ese ligero punto de coherencia que si bien cuesta encontrarlo en diversos rincones, con su presencia consigue estructurar un hilo narrativo e interpretativo más uniforme. Lástima que su personaje carezca de gancho, porque entonces estaríamos hablando de un trío ciertamente espectacular en el mundo del cómic.

Agradable, entretenida, vistosa, divertida, y a ratos explosiva son los adjetivos que mejor definen “Kick Ass” en el inicio de lo que probablemente sea una interesante sucesión de secuelas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Jacuzzi al pasado

2010-05-28T03:18:00.004+02:00

Mojado viaje en el tiempo

Dentro de la larga lista de comedias americanas sin excesivas pretensiones pero con cierto gancho a la hora de conectar con el público, podríamos añadir a esta “Hot tub time machine” que llega sin hacer excesivo ruido para intentar adueñarse de un hueco donde pasar un buen rato ya supone todo un reto a tener en consideración.

El guión no podía ser más simple, y la puesta en escena más rudimentaria, dejando bien claro desde el comienzo que lo verdaderamente “importante” lo vamos a encontrar en los personajes y en un historia que nos traslada directamente al año 1986 donde se podrá vislumbrar el efecto retroactivo de una manera un tanto especial.

Sin pretender competir con “Atrapado en el tiempo” ni por supuesto “Regreso al futuro”, “Jacuzzi al pasado” explota con atrevimiento el viaje temporal para sucumbir a toda a una serie de situaciones que servirán de excusa perfecta para promover y estirar momentos divertidos.

Uno de los principales atractivos quizás esté en el reparto, donde los cuatro personajes principales encuentran en los actores Clark Duke, Craig Robinson, Rob Corddry y el más conocido John Cusack, unas piezas estupendas para encarnar unos papeles sencillos, amenos y con un nexo en común. Pero son quizás los secundarios Chevy Chase y especialmente Crispin Glover (el inolvidable George McFly de la mencionada “Regreso al futuro”) las pequeñas , pero importantes aportaciones a esta comedia sin complejos que escupirá gotas de humor con la misma facilidad con la que se irán borrando de la memoria para ocupar el distinguido trono de momentos de estricto entretenimiento informal.

La poca exigencia en cuanto al guión nos hará desvincularnos rápidamente del mismo para centrarnos simplemente en las situaciones y las interpretaciones que las desarrollan, permitiendo el disfrute plano, certero y sin contemplaciones externas de una película modesta y nada incómoda.

Sin llegar a convertirse en una desternillante comedia, ni conseguir un destacado hueco dentro de este apreciado género, el director Steve Pink consigue prácticamente lo que propone que no es ni más ni menos que obtener un resultado ameno, divertido por momentos y con ese sello auténticamente americano tan conocido en el mundo del cine. Todo lo que tiene de floja en el plano narrativo lo compensa en algún que otro momento con un determinado enfoque informal y alguna disparatada escena que nos invita a la sonrisa puntual y una cierta complicidad pasajera que nos hará pasar –en general- un rato agradable.

Un viaje en el tiempo a los años 80 al más puro estilo americano, con ligero equipaje, rudimentario transporte pero unas loables ganas de divertir manteniendo en todo momento las apariencias.

Bon voyage!!!

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Mi nombre es Khan

2010-05-26T13:13:00.004+02:00

...Y no soy terrorista

Qué decepcionante resulta cuando uno se sienta a ver una película con ciertas expectativas y éstas se van diluyendo lentamente con una facilidad pasmosa.

“Mi nombre es Khan” tiene un comienzo ciertamente esperanzador que coincide con las vivencias y superviviencias de un niño indio afectado con el síndrome de Asperger. Según va creciendo dicho niño, la película mantiene un honroso pulso entre el drama inconformista y toques de delicada comedia costumbrista, que nos hacen sentirnos cómodos ante la pantalla.

El problema viene cuando ese niño se convierte en adulto y decide empezar una nueva vida en San Francisco. A partir de aquí todo va adquiriendo un halo de estricta comercialidad disfrazado del más pretensioso de los mecanismos fílmicos. La manera de narrar copia de manera maniquea y torpe a la estupenda “Forrest Gump”. El personaje principal es una mala imitación Raymond Babbitt, aquel interesante personaje protagonizado por el magnífico Dustin Hoffman en aquella popular “Rain man”. Si bien en esta ocasión el personaje también resulta ligeramente interesante, y su elaboración es bastante digna (ayudado en parte por una buena interpretación de Shahrukh Khan) el guión creado para él es realmente lamentable y digno de la peor telenovela que podamos vislumbrar en cualquier canal local que se precie.

Todo resulta poco o nada creíble y las situaciones dramáticas se estiran y fuerzan de manera tan artificial que en no pocas ocasiones provocan un risa que no debiera aparecer en ese momento concreto. Lo peor de todo son las ínfulas de grandeza con que esta película se presenta desvirtuando la historia a su antojo y dando una pretendida trascendencia que resulta en muchas ocasiones ridícula y que nos retrotrae a planteamientos infantiles que enturbian cualquier pequeño micro clima que se hubiese podido crear en un inicio.

Si “Slumdog Millionaire” (aunque de producción inglesa) nos dejó en estupendo sabor de boca, y podía haber supuesto una pequeña ventana y ligero acercamiento a Bollywood, esta película no lo consigue; no se sostiene casi en ningún momento y tan sólo en algunos tramos resulta simpática y puede contener algún resquicio pasajero de algo mínimamente entretenido, pero por lo general y según avanza, se queda en un panfleto dramático que provoca sonrojo a poco que se tenga un mínimo de consideración cinematográfica e histórica.

Auténtico paso en falso.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El pastel de boda

2010-05-18T02:45:00.005+02:00

Pastel rancio

Qué duda que cabe que todo lo relacionado con el artificial mundo que se mueve en torno a una boda ha resultado un filón tanto en el mundo cinematográfico como en el literario. Fundamentalmente en el género de la comedia, al que proporciona multitud de situaciones disparatadas al servicio de cineastas con mayor o menor acierto. Todo ese peculiar engranaje que se mueve en torno a las relaciones familiares resulta un suculento aperitivo al que acercar el diente. Pero como no podía ser de otra forma, no siempre se ha conseguido acertar con el resultado. “Después de la boda”, “La boda del Monzón” o “La boda de Muriel” son ejemplos que vienen a la cabeza de dignos trabajos en torno al especial banquete. Por desgracia, son más numerosos los casos en que se ha fracasado por recurrir a tópicos y clichés que empobrecen el resultado final.

“El pastel de boda” se encuentra claramente en este último grupo, y precisamente por echar mano de todo lo anteriormente conocido, manejarlo con torpeza y demostrar que para hacer reír hace falta mucho más de un escenario adecuado. Todo se desarrolla con simpleza y la única risa que se provoca es observar con espanto lo mal encajado que está cada uno de los acontecimientos que no llevan a nada y que vienen de lugares absurdos.

Denys Granier-Deferre nos invita a un ejercicio de distracción pasajera, donde pasar un rato entretenido se antoja complicado habida cuenta de la falta de ingenio a la hora de elaborar alguna situación mínimamente divertida. En estas circunstancias, los actores se encuentran tan encasillados que apenas aportan un mínimo de interés cómico, y se sitúan en la misma línea del film, conformando una aburrida y nada apreciable comedia francesa.
Suegras, cuñados, hermanos, primos y hasta un excéntrico cura se unirán al son de una marcha nupcial de monótonos acordes y de un marco fotográfico mil veces visto y a estas alturas saturado.

Tan sólo podríamos salvar siendo benevolentes la ligeramente interesante historia de amor que subyace de un pasado oculto y desvelado al final de la película.

Ignoro si la novela de Blandine Le Callet contiene algo más de interés, pero su versión cinematográfica resulta ciertamente pobre y no es de extrañar que este pastel por más que nos lo vendan apetitoso, se atragante a las primeras de cambio.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Fish Tank

2010-04-30T00:34:00.003+02:00

Quince complicados años

Cuando se habla se sucesores de Ken Loach, (con el que estuvimos no hace mucho tiempo en la rueda de prensa de su última película “Buscando a Erick”) hay que estar siempre alerta y mantener cierta perspectiva al respecto, puesto que nos hallamos ante uno de los mejores directores de cine social contemporáneo. Buscar y mantener su estilo, puede que no resulte a priori demasiado complicado, pero conseguir los resultados tan eficaces es lo que sin duda alguna se antoja difícil.

Andrea Arnold ya nos sorprendió con su primer largo (“Red Road”) y demostró una capacidad para indagar en lo más profundo de la soledad humana y urbana, al tiempo de conquistar una pequeña parcela intuitiva donde observar se convertía en un ejercicio de alevosa curiosidad crítica que desembocaba en un turbio enredo sentimental. Con todo, se vislumbraba una habilidad innata para enfocar a los personajes bajo una sombría luz, siempre en la búsqueda de la claridad más tenue posible. Acertó plenamente en aquella ocasión, y por ello se esperaba bastante de este segundo trabajo.

En “Fish Tank”, Arnold retoma el enfoque social y humano en esta ocasión con una adolescente de quince años y multitud de conflictos internos en torno a ella. Arnold, reincide en la búsqueda de la soledad menos deseada pero inevitable. Recurriendo a actores muy poco conocidos, persigue esa naturalidad y desencanto que guardan los barrios bajos de cualquier ciudad cosmopolita. Coloca hábilmente la cámara como un mero y silencioso observador, dejando que los personajes desarrollen su particular día a día dentro de un destino confuso y marcado por la falta de recursos. En este entorno desestructurado, es donde Arnold se maneja con especial soltura, sin desmarcarse de las influencias del citado Loach, o de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, deja entrever un territorio propio y personal en el que consigue una ligera marca de distinción.

La magnífica interpretación de una desconocida Katie Jarvis consigue trascender lo puramente dramático para asentarse con extremada sencillez en un particular protagonismo cargado de autenticidad sorprendentemente madura.

Estamos pues ante una buena muestra de cine hecho desde la más estricta humildad, con ese acento anglosajón que escarba en lo profundo del estigma social automatizado y con la elegancia de quién quiere contar una historia sin pecar en desmedidos ornamentos suburbanos.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Honeymoons (Lunas de miel)

2010-04-27T01:59:00.003+02:00

Borrando fornteras

En muchas ocasiones, la grandeza del cine no sólo la encontramos en su nada desdeñable función de entretenimiento, sino en elementos tan importantes en una sociedad moderna como la capacidad de unir culturas, países y principalmente sociedades históricamente distanciadas, a través de una mirada concisa y certera. El cineasta serbio Goran Paskaljevic a través de sus películas es sin duda un ejemplo de ello, y con este último trabajo –ganadora de la Espiga de Oro en el último Festival de Valladolid- ha conseguido en la primera coproducción albano-serbia de la historia un enfoque imparcial, austero y especialmente audaz de lo que supone un ejercicio sincero y comprometido de una eliminación idílica de fronteras.

A través de dos historias paralelas, una pareja albana y una pareja serbia, y en dos momentos literalmente idénticos en el tiempo, Paskaljevic traza un gris esquema contemporáneo en torno a las citadas parejas, víctimas ambas tanto de errores del pasado como de los conflictos del presente.
Los sueños, los anhelos, y el deseo de una vida mejor se enfrentan a la burocracia, los prejuicios y el inmenso desajuste social que existe en un mundo repleto de injusticias y a las puertas siempre de un estado de bienestar mínimamente satisfactorio. Quizás Paskaljevic opte por enmarcar estas historia dentro de un contexto amoroso, en busca de un contraste necesario y causal e intentando conseguir un punto plenamente dramático que encaje dentro del ingrato paisaje que si bien adquiere siempre connotaciones grises, mantiene en ocasiones una exultante entonación verde como último resquicio de esperanza. Una esperanza a la que se agarrarán cuatro jóvenes, con distintas motivaciones, distintos sueños, pero un mismo nexo en común: la libertad.

Paskaljevic se aleja discretamente del discurso político para centrarse plenamente en un cine social, humano. Una película que conmueve y permite reflexionar sobre los problemas fronterizos, los conflictos familiares y las dificultades de encontrar una salida hacia un futuro más estable y sobre todo más seguro.

Las interpretaciones de los cuatro protagonistas, así como de los secundarios son precisas y auténticas hasta el punto de adaptarse milimétricamente a la historia y conseguir que fluya sin perder un ápice de interés, e incluso incorporándose momentos divertidos dentro de un marco que tiende de manera necesaria hacia la tristeza.

Cine comprometido, intelectualmente elevado y con la clara consigna de unión entre pueblos distantes, pero sin olvidarse nunca de contar historias entretenidas, emocionantes y con ese plus de realismo que tanto se agradece en la gran pantalla.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Fantástico Mr. Fox

2010-04-20T02:43:00.005+02:00

Artesanía e imaginación

A pesar de la buena (o excelente) salud que goza el cine de animación en estos momentos, y de la espectacular y aparatosa tecnología digital puesta a disposición de cineastas y productoras, películas como “Fantástico Mr. Fox” son de las que te hacen aficionarte aún más a este tipo de cine y al mismo tiempo disfrutar de los manjares que la nostalgia nos proporcionan a modo de arquitectura animada rudimentaria en su aspecto más externo, pero precisa y de indudable armonía artesanal en su íntima visión sosegada. Y es que esta interesantísima película de Wes Anderson nos devuelve la magia del cine animado convencional en su estética, revolviendo los pasajes más añejos de nuestra memoria, y reencontrándose con una manera de trabajar tan minuciosa como radiante en su resultado final.

El director norteamericano Wes Anderson ya había manifestado sus deseos de explorar la técnica “stop motion” en el cine, y de la mano del director de animación Mark Gustafson han elaborado un particular submundo donde cabe por ejemplo la extraña situación de encontrarnos compulsivos e ingeniosos diálogos en un ambiente minuciosamente prefabricado, y donde el citado ambiente que parece conquistar con autoridad la pantalla se pone a disposición de la historia sin arrebatarle su protagonismo pero destacando en su particular parcela de notoriedad con una estética impecable.

Es probablemente en la historia en sí, donde quizás podamos encontrar mayores motivos de ligera insatisfacción. La película es una adaptación de un libro infantil de Roal Dahl (“El superzorro”), donde no sólo se cambia el título, sino también algunos pasajes y protagonistas. Mr.Fox, como personaje principal absorbe a todos los demás de una manera aplastante, pero a su vez y aunque suene paradójico cede protagonismo al involucrar a cada personaje de manera generosa en su propio mundo, permitiendo una complicidad que se aprecia desde los primeros compases narrativos. Los personajes fluyen de manera armoniosa al compás que marca Mr. Fox, lo que le permite a Anderson manejar a su antojo la historia y a su vez reflejar su propio universo personal. Un universo que aún cargado de nostalgia (como su cine anterior) acude a la llamada del optimismo con especial ímpetu, y frecuenta los fugaces rincones de la esperanza con particular convicción. No todo está perdido pese a que el destino aguarda con estricto e incómodo sigilo, pero para burlar a ese destino, habrá que recorrer intrépidos e incómodos pasajes donde perfilar un camino aún desconocido para los protagonistas, pero sin duda anhelado. Emoción, aventura, acción, y un cuidadísimo humor inteligentemente posicionado se mueven al son de una familia de zorros que luchan por marcar su territorio huyendo de las pautas dictadas por el destino en busca de un hábitat más saludable. Mantener la intensidad del relato es lo que más esfuerzo ha debido de costar y es en cierta medida lo que nos priva de una obra redonda junto a un mayor esfuerzo imaginativo en momentos puntuales.

Imposible comentar esta película sin que nos venga a la cabeza la reciente y extraordinaria “Donde viven los monstruos”. Películas ambas que gozan de la aceptación por igual y por diferentes cauces interpretativos tanto del público infantil como del público adulto. Y no es casual, puesto que directores como Wes Anderson y Spike Jonze tienen sobrada capacidad para experimentar en múltiples mundos y sacarles partido a todos ellos, sin perder un ápice de eficacia y consiguiendo un resultado tan exhaustivo que en no pocas ocasiones emociona. Tampoco deberíamos olvidarnos en este sentido del singular Tim Burton que sin bien con su Alicia no destaca precisamente en su aspecto más trascendental, y en su búsqueda del sentido último del libro de Carroll, sí existe un acercamiento a lo que Anderson y Jonze pretenden de manera inteligente.

Imprescindible se antoja el visionado en versión original si se quiere disfrutar plenamente de esta película, ya que si finalmente nos resulta imposible separar a Mr. Fox de George Clooney o a Mrs. Fox de Meryl Streep por ejemplo, es sin duda por las sensacionales interpretaciones vocales de ambos, especialmente de un Clooney en particular estado de gracia en cuanto a la elección de personajes se refiere. Un auténtico lujo, y por supuesto un especial aliciente que no debiera quedarse excluido del agradable espectáculo fílmico, donde también destacan momentos musicales extraordinarios compaginados con una excelente elección musical.

Película formalmente impecable y trabajada, narrativamente interesante y con los ingredientes suficientes como para conseguir la atracción de un público diverso y con especial interés en devorar cine de esplendorosa factura.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Alicia en el país de las maravillas

2010-03-25T15:08:00.005+01:00

Radiante explosión formal

A estas alturas, cualquier nuevo estreno de Tim Burton supone ya de por sí todo un acontecimiento cargado de expectación. Y es que el niño travieso de Los Angeles se ha ganado a pulso un hueco de honor en ese complicado y poco habitado cetro donde se adhiere la respetabilidad cinematográfica. Con un universo propio, terriblemente auténtico y donde lo normal deja paso a un esquema ilusorio, irreal y fascinante de los mecanismos humanos, Burton ha sabido llevar su carrera con personalidad e inteligencia. Alternando películas de encargo con proyectos más personales, se ha reencontrado a sí mismo y ha conseguido un estatus que le permite una mayor independencia, o lo que es lo mismo un mayor divertimento personal, lo cuál se aprecia constantemente en sus películas.

Y en esas estamos con el estreno de esta esperada versión de “Alicia en el país de las maravillas”. Película homónima de la novela de Lewis Carroll y una de las más complicadas de realizar, no sólo en cuanto a la mecánica de rodaje (ha tenido que invertir su proceso de trabajo habitual) sino a la dificultada de trasladar el universo que Carroll creó en 1865 y darle la consistencia necesaria para mantener viva su esencia. Es en este aspecto precisamente donde la película flojea deliberadamente. Con una profunda decepción comprobamos que Burton saca a relucir su lado más conservador, y lejos de aventurarse en un complicado ejercicio de traslación psicológica se conforma con presentar y adaptar personajes en un escenario –esto sí- fascinante. Se despreocupa por completo de captar el sentido último de la novela, o ni siquiera de aportar su particular punto de vista respecto a la misma, para simplemente recrear tradicionalmente un conservador cuento de hadas en que el mayor punto fuerte lo encontramos en la forma (incluyendo su proyección en 3D) sin darle mayor importancia al fondo.

En este aspecto (la forma), Burton vuelve a deslumbrar con una explosión de colorido, fantásticos personajes (extraordinarios los gemelos gorditos) y una música tan adecuada que resulta difícil separarla de la historia. Los personajes ganan enteros en cuanto a su estructura, aunque en algunos casos (Johnny Depp y Mia Wasikowska principalmente) pierden muchísima fuerza por culpa de unas interpretaciones poco resolutivas. Deep no conecta en absoluto con un personaje tan fundamental, y Mia Wasikowska no llega a encajar como la Alicia del mítico cuento. Por el contrario tenemos a la actual pareja de Burton (Helena Bonham Carter) realizando una sensacional aportación al personaje de la Reina de Corazones y una discreta Anne Hathaway como hermana “blanca y pura” de esta última.

Por tanto nos encontramos con una película difícilmente criticable en su aspecto formal, visual, estético, pero muy decepcionante en su aspecto más interno y personal, con una novela de la que se podía haber extraído un sentido más profundo y de la que apenas vislumbramos un ápice de surrealismo ilusorio. Una gran oportunidad perdida de estar delante de la gran adaptación, pero una estupenda oportunidad de disfrutar de un nuevo capítulo, un nuevo callejón sin salida del enigmático universo “Burtonland”.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El mal ajeno

2010-03-25T15:04:00.005+01:00

Las consecuencias del dolor

Recientes estudios están encaminados a conocer e indagar sobre los diferentes grados de dolor, y la reacción que provoca tanto en hombres como en mujeres. Los resultados no suelen ser del todo concretos, debido principalmente a la abstracción natural del término, y a la subjetividad en cuanto a la forma de padecerlo. Decía el extraordinario compositor austriaco Franz Schubert que “nadie podía comprender el dolor ni las lágrimas de los demás. Sólo marchamos los unos al lado de los otros”. Quizás sea cierto, que no alcanzamos a la comprensión del dolor ajeno, pero no cabe duda que nos cuesta desentendernos de él aunque nos toque lejanamente. Pero además hay profesiones como la de médico, en las que el dolor ajeno es el pan de cada día, y conviene ir fabricando una coraza a fin de no caer en la locura cotidiana.

El protagonista de esta historia, Diego (Eduardo Noriega) no sólo ha sido capaz de confeccionarse a la perfección dicha coraza, sino que a su vez la ha trasladado como si de un mecanismo de autocorrección se tratase, al resto de los sentimientos humanos, formando una personalidad fría, distante y con evidentes carencias de afección, lo cuál le llevará a ser protagonista involuntario de un hecho extraordinario.

La destacable presencia de Alejandro Amenábar en la producción de esta cinta puede suponer un plus de garantía y un aliciente interesante. El grado de implicación nos dirá si se trata de un “mero” apoyo a un amigo, y director novel tal y como hiciera Jose Luis Cuerda con él, o por el contrario un producto marca de la casa con todas sus consecuencias. Por desgracia, el resultado nos lleva directamente al primer estadio, y el grado de implicación se intuye escaso, y más bien se entiende que se trata de poner un nombre (sin peligro de ensuciarlo) a un producto que a priori no parece mediocre. Y efectivamente, Amenábar no sale del todo mal parado con esta película, aunque ciertamente algún grado de credibilidad personal se queda en el camino, y algún que otro elemento de prestigio.

Y es que “El mal ajeno”, ópera prima del realizador Oskar Santos se mueve entre lo fantástico y lo real, con resultado ambiguo y desigual. Baila al son tanto de su productor Amenábar como de su guionista Daniel Sánchez Arévalo, y entre medias queda poco. La conjugación de ambos elementos se realiza con desorden y escaso acierto, y lo que en un principio parece una historia interesante, poco a poco se va convietiendo en un compendio de situaciones poco creíbles, envueltas en un mundo de personajes opacos y un escenario que se tambalea a cada paso mal direccionado. Oskar Santos se mueve con soltura en cuanto a la investigación de los personajes, y su comportamiento, pero peca quizás de dejarles en exceso una libertad inapropiada y de proceder a un inadecuado ánimo de improvisación, de manera que si en un principio Isabel (Belén Rueda) nos atrae por su situación personal, con el paso del tiempo se diluye tanto la importancia de su papel que acaba por traernos sin cuidado su historia personal y mucho menos su desenlace. Todos los actores están correctos y sin sobresalir ninguno aportan su particular grano a una historia que difícilmente se sostiene con solvencia en lo que es un ejercicio de buen hacer cinematográfico en términos teóricos y mala aplicación en términos puramente narrativos.

El suspense marca de la casa de Amenábar se puede llegar a apreciar, e incluso resultar familiar (más si cabe con la presencia de Eduardo Noriega) y la situación de personajes a los que el dolor no les es indiferente nos lleva directamente al cine de Sánchez Arévalo (especialmente "Gordos") en no pocas ocasiones, pero el problema fundamental es que el resultado final adolece de personalidad propia y flojea en lo sustancial y trascendente, dejándonos un relato sobrio, ligeramente espeso y con una inminente falta de gancho esencial.

Aún así, estamos sin duda alguna ante un interesante comienzo, de un cineasta que apunta maneras y que cuando encuentre su verdadero camino a buen seguro nos dejará un producto de más alto nivel.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El concierto

2010-03-04T16:44:00.006+01:00

Música de reencuentro

La reunión de viejos compañeros varios lustros después para cumplir un sueño con motivo de una situación casual e irrepetible, es un tema bastante recurrente a lo largo de los años en el mundo del cine. Esto, al igual que en esta película, da lugar a extensos guiños bañados de comedia y una curiosa mezcla de situaciones que bien elaboradas puede dar lugar a una interesante historia. Clint Eastwood ya nos entretuvo con bastante solvencia con sus “Space Cowboys” y Kenneth Branagh nos delumbraba con aquella reunión de “Los amigos de Peter”, por poner dos ejemplos bien diferenciados.

El motivo de esta nueva reunión es la celebración de un concierto. Pero este concierto llevará tantas connotaciones consigo que lo que en un principio pudiera parecer una historia predecible, poco a poco se va tornando en un cuento mágico, donde los matices, las nostalgias y los sentimientos más encontrados se irán apoderando de la historia y de la pantalla con la misma facilidad con la que estos músicos rusos se apoderarán de las calles de París donde se celebrará el tan esperado concierto.

El realizador rumano Radu Mihaileanu (“Vete y vive”, “El tren de la vida”) se mueve con aparente sencillez entre dos campos paralelos y compatibles. Juega al melodrama inocente con las necesarias pero selectivas notas humorísticas, y a su vez intenta adentrarse en un campo un poco más maduro, más elaborado y si cabe comprometido donde por momentos muestra alguna que otra debilidad pero en términos generales se resuelve con discreto acierto y por tanto correcto resultado final.

La historia entretiene sin excesivos alardes y llega con notoria normalidad a conseguir una complicidad entre personajes y espectador que será el pilar en el que se sustentará un film en apariencia poco ambicioso, pero con cierto aire enfático que puede llegar a funcionar por momentos, aunque nunca llega a lograr un éxtasis tan majestuoso como sí lograba la música de Tchaikovsky que en cierta medida el film homenajea. Aún así, “El concierto” nos reserva algún momento emotivo y más de una sonrisa amable.

De todas las interpretaciones, que en cierta medida ayudan a que la historia se mantenga con suficiencia, las más destacables son por un lado la francesa Mélanie Laurent que consigue aportar ese ojo de incredulidad tan necesario ante tanta situación variopinta, y por otro y casi como contrapartida Aleksei Guskov sorprende en algún que otro registro y eleva el tono de la película cuando se mueve peligrosamente en el lado de la comedia insensata.

Atractiva propuesta que se presenta sin demasiado aura comercial, pero que tiene todo lo necesario para gustar a quién se acerque sin excesivas pretensiones y ganas de pasar un buen rato.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Un profeta

2010-02-25T03:01:00.005+01:00

Pequeño gran hombre

El subgénero del cine carcelario ha gozado de una excelente forma en este último año, y el ejemplo más reciente lo tenemos en nuestro país con la excelente “Celda 211” de Daniel Monzón. Nada que ver con aquella pero con ciertos puntos similares, “Un profeta” es una de las mejores películas de los últimos tiempos dentro de este controvertido subgénero, y sin lugar a dudas una de las mejores películas del año. El interior de una cárcel, y el mundo del hampa en Francia son la base en la que se estructura esta película. En torno a esto último, ya el cine francés se había acercado antes con gran acierto en películas como “El clan de los sicilianos” de José Giovanni con aquel brillante Alain Delon o Borsalino de Jacques Deray también con la participación de Delon y Belmondo. Pero sin duda alguna, “Un profeta” contiene notables elementos que la hacen sobresalir por méritos propios.

La historia puede resultar conocida, inicialmente previsible y quizás algo seca en su arranque, pero sin duda comienza a crecer a pasos agigantados del mismo modo que lo hace el protagonista Malik El Djebena. Condenado a seis años de cárcel, y con tan sólo 19 años, conocerá de primera mano la dureza del internamiento y tendrá que abrirse paso con astucia, paciencia y sobre todo inteligencia en una salvaje jungla donde la única palabra válida es la supervivencia.

A pesar de haber visitado muchas cárceles, el extraordinario realizador Jacques Audiard (“Un héroe muy discreto”, “De latir mi corazón se ha parado”) no logró encontrar el escenario adecuado, y eso ya de por sí supuso un esfuerzo añadido a la hora de lograr una escenografía cualificada y acorde con la historia que pretendía contar: la mafia desde la más estricta intimidad. El campo más personal y a la vez trascendente de una estructura dinámica y en continua evolución que lucha por mantenerse en el poder cueste lo que cueste. Los corsos, son en este caso los amos del terreno carcelario, pero tendrán en frente a lo que de por sí es un reflejo del moderno eje multicultural que encierra la sociedad francesa actual. Para ello, Audiard empleará una amplia gama de lenguas (tal y como hizo con acierto Tarantino en “Malditos Bastardos”) y un extenso abanico de enfoques cada cual más complejo y a su vez más interesante.

“Un profeta” está contemplado desde la perspectiva de dos planos profunda e inteligentemente mezclados. Por un lado el puro thriller carcelario resuelto con solvencia, no exento de espectacularidad cuando la escena lo requiere, pero siempre fiel a una naturalidad y realismo acorde con toda la estructura general. Y por otro lado, y de manera indiferenciable su enorme carga social. La exposición misma de la historia, y en concreto del exiguo rincón carcelario como inmensa metáfora de toda una sociedad contemporánea en plena ebullición, conforman un oscuro y ruidoso mundo de delincuencia planeando sobre todos los estratos de esa –en ocasiones- ciega sociedad. La película se mueve desde dentro (de la cárcel) hacia fuera con enorme habilidad, delimitando términos como libertad, ambición, oportunidad y derrota. Audiar nos diseña un complejo mapa físico y humano, cargado de valores, emociones y mucha tensión. Y con ello logra de una manera evidentemente pretendida reflejar todo un universo de valores envueltos por la sobria capa de la desesperación y la situación límite que dará lugar a unas duras situaciones y a unos momentos profundamente humanos.

Pero sin duda alguna es Malik, es auténtico eje de toda la película y en torno al cual girará todo lo anteriormente mencionado y a su vez un inusual y complejo mundo interior a punto de estallar. La interpretación de Tahar Rahim para dar vida a este personaje es sencillamente magistral, desde principio a fin y le otorga un plus de calidad al film que habría que destacar abiertamente. Pero lo realmente extraordinario es la maestría con la que Audiard emplea al personaje para fortalecer el relato y añadirle todo aquello que considera necesario. En este sentido, logra acaparar la atención en torno a él desde un primer momento y lo va empujando y ascendiendo al son que desea, transportando con él una elevada carga de función moral, esquemas estrictamente dramáticos y un tono crudo y carnal de una situación auténtica y carente de artificios. El personaje de Malik es aparentemente infranqueable. Personal y de una difícil conexión inicial que el director francés resuelve con aparente facilidad y extremada pericia, convirtiendo los momentos oníricos y fantásticos que tiene la película en una ventana abierta a su particular cosmos íntimo, a lo que piensa y por lo que realmente sufre. También sería conveniente destacar la extraña relación paterno-filial que se crea entre Malik y César (jefe de los corsos) y que marcará el devenir y la conclusión de esta magnífica película.

Cine de alta escuela, de celdas que gritan bajo las noches de soledad, en un marco multicultural, violento y de profundas connotaciones sociales.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Shutter Island

2010-02-17T02:40:00.011+01:00

La enigmática isla tridimensional

Cuando el productor Brad Fischer (que se encontraba en esos momentos produciendo el thriller “Zodiac” de David Fincher) acabó de leer la novela homónima de Dennis Lehane que acaba de comprar en el aeropuerto, a buen seguro que lo primero que se le pasó por la cabeza es que se encontraba ante un excelente material para llevar al cine. Muy seguramente, lo segundo que pensó es que necesitaba a un director con el suficiente talento para llevar a cabo un proyecto complejo pero enormemente atractivo. Sin duda alguna, la elección de Martin Scorsese para ello, fue una de las decisiones más acertadas.

Cuando los agentes Teddy Daniels (Leonardo di Caprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) llegan a Shutter Island, (una remota isla donde se encuentra el hospital psiquiátrico Ashecliffe, centro penitenciaria dirigido por el doctor Cawley -Ben Kingsley-, en la bahía de Boston en los años 50) tienen una misión concreta y muy especial: descubrir las causas de la desaparición de una peligrosa asesina e intentar encontrarla. A partir de aquí y tras las primeras investigaciones, la historia deriva en varias dimensiones que nos llevarán a conocer los intereses personales o profesionales de Teddy o del mismo Doctor Cawley.

El cubismo narrativo irá creando un poderoso influjo allá donde un particular universo kafkiano ya lo ha conquistado casi todo y retiene al espectador en una excitante camisa de fuerza de la que tan sólo escapará a base de componer adecuadamente un fascinante puzle de complejas y variadas piezas.

Con “Shutter Island” nos encontramos con una doble satisfacción. Por un lado comprobar cómo la película contiene muchos de esos elementos tan característicos del cine de Scorsese y que lo mantienen en categoría de honor en cuanto al puro thriller se refiere desde sus comienzos allá por los años setenta. Lo cual ya de por sí, supone un aliciente fundamental. Pero además, encontramos un Scorsese diferente y cautivador. Un director que se ha asomado a una ventana siniestra y oscura para ofrecer un endiablado paisaje cargado de matices y con múltiples puntos de vista y particularidades. En este sentido se vislumbran pinceladas cubistas al más puro estilo Picasso o Braque, dentro de un inmenso paisaje gótico que atrae no sólo por su condición en sí, sino también por la energía y fuerza que transmiten imágenes, diálogos y el propio guión.

Scorsese maneja los tiempos con maestría, enlaza los flash backs y los sueños con precisión artesanal, y construye una enigmática historia que lejos de ser un complicado y aburrido rompecabezas se configura más bien como un enorme pastel gris con multitud de sólidas capas para poder disfrutarlo sin complejos. Pero sobre todo sabe perfectamente elaborar unos trascendentales personajes que serán el eje fundamental para que la historia no se tambalee en ningún momento y mantenga la riqueza del paisaje visual y psicológico creado.

Para ello ha contado nuevamente con Leonardo de Caprio; cuarta colaboración entre ambos (Gangs of New York, El aviador, Infiltrados) y posiblemente la más notable de todas. Desde un primer momento pensó en él como protagonista y Di Caprio ha respondido con un magnífico papel fruto de la experiencia y madurez que le han aportado otros interesantes papeles anteriores, y de un firme compromiso con un personaje complicado pero indudablemente atractivo. El hecho de contar con secundarios de la talla de Ben Kingsley (como casi siempre extraordinario en el papel del doctor con oscuras intenciones), Mark Ruffalo (aportando un matiz necesario), Michelle Williams (dulce y desequilibrada a la vez), Emily Mortimer (muy alejada de aquel papel en “Match Point”), Patricia Clarkson (dando un aparente punto de sensatez y luz) y Max Von Sydow (toda una leyenda viviente del cine) logran como no podía ser de otra forma un equilibrio perfecto entre la historia y unos personajes que tienen que bailar al compás que se va marcando en cada momento sin distraerse ni un ápice en la medida de lo posible y permitiendo que todo vaya desplegándose con la necesaria coherencia dentro de un universo aparentemente enigmático.

Es imposible abstraerse de las enormes influencias con las que cuenta Scorsese en esta película y que maneja como ases en la mano como el extraordinario cineasta que es. Por un lado tenemos el expresionismo mas turbio, confuso y fascinante que podamos encontrar en una pantalla actual. “El gabinete del doctor Calligari” de Robert Wiene, aparece frecuentemente en nuestra memoria en diversos planos y en numerosas visones, como claro referente en el que el cineasta neoyorkino se ha apoyado con total comodidad. “Laura” de Otto Preminger, “Shock Corridor” de Sam Fuller o "Amanecer" de Murnau, son otras películas fundamentales para entender todo el universo creado. Tampoco podemos obviar referentes literarios como Kafka y “El proceso” o Albert Camus y “El extranjero”, tanto en la configuración del personaje principal como en las situaciones y los escenarios abordados. Y especialmente nos encontramos con el particular y oscuro terror gótico que de la mano de Edgar Allan Poe tanto ha inspirado a cineastas de todo tipo logrando un acertado y complejo paisaje sensorial e intrigante en la mayor parte de los casos. Todo ello, además de ciertos reflejos del cine de Lynch o del "Anticristo" de Lars Von Trier, se ha mezclado sabiamente para crear un delicioso cocktail cinematográfico y una auténtica obra contemporánea con un marcado estilo y con una contundente solidez. Sin duda alguna un estupendo thriller psicológico que atrapa desde sus comienzos y nos mantiene en una inquebrantable tensión durante el resto de la película.

Un nuevo paso adelante por tanto en la amplísima y brillante filmografía de Martin Scorsese y una nueva confirmación de que nos hallamos ante uno de los directores con más talento, valentía y genialidad de la historia del cine.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: En tierra hostil (The Hurt Locker)

2010-01-27T03:30:00.008+01:00

La soledad de una guerra

Los conflictos bélicos se pueden presentar desde múltiples perspectivas, y diversos prismas (aunque lamentablemente la mayoría se decanten por el estrictamente bélico), y en ese sentido admiten diferentes miradas dependiendo de la intención última del realizador y muy en especial del objetivo buscado, lo cuál suele llevar en no pocas ocasiones a una visión sesgada y descaradamente subjetiva del conflicto en cuestión.

Siendo la guerra (o más bien posguerra) de Irak el centro neurálgico de esta película, y siendo una producción americana la responsable, todo podría hacer indicar que nos pudiéramos hallar ante uno de estos casos de subjetividad manifiesta transformada en estricto y desagradable panfleto político. Por fortuna en este caso no es así, o si lo es, resulta tan sútil que apenas deja márgen a la crítica en este sentido.

Dicho lo cúal, uno puede permitirse el lujo de "relajarse" y disfrutar plenamente de un inquietante análisis prudente sobre la labor de la brigada estadounidense de desactivación de explosivos desplegada en Irak, en constante peligro de muerte. Una labor incómoda, no muy conocida y en la que “The hurt locker” nos permite profundizar ligeramente si cabe en un mundo cargado de tensión, peligro y como no miedo. Un miedo, que aunque no forma parte de la cara más externa y visible, sí es palpable en el foro interno de unos personajes que harán todo lo posible por mantener el tipo de la manera más digna posible.

En una tierra desconocida (además de hostil) y ante una población distante y siempre enemiga, la brigada protagonista se verá envuelta en multitud de situaciones de riesgo, con el siempre nexo en común de la amenaza constante. En este pequeño submundo cobrará vital importancia la presencia del sargento William James (Jeremy Renner), auténtico especialista en este tipo de contiendas y con un carácter tan complicado que confluirá en un choque de incompatibles visiones respecto a la manera de actuar, que se mantendrá a lo largo de la primera mitad de la película y que proporcionará un interesante duelo de jerarquías. Un sargento que como auténtico especialista en la desactivación de bombas encarnará de la manera más esencial la auténtica soledad del campo de batalla. Tal y como Duncan Jones, nos invitaba a acercarnos a la extrema soledad del astronauta Sam Bell en la excelente “Moon”, Kathryn Bigelow nos invita a asomarnos al lado más insólito y menos conocido de unos soldados que luchan cada día por evitar sorpresas desagradable en un cierto halo de anonimato involuntario.Y en concreto al pequeño rincón desde el cuál William James expone la cara más fría de una labor ingrata y peligrosa. Inmerso en un enorme traje similar al del astronauta, y dirigido por una cámara que le contempla desde la distancia y con el contraste de la intencionada lentitud, el sargento James es el reflejo perfecto de la vivencia de una guerra desde las trincheras; la lucha de las pequeñas, cotidianas pero trascendentales batallas que se salvan bajo los focos de la rutina más desagradable.

La directora Kathryn Bigelow (“El peso del agua”, “Le llaman Bodhi”) ha emprendido este complejo proyecto con extremada inteligencia y sutileza consiguiendo algo tan importante en este tipo de películas como es una asombrosa autenticidad que se aprecia en cada minuto mostrado. Esto no sólo lo logra por la especial y acertadísima ambientación, sino también desarrollando el guión de Mark Boall (“En el valle de Elah”) de manera contundente, objetiva y lo más cercano posible al eficaz tono documental, sin alejarse evidentemente de la ficción más milimétricamente elaborada. Todo ello nos lleva a situarnos ante una guerra que si bien nos resulta conocida, nos permite también una novedosa visión a la que acercarnos con curiosidad, e incluso sintiendo la tensión y el suspense que Bigelow logra transmitir con indudable acierto.

Estamos ante un subgénero, dentro del género bélico y ante una película que tanto por su ambientación, como por sus eficaces interpretaciones así como en la manera de narrar una ya de por sí interesante historia, merece que se la considere como una de las películas del año.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Up in the air

2010-01-19T01:11:00.005+01:00

Un refugio sobre el cielo

Decir que “Up in the air” es una película ideada para el lucimiento (más estético que interpretativo) y diversión de George Clooney, sería una manera rápida y efectiva (y no muy descaminada) de definir esta sencilla comedia agridulce. Pero siendo honestos, no sería del todo justo y sobre todo no sería una apreciación completa.

Pero con este primer matiz, sí podemos hacernos una idea de la importancia de este actor en la película, su eficacia ante una cámara que le adora, y la bienintencionada (e inteligente) propuesta por parte de un Jason Reitman (“Gracias por fumar”, “Juno”) que bajo la apariencia de película indie, nos ha infiltrado sigilosamente un discreto pero sustancial panfleto en favor de la familia convencional, o la pareja enamorada eternamente a través de un actor que pudiera parecer que se interpreta a sí mismo.

Como libreto moral de autoayuda, la película resulta esperpéntica y sus razonamientos infantiles e impropios de una cultura social contemporánea. Pero por fortuna, esto finalmente se queda en una mera anécdota en el desarrollo de un guión que tiene su gracia, y una película que en definitiva contiene otros elementos que la hacen como mínimo interesante y entretenida.

La vida de Ryan, un viajante de negocios que se dedica poco menos que a despedir (elegantemente) a gente de sus empleos y dar conferencias, es el principal motor en el que se mueve esta película "air-movie", y el pequeño abanico de secundarios que de manera directa y también indirecta influirán en él hasta el punto de replantearse su modo de vida.

Una fotografía cuidada, fresca y dinámica nos ayudará a sentirnos cómodos desde un inicio, así como una enérgica banda sonora, y poco a poco los dilemas morales y casi existenciales irán entrando en juego casi sin hacer ruido y siempre con un matiz de importancia que obligará al espectador a hacerle partícipe de los problemas de los personajes de una manera muy sutil. Como comedia puede llegar a funcionar y resulta simpática y en algún momento puntual divertida. Como drama es donde “Up in the air” flojea con mayor intensidad y es donde más lagunas encontramos a la hora de buscar una extensión dinámica y estructural de un guión que podría haber llegado a funcionar de una manera más personal de haberse ahondado más en este aspecto. La complicada mezcla final comedia-drama en conjunto se resuelve de manera aceptable.

Lo mejor de la película lo encontramos en la relación amorosa que se entabla entre Bryan y Alex (especialmente guapa encontramos a Vera Farmiga en este papel). Aparentemente almas gemelas que se encuentran en su propio submundo particular, y aparentemente almas solitarias que no necesitan compañía para desarrollar una placentera vida, y que tan sólo al final de la película sabremos si son capaces de relacionarse más allá de la cama de un hotel. Una historia moderna, emergente y que sin duda mantiene el tono de la película en un cierto nivel en parte por el trabajo de ambos actores, y en parte por la incógnita de su desenlace.

Decepcionante quizás por la avalancha de premios y nominaciones que está recibiendo esta discreta cinta y que pueden hacer que la encontremos sobrevalorada, pero agradable, interesante e incluso sinceramente divertida si uno se abstrae de todo ese maremágnum comercial, y se acerca a verla con inocente virginidad cinéfila.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La cinta blanca

2010-01-14T01:53:00.005+01:00

La mano derecha de Dios

Tras unos silenciosos créditos y un inquietante encuadre que se va iluminando lentamente, una envejecida voz en off nos comenzará a narrar una historia que según nos confiesa conoce en ciertos aspectos de oídas, y aún mantiene no pocos misterios e interrogantes. El narrador es un sencillo maestro de escuela un pueblo del norte de Alemania en vísperas de la I Guerra Mundial, con el germen del nazismo salpicando siempre sutilmente. Tendrá dicho maestro el doble papel de narrador y protagonista que si bien en un principio parece carecer de importancia, en el transcurso de la historia se va haciendo notable y necesaria.

Una cinta blanca, como símbolo de la pureza y la inocencia, será uno de los castigos que los hermanos de una estricta familia deberán portar cada vez que cometan una de sus inocentes travesuras. Una cinta que además y desde una visión más racional, simboliza el autoritarismo paterno-filial, el abuso de poder y la intransigencia, que si bien están orientados hacia el clima familiar e interno, Michael Haneke se encarga muy hábilmente de hallar una posible y necesaria extrapolación hacia los fanatismos religiosos y políticos de una sociedad a orillas de la inevitable destrucción moral.

Nunca había tenido tan buena ocasión el director austriaco de rodar como esta vez una película en blanco y negro que tanto agradeciese esta tonalidad. Con ello, además de lograr cierto distanciamiento, consigue una autenticidad manifiesta y logra además pasajes conmovedores, fotografías evocadoras y sustancialmente emotivas y un perfil tan asociado a la época que cuesta creer que se haya rodado en pleno siglo XXI. La misma y acertada elección de los actores (especialmente los niños) ayuda a confeccionar una imagen lo más aproximada posible a la Alemania de la época. Esa mezcla de inocencia, sufrimiento, incomprensión, respeto y finalmente miedo que trasladan tanto miradas como gestos infantiles consiguen conformar un clima perfecto para el desarrollo de una historia inquietante.

La película nos absorbe por completo desde un primer momento, y a lo largo de las casi dos horas y media que dura, consigue algo tan indispensable y difícil de lograr como es mantener la tensión y el interés sin necesidad de realizar excesivos giros narrativos que pudiesen desvirtuar ese estigma de realismo que se quiere mantener en todo momento. Una ubicación rural que acentúa en ciertos aspectos las bajezas del ser humano donde las hostilidades comienzan desde el interior de uno mismo, y la paz sólo se logra con el beneplácito de una conciencia adormecida. Pocos cineastas como Haneke son capaces de profundizar con tanto acierto y habilidad en lo más oscuro del ser humano, caracterizando los grises rincones de nuestro corazón con la minuciosidad de un verdadero cirujano narrativo y con la completa convicción de estar reflejando una auténtica realidad muchas veces ocultada. La violencia como negra pasión innata a la condición humana, la culpabilidad como origen de todos nuestros actos y los temores como marco general de cualquier conflicto personal, suponen todo un material en el que Haneke sabe sacar partido a base de sinceridad, franca reflexión objetiva y un absoluto y portentoso ejercicio narrativo vinculante. Todo ello confluye en una multitud de consecuencias que dan como resultado final la perversión de los ideales y en definitiva la sinrazón, ya se hable en términos políticos como religiosos.

Sin necesidad de mostrar escenas excesivamente crueles (aunque las haya) y con la extremada habilidad de unos encuadres austeros pero siempre perfectamente ubicados, donde en ocasiones nos sitúa a espaldas del protagonista como si pudiésemos sentir ese enfoque interior y personal que no acaba nunca de proyectarse con sinceridad, la película transcurre con la importancia de la historia por encima de todo pero con unos elementos tan sutiles como necesarios, y tan estremecedores como bellos.

Michael Haneke ha firmado una auténtica obra maestra, que sorprende poco a los que ya conocíamos su trayectoria pero que no deja de asombrar por lo variado de recursos y la extensa riqueza narrativa empleada.

Porque “La cinta blanca” es sobre todo una gran historia excelentemente narrada. Un magnífico guión bien desarrollado y una puesta en escena sobria, imaginativa y particularmente bella además de simbólica, que contiene además los interrogantes necesarios y las cuestiones puntuales para que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Un tipo serio

2010-01-06T03:02:00.004+01:00

El judaísmo “made in Coen”

La nueva película de los hermanos Coen comienza con un interesante corto, que si bien no tiene nada que ver con el resto de la película, sí nos indica algunas de las claves en las que se va a mover con posterioridad. Tras él, la cita “recibe con simplicidad todo lo que te pasa” nos servirá para entender el corazón que palpita en este nuevo universo tan personal y auténtico en el que nos envolverán los citados cineastas hasta conseguir edificar un mundo inusual tan bien estructurado que nos resultará sencillo adentrarnos en él sin miedo a desorientarse o no encajar fácilmente.

Tendremos que remontarnos al año 1967, dentro de una comunidad judía en las afueras de una ciudad sin especificar del Medio Oeste norteamericano. El día a día cada vez más difícil de llevar de un ciudadano normal como es Larry será el eje principal a través del cual toda una serie de personajes tan pintorescos como los Coen son capaces de crear, irán transformando una vida cotidiana en un sinfín de situaciones que irán removiendo los cimientos de la vida de Larry hasta obligarle a pedir consejo (o casi auxilio) hasta a tres rabinos de su comunidad.

No hay duda de que los Coen se encuentran en un admirable estado de forma. Y tras los dos recientes éxitos (“No es país para viejos” y “Quemar después de leer”) de muy variada factura, se han permitido el pequeño “capricho” de desarrollar todo un ejercicio de nostalgia y retroceder a un pasado donde ambos compartieron infancia y adolescencia con personas similares a las que aparecen en esta divertida y amena película. Si bien es cierto el personaje principal de Larry (Michael Stuhlbarg) es pura ficción (así como la historia), es indudable que tiene todas aquellas aportaciones que el recuerdo ha mantenido vivas de personas que marcaron los primeros años de Joel y Ethan Coen. Una vez reunidos todos los moldes posibles, se han limitado a proyectar todo este mundo con su particularísimo estilo, consiguiendo un relato que siendo ligeramente dramático, se mueve con insultante comodidad en la comedia con estilo.

Muchas son las cuestiones que se analizan y exploran sin demasiada tendenciosidad a lo largo de todo el film, destacando sin duda las relativas a la fe, todo lo que rodea al mundo académico y del profesorado, las relaciones familiares y los desencuentros comunicativos, la muerte como símbolo o como simple y llana realidad y especialmente el judaísmo. Aunque pudiera parecer por momentos que existe una intención de parodiarlo, lo cierto es que está tratado con respeto y admiración, mostrando facetas (y expresiones) apenas conocidas y dejando entrever una sana intención didáctica acerca de una religión no del todo conocida y/o apreciada.

El marcado –e inagotable- estilo, llevado a las últimas consecuencias es lo que convierte un relato tipo “American Beauty” en un fascinante viaje al corazón mismo del ser humano de una manera divertiday con momentos de auténtica excentricidad. Quizás el estirar demasiado la cuerda impida que haya una relación estrictamente razonable entre ficción y realidad, y no se consiga un apreciable tono natural que si han logrado en otras películas empleando los mismos métodos y sin renunciar a la esencia de su cine.

Por lo demás, ni estamos ante una película menor, ni tampoco nos encontramos ante la obra cumbre de estos dos hermanos directores y guionistas, pero lo que sí es seguro es que los seguidores de su cine no se verán en absoluto decepcionados, y los que se acerquen por primera vez a su particular universo, disfrutarán con una manera diferente de hacer cine y una visión muy particular de entender las relaciones personales y las luchas internas del ser humano por la cada vez más arriesgada supervivencia espiritual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Todos están bien

2009-12-30T02:57:00.004+01:00

Líneas comunicantes

Dicen –muy acertadamente- que “si la montaña no viene a Mahoma, Mahoma irá a la montaña”. En este caso, si Frank Goode, jubilado y con la viudez recién y desgraciadamente estrenada, no es capaz de reunir a sus cuatro hijos, será él, el que armándose de la debida paciencia (debido a sus problemas para volar) se recorrerá parte de Estados Unidos para ir uno a uno visitando a cada uno de sus cuatro hijos y entregándoles un regalo muy especial dentro de un sobre. Evidentemente, la tarea no será sencilla, y en cómo lo logrará y las dificultades con las que se verá, tendremos el eje principal sobre el que girará este sencillo y amable drama familiar, de tintes tan apropiados para la época que nos ocupa.

La historia ya la trató el excelente director italiano Giuseppe Tornatore en 1990, y este remake, que no debiera compararse con aquel, adapta al convencionalismo americano una historia que a priori tiene mucho jugo sobre el que moverse y desarrollarse. Kirk Jones, que cuenta en su haber con tan sólo tres películas (siendo "Despertando a Ned” la más destacable) se atreve con una historia de pocas dificultades narrativas, componiéndola en torno a un guión gradualmente adaptado y garantizándose unas interpretaciones fraternales a la vez que solventes. Es en este aspecto interpretativo, donde la película obtiene mayores puntos de interés, especialmente y como no podía ser de otra forma, en la figura de Robert de Niro, en un papel alejado de sus clichés mafiosos, y convirtiendo su arrebatadora presencia en todo un aluvión de enternecedores momentos en la mayor de las ocasiones y divertidos en otras donde la historia lo solicita. De Niro se hace el amo y señor de la pantalla, de la historia y de los mejores momentos de la película, arrastrando necesariamente a unos acompañantes de lujo (comercialmente hablando) que con unas correctas interpretaciones consiguen que los personajes bailen al son que de Niro les marca y no se desvirtúen en ningún momento, ayudando a un desarrollo apacible, y con alguna que otra dosis de autenticidad. En este sentido, la siempre entrañable Drew Barrymore no tendrá especiales dificultades en convertirse en una ejemplar y exitosa bailarina de Las Vegas, Sam Rockwell nos convencerá siendo "director" de una importante orquesta de música clásica, y la especialmente guapa Kate Beckinsale nos deslumbrará con su extraordinaria y a priori triunfante vida. Por supuesto, todos ellos esconderán una cara gris que de la habilidad de Frank dependerá si sale al descubierto o no.

Sin arriesgarse un ápice, con los moldes previos necesarios, y –por fortuna- sin derramar la más que previsible lágrima lo estrictamente necesario, Kirk Jones compone una cordial y afectiva historia que encaja perfectamente en las fiestas navideñas, y que no necesita excesivos alardes narrativos para llegar a un espectador medio que se deje llevar a un particular y conocido mundo familiar emotivo. La comunicación (en este caso entre padres e hijos) y sus riesgos será uno de los temas sobre los que acercarse tímidamente a reflexionar, además de la excesiva exigencia y presión que algunos padres ejercen sobre unos niños que en un futuro quizás no puedan cumplir todas las expectativas esperadas. Todo ello, a través de una peculiar “road movie” que mantendrá a Frank Goode entretenido, ilusionado y no exento del ligero peligro que conllevan este tipo de viajes, y que será recordado por él mismo a modo de simpáticas fotografías que tendremos oportunidad de contemplar en los títulos de crédito finales.

Aún faltándole la valentía que le impide convertirse en una película grande, “Everybody´s Fine” contiene todos los ingredientes de un sosegado drama, que en algún momento nos ofrece un pequeño ápice de emoción y que se disfruta sin aparentes esfuerzos entre turrones, champagne (o cava) y el recuerdo familiar siempre en la mente. Además de ello, Jones nos brinda una excelente escena en la que el Frank Goode actual conversa con sus hijos (devueltos a su infancia) en el jardín de su casa, en un emotivo regalo para los ojos realmente destacable.

Viaje con retorno, incómodo y con la ilusión de un reencuentro para saber, si todos están bien: ¿lo estarán?...

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La grandeza de vivir

2009-12-23T01:52:00.004+01:00

El influjo de la madurez

Abordar el tema de la tercera edad, además de proporcionar satisfacciones si se consigue un resultado positivo, encierra el riesgo de caer con excesiva comodidad en el drama fácil, la lágrima demasiado ligera y sobre todo quedarse a las puertas de un enfoque reflexivo que permita una amplia visión sobre una complicada edad y unos universales e inevitables conflictos morales y sociales.

Con tan sólo dos largometrajes en un haber, pero con un sustancial tacto para tratar temas relevantes sin pecar de pedante, el director Anthony Byrne adapta un relato “Los duros” de la célebre escritora irlandesa Maeve Binchy con el acierto de mantener la esencial principal, y al mismo tiempo añadirle esa sutil pero impecable marca personal que consigue darle a la historia el énfasis necesario dentro de un equilibrio narrativo más o menos adecuado.

La residencia de la tercera edad “Woodlands” será el escenario elegido para que la joven Ellie (Hayley Atwell) comience a trabajar con unos huéspedes harto complicados y a las órdenes de una hermana estricta y autodidacta. El choque de trenes está garantizado en dos vertientes principales: el puramente de diferencia generacional por un lado, y el de confrontación de caracteres dentro de un grupo humano con sus conflictos internos, por otro. El primero será mostrado desde una inicial inocencia adolescente por parte de Ellie, hasta su inmediata madurez y crecimiento emocional que la permita “luchar” de tú a tú en campo contrario y con todas las de perder. El entendimiento tan sólo podrá llegar en situaciones límite y de la habilidad en concretar cada situación dependerá que salga victoriosa de una batalla perdida de antemano. La segunda vertiente nos mostrará un efusivo y emocional conflicto paralelo que nos permitirá, además de disfrutar con el enfrentamiento directo entre personalidades de diferente factura, el auténtico deleite que nos proporcionarán unas sensacionales interpretaciones a cargo de Vanessa Redgrave, Brenda Fricker e Imelda Staunton en el lado femenino, y un solitario y también sensacional Joss Ackland en el lado masculino.

Sin duda alguna, la madurez, experiencia y profesionalidad que aportan estos actores, consiguen que la interpretación sea una de las bases principales de la película, que si bien cuenta con una interesante historia, es enriquecida con un saber hacer propio de actores con cierto bagaje. La película, que en principio está configurada como una comedia con tintes dramáticos, poco a poco se va transfigurando en un drama con ciertos momentos divertidos, pero donde abunda la sensibilidad moderada, las tiernas miradas que inevitablemente conmueven y la visión de una cámara que se mueve al son de las notas de piano del genial Satie, y de la música de Niall Byrne.

Anthony Byrne, en una acertada decisión con estilo, se permite el lujo de huir en no pocas ocasiones del drama de fácil desarrollo para jugar con tiempos y modos, y sobre todo para evitar situaciones mil veces ya vividas. Por desgracia no siempre lo consigue, aunque es de agradecer las veces en que al menos lo intenta.

Aunque el cartel principal, y la traducción del título original (How about you) le hagan flaco favor al corazón de esta película, en general nos encontramos ante un más que interesante drama que se mueve con bastante fluidez entre el poder de la amistad, la sabiduría adquirida con los años, la triste melancolía de los tiempos vividos, y el esperanzador devenir asomando a la ventana de una residencia que será punto y seguido hacia nuevas experiencias por vivir. Con o sin grandeza.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Donde viven los monstruos

2009-12-16T16:16:00.004+01:00

Salvajemente inocente

Adaptar la extraordinaria e inquietante novela infantil “Where the Wild Things Are” de Maurice Sendak al cine a buen seguro que ha supuesto un auténtico reto al interesante cineasta Spike Jonze tras dejar su impronta en películas tan interesantes como “Adaptation” o “Cómo ser John Malkovich” tras coquetear en el mundo del videoclip.

La historia es sencilla en su planteamiento, pero es en el contenido adicional y en sus incursiones morales donde tanto novela como especialmente película logran una importante y extraordinario aura mágico que termina por envolver toda la historia y convertirla en una mágica narración carente de elementos superfluos y con un gran valor moral, no siempre identificable a primera vista, pero siempre destacable.

Max, (Max Records) niño rebelde y con un alto porcentaje de ira en sus actuaciones, logra zafarse de las “garras” de su madre y adentrarse en un extraño bosque donde poco a poco irá descubriendo una serie de peculiares y enormes personajes, que le tomarán por rey de todos ellos. Todos y cada uno de los personajes provienen de la imaginativa mente de Max, y todos sin excepción mantienen una relación muy personal e íntima tanto con su persona como con su mundo privado. En manos de un espectador curioso y sobre todo interesado en dejar volar la imaginación a cotas sin límite, quedará el interpretar, encajar y sobre todo entender un relato que lo mínimo que logra es deslumbrar y mantener un constante interés que apenas se relaja en ningún momento.

Para conseguir ese halo de magia imaginativa, que bien nos pudiera recordar algún coletazo de Tim Burton, se ha recurrido a una exquisita técnica para lograr unos escenarios inusuales, y especialmente unos personajes que transmiten en cada mirada, aliento o sonrisa, y que son fruto de un exhaustivo trabajo obviamente recompensado con una idílica selección de monstruos peculiares. Para lograr un resultado aún más espectacular se ha recurrido a voces como la de Forest Whitaker en uno de los personajes más interesantes. Todo ello convierte a una mini-población de monstruos sin rumbo fijo, en un más que interesante y variopinto grupo familiar que alberga sentimientos, virtudes e interferencias, y que viven bajo un cielo de inocencia y un clima de auténtico desasosiego, donde Max, además de ser un espectador de lujo, se convertirá en un protagonista trascendental y decisivo.

No se puede dejar de mencionar tampoco la excelente banda sonora de la película, destacando temas como “Worried shoes” de Karen O. ó “All is love” de Karen O. & the kids, sumándose a un clima que sin apartarse del lado infantil se adentra en un universo de idílico misterio y de giros imaginativos sin márgen al aburrimiento.

Inocencia, sentido y mucha sensibilidad en un relato bien desarrollado, mejor ornamentado y con una agradable intención de sorprender de manera humilde pero sobresaliente.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El erizo

2009-12-09T02:38:00.004+01:00

Mundos interiores por descubrir

Realizar una película basada en un libro, y especialmente en un best seller, tiene una ventaja fundamental, y es la garantía de una promoción gratuita debido al conocimiento y gran aceptación de ese libro, y por ende garantía de un mínimo de espectadores iniciales curiosos por conocer dicha adaptación. Pero como no podía ser de otra forma, tiene también el inconveniente de la inevitable- y en ocasiones injusta- comparación con la obra literaria. En los últimos años hay en este sentido dos casos muy significativos, y con dispar éxito: “El código Da Vinci” y “Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres”. La primera se trató de una nefasta adaptación y la segunda de una más aceptable y digna. En cualquier caso, casi siempre sale perdiendo la película a favor del libro, aunque sin óbice del éxito taquillero que se consigue, que a fin de cuentas es lo que en la mayor de las ocasiones se persigue.

“La elegancia del erizo” de Muriel Barbery supuso un éxito editorial con pocos precedentes debido a la especialidad del mismo y que se podría analizar desde diferentes perspectivas para poder entenderlo, aunque cabría destacar que básicamente la empatía general con los personajes principales es probablemente el secreto de su éxito. La directora Mona Achache debuta en la dirección de una manera más que aceptable con esta adaptación y en cierta medida respetando una de las claves del libro: la particularidad de sus personajes. Una niña de once años con elevada capacidad intelectual pese a su corta edad, y una portera de la misma comunidad con inquietudes culturales secretas convergen en un determinado momento para construir un espacio privado, trascendente y sobre todo muy personal. Aunque la novela está narrada en dos voces, Achache se centra en la voz de la niña, que a través de una cámara de video doméstica irá conformando lo que a priori parece ser un destino inevitable: su propio suicidio.

Cumpliendo con la premisa básica de entretenimiento y abordando mundos interiores paralelos aunque distantes Achache confecciona un particularísimo espacio cinematográfico que, respetando el espíritu principal de la novela intenta ir un paso más sin llegar nunca a conseguirlo. Se llega por momentos a vislumbrar cierto clima mágico que nos pudiera recordar en algún momento a la estupenda “Amelie” y que sin duda favorece el desarrollo natural de la historia que camina con paso firme, sin apenas concesiones y con un marcado tono de comedia ligeramente dramática. Las dos interpretaciones de los dos personajes principales cumplen a la perfección con lo demandado, pero es sin duda el trabajo de Josiane Balasko (alternando actalmente dirección -"La clienta"- con interpretación) lo que consigue que la película tenga una significación especial y contenga ingredientes sumamente interesantes.

Amable, sencilla y aparentemente humilde, “El erizo” se presenta sin apenas etiquetas, sin excesivas pretensiones, y con la intención de dejar buen sabor de boca a quienes se acerquen por primera vez a la interesante historia, y conseguir complacer y no decepcionar a los que ya disfrutaron previamente con la novela.

Tal y como se puede leer en Ana Karenina, de Leon Tolstoi y que guarda bastante relación con el espíritu de esta divertida historia: “Todas las familias felices se parecen; cada familia infeliz es infeliz a su manera”.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La pequeña Lola

2009-12-02T22:47:00.007+01:00

Adopciones desesperantes

Tras la modesta pero grandiosa “Hoy empieza todo”, se espera muchísimo del cineasta francés Tavernier, que ya cuenta con una larga trayectoria en sus haberes. Si en aquella eran los problemas de la escolarización de algunos niños con pocos recursos, en esta ocasión y sin alejarse demasiado de ellos, son los problemas de adopción en países extranjeros el eje central de una película que a priori cuenta con todos los ingredientes para ser como mínimo interesante.

Contar con actores de la talla de Isabelle Carré y sobre todo Jacques Gamblin, nos garantiza un ápice de autenticidad en modo alguno menospreciable y con un guión adecuado todo apunta a una historia apasionante.

Pero una profunda decepción asoma por la ventana de un espectador mínimamente exigente cuando nos encontramos con un resultado final que pese a contar con todos esos ingredientes se frena por culpa de un relato pesado, en no pocas ocasiones aburrido y donde el interés se mantiene por diálogos emotivos, o interpretaciones minuciosamente atrapantes.
Como documento social e incluso denuncia, es indudable su valor y su referencia. Como producto cinematográfico naufraga de manera flagrante pese a los vanos intentos por mantenerla elevada.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Buscando a Eric

2009-11-26T16:57:00.005+01:00

El alma de un futbolista

El cineasta inglés Ken Loach es uno de esos directores que se mueve como pez en el agua navegando por mares de insatisfacción social, desencanto, y crudeza urbana o rural, mostrando lo mejor y sobre todo lo peor de una sociedad que palidece por momentos para mostrar un halo de esperanza instantes después. Y todo con un amplio trasfondo de desilusión política que tan sólo es remediable por ese espíritu burlón e irónico que tan bien sabe aplicar al entramado de sombras previamente creado.

En esta ocasión, con “Buscando a Eric”, huye de la introspección política de “El viento que agita la cebada” o de la reflexión sobre problemas raciales y culturales de “Sólo un beso”, para mostrarnos una cara amable de un personaje anónimo que bien pudiera representar el desaliento de una sociedad que envejece prematuramente ahogada en problemas familiares, económicos y sociales. Un grito anónimo en medio de un ensordecedor murmullo de voces ausentes.

Tras la aportación de una idea inicial del carismático ex futbolista Eric Cantoná acerca de su relación con los aficionados del club de fútbol Mancheste United, el guionista Paul Laverty se puso a trabaja en un guión que conjugase de la manera más afable posible la comedia con el drama, y que tuviese cabida entre medias el pequeño halo de magia que aporta el propio Cantoná. Con ello, la historia se sustenta sobre un deprimido y acabado padre soltero que sólo muestra un ligero chispazo de vida y emoción cada vez que siente las punzadas de la nostalgia clavarse en sus entrañas más profundas. La ocasión perdida, el amor de su adolescencia, los errores del pasado, atormentarán al protagonista hasta que la aparición de su futbolista favorito sea capaz de dar un vuelco a su vida, y de paso a la gente de su alrededor.

Loach se preocupa con verdadera maestría de manejar los tiempos con la sensatez que su larga experiencia le aporta, de manera que el paso de comedia a drama se produce sin excesiva brusquedad y con el velo necesario para no provocar incoherencia o sinsentido en ningún momento y ayudar a que la historia mantenga un lineal desarrollo provocando un previsible pero emotivo final.

No cabe duda que las apariciones de Cantoná son de tal poderío y magnetismo que se corre el riesgo de que oscurezca la historia verdadera, por lo que las mismas están muy seleccionadas y con una adecuada puntualidad, a pesar de que en ocasiones se le eche de menos en pantalla. Es su figura, y sobre todo el personaje creado por él mismo el que estará en todo momento discurriendo por las venas del protagonista principal, y también de unos secundarios que gustan por su naturalidad y buen hacer ante situaciones cotidianas.

Película entrañable, divertida por momentos (aunque haya habido un pequeño y perdonable descalabro en cuanto a la lucha contra la mafia) y con ese acento tan personal que Loach impone en todas sus películas y que nos permite contemplar una obra con carácter, personalidad y en todo momento comprometida y auténtica.

Un realismo social convincente. Un hermoso canto a la amistad. Una luz natural al fondo de un túnel sin horizonte.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Planet 51

2009-11-24T00:36:00.004+01:00

Planeta plano

Bastaría decir que la sombra de Pixar y Dreamworks es demasiado alargada, para resumir en un primer análisis y en pocas líneas esta ambiciosa comedia de animación española, que se centra en un curioso Planeta de alienígenas que se ven “invadidos” por un no menos curioso astronauta norteamericano. En este sentido, la película recrea unos idílicos años 50 transportados a otro planeta y con evidentes similitudes de la misma década en aquellos Estados Unidos. Pequeñas referencias a películas míticas de aquel país, resultan en ciertos momentos agradables y se antojan como pequeños y humildes homenajes.

Sería imposible en cualquier caso hacer una justa valoración sin considerar los dos aspectos fundamentales que sobresalen (para bien y para mal) en esta película de alienígenas.

En primer lugar, e indudablemente lo primero que aparece ante nuestros ojos es la técnica empleada. Para crear este largometraje de animación con evidente vocación internacional, se ha empleado una tecnología específica para competir al más alto nivel con los principales estudios de animación internacionales. Un intenso trabajo de siete años que tiene sus frutos en imágenes agradables, fluidas, simpáticas, entrañables pero pocas, muy pocas veces espectaculares o visualmente impactantes como se debiera esperar de ella. Es evidente que hay un enorme trabajo detrás de cada fotograma, pero el conjunto final echa en falta un paso más que hubiese conseguido resultados más soberbios. Los personajes no están mal caracterizados y pueden resultar en ocasiones interesantes, pero en una visión global adolecen de algo más de imaginación a la hora de desarrollarlos y darles vida.

El segundo aspecto, y quizás el más importante es el guión. De la mano de un peso pesado como Joe Stillman (co-guionista de Shrek y Shrek 2) lo más suave que se puede decir de él, es que resulta en todo momento decepcionante. Desde su predecible inicio, todo se mueve al compás de elementos ya conocidos, escasos giros narrativos, y una exagerada pretensión de gustar a todos de la manera menos arriesgada, lo que se traduce en un producto con muy poca valentía. Poco original en casi todos sus planteamientos, y con la sombra de Pixar (Wall-E) y Dreamworks (Shrek) planeando una y otra vez, a veces de manera casual y a veces de manera –sorprendentemente- pretendida. Cuesta creer que en siete años no se haya podido cuidar mucho más este aspecto tan esencial en el actual cine de animación, y nadie haya sido capaz de conseguir una verdadera comedia con ingeniosas secuencias divertidas. Si la intención inicial era “elaborar un guión genial”, como así se ha declarado, es evidente que estamos ante un rotundo fracaso.

A pesar del corto metraje que han decidido presentar (escasa hora y media) hay momentos donde el tedio sobrevuela peligrosamente por la atmósfera, y donde nunca se llega a alcanzar un cota digna de mención y que se impregne en el recuerdo como sucede con otras películas de estilo similar.

Por tanto, un más que aceptable desarrollo técnico que dejará buen sabor de boca en líneas generales a los amantes a este tipo de cine pero envuelto en un poco elaborado y escasamente original guión que dejará un agrio sabor de boca a los amantes de buenas historias en las que pasar un rato algo más que entretenido. Porque esto último (ligeramente entretenida) y no mucho más es lo que mejor se puede destacar de un producto que se creó con muchas ambiciones, pero que en ningún caso y a día de hoy, puede competir con los grandes pesos pesados de este género, que dicho sea de paso vive un momento muy dulce.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Un lugar donde quedarse

2009-11-17T01:53:00.004+01:00

American -low- beauty

Hay dos características esenciales que destacan en el interesante cine de Sam Mendes y que le definen con discreción. Por un lado, el enorme peso que debe soportar, -y que afronta con dignidad- a raíz del éxito de su ópera prima y ciertamente sobrevalorada “American Beauty”, por la que recibió un Oscar hace diez años. A partir de aquella se espera demasiado de sus películas, y generalmente y también por este motivo, suelen resultar en ocasiones decepcionantes (Jarhead) en un exhaustivo y crítico visionado. La segunda característica es su capacidad de adoptar un guión bien estructurado, y otorgarle un ligero y genuino sabor de autor que puede o no dejar indiferente, pero que en líneas generales aguanta el paso del tiempo con una dignidad impropia y sin pretensiones enmascaradas de falsa trascendencia.

En esta ocasión, el cineasta inglés vuelve a modelar personajes, adoptar pensamientos y comportamientos de los mismos, y hacerles bailar al son de una comedia que pretende atrapar el lado más extravagante del género humano y a su vez mostrar sus debilidades más íntimamente escondidas.

Una convencional pareja (inevitable la comparación con su anterior “ Revolutionay Road”) que van a ser padres en breve llegan a la precipitada conclusión de que sus vidas carecen de raíces, y que su lugar lejos de haberlo encontrado, se encuentra aún por descubrir. De esta manera, el atractivo guión de Dave Eggers y Vendela Vida se divide en curiosos capítulos con el nombre del lugar donde pretenden quedarse (Denver, Phoenix, Tucson, Madison, Montreal, Miami…) y que irá motivado por la presencia de algún familiar o amigo a cuál más excéntrico y que centrará por unos minutos la atención del espectador para devolverla finalmente a la pareja protagonista (John Krasinski y Maya Rudolph), que si bien demuestran tener buena química, no terminan nunca de convertirse en una pareja poderosa que pudieran por sí solos mantener en pie la película. En general aciertan en sus simpáticas interpretaciones, pero se les hecha en falta algo más de atrevimiento frente a la cámara. Como secundarios podemos destacar en un inicio a Jeff Daniels como padre atípico, y a una Maggie Gyllenhaal que nos regala algunos de los momentos más divertidos de la película.

Atípica y desigual “semi-road movie” que traslada muchas de las inquietudes cinematográficas de Sam Mendes y que nos proporciona tantos ratos divertidos como momentos planos e irregulares y que se embarca con valentía en un viaje sin retorno en busca de una convencional felicidad, y con un abanico de extraños personajes que mantendrán el interés (con más o menos acierto según se corresponda) sin demasiadas complicaciones, quedándose en muchas ocasiones sin combustible cuando el citado viaje pareciese entrar en su momento más trascendental.

Mendes tira de oficio, maneja con seriedad un elegante guión y nos entrega un elaborado producto, donde la imagen se cuida como en él es habitual y donde pese a las debilidades narrativas se confirma como un cineasta solvente y de maneras contrastadas, al que por ello precisamente se le debe exigir más carga dramática aún en su enfoque tan irónico, y al que se le debe reclamar una más elaborada y estricta mirada social dentro de esa inquietud que consiste en presentar incómodos espejos a personajes envueltos en egos insustanciales.

Queda mucho por descubrir en un director con ambiciones, que de momento nos deja una entretenida y discreta comedia de factura desigual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: 50 hombres muertos

2009-11-11T02:52:00.007+01:00

La historia del lobo infiltrado

Cuando una película acierta plenamente con el título, por su ingenio y contundencia, (si obviamos la nefasta e incorrecta traducción) qué duda cabe que ya tiene un primer paso asegurado, aunque sea ínfimo. Pero evidentemente eso no lo es todo, y un film que apuesta por mostrar algunos de los entresijos del IRA necesita toda una serie de elementos que vayan conformando un oscuro clímax de tensión e intriga, como lo consiguiese en algunos momentos “Lobo” de Miguel Courtois (si exceptuamos las nefastas interpretaciones de algún secundario) aunque le faltase a aquella más empuje para haber logrado ser un referente.

En esta “50 hombres caminando” también se concentra la trama en un topo, infiltrado o “lobo” que debe colaborar a evitar muertes inocentes a cambio de dinero, y -quizás en su foro interno- limpieza de conciencia.

El problema surge cuando desde un comienzo todo se plantea sobre un escenario de escasa autenticidad. Tanto en la manera de infiltrarse, como en la de abrirse camino, como en la de irse desmarcando, no encontramos los argumentos necesarios para que la historia se nos muestre con su cara más sincera, y sin cicatrices rítmicas que anulan la complejidad de un entorno que debiera ahondar entre lo político y lo irracional y que finalmente se estrella frente a paredes de incomprensión y muros de incredulidad. No ayuda a lograr un ambiente adecuado la sobria pero poco acentuada interpretación de Jim Sturgess, siendo en cambio el trabajo de un maduro y ejemplar Ben Kingsley lo más sobresaliente y destacable en una película que supone un nuevo intento de profundizar en el oscuro y complicado mundo de una banda terrorista.

A lo largo de los años, no pocos directores han logrado con éxito dispar, atrapar el clima apropiado en el que envolver el mundo del IRA. “En el nombre del padre” de Jim Sheridan sea quizás la más popular y la que mayor huella ha dejado tanto por su célebre interpretación de Daniel Day-Lewis como por su calidad fílmica y la conmoción que logra. Pero no podemos olvidar títulos como “Juego de lágrimas”, “Michael Collins”, “Cal”, “Omagh”, “En el nombre del hijo”, "Bloody sunday".... Todas ellas con una encomiable intención de indagar y exponer un particular modo de vida, pero que quizás adolezcan en muchas ocasiones de quedarse a las puertas de haber conseguido una mayor cota de intenso análisis, y alta capacidad emotiva para llegar con absoluta suficiencia al corazón del espectador, tal y como sucede también con la película que nos ocupa. Recientemente "El viento que agita la cebada" de Ken Loach supuso un soplo de aire fresco de realismo (auténtica habilidad de Loach) en un complicado tema en este caso en sus raíces.

Kari Skogland nos ofrece un interesante relato basado en hechos reales, que busca en todo momento la complicidad y comprensión del espectador pero que erra al acariciar momentos de frialdad y situaciones de poca gama narrativa. La película se sigue con suma facilidad, entretiene con cierta destreza, pero se queda con las ganas de dejar en la sala a cincuenta –o más- espectadores impactados.

sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: The Box

2009-11-05T16:39:00.003+01:00

Caja hueca

Es una lástima que una película que comienza de manera tan intrigante, y que a lo largo de los primeros minutos te mantenga con cierta tensión y un ligero suspense, luego se vaya diluyendo como un azucarillo en vaso de leche, y deje un sabor de boca tan desabrido.

La aparición de una extraña caja, traída por un señor en coche negro, y sin mecanismo aparente, se convierte en todo un acontecimiento en una típica familia “marido encantador, mujer responsable, e hijo adorable”. La llegada de un -más extraño todavía- sujeto explicando que si aprietan el botón de esa caja ganarán un dineral pero morirá una persona que no conocen, consiguen crear un acertado clima de incertidumbre atrayente, y uno no sabe todavía si está ante un thriller de suspense o de ciencia ficción.

Por desgracia, y conforme se van atando los cabos (dejando unos cuantos sueltos) la historia se deshace a marchas forzadas, y lo que en un principio parecía un intrigante relato, poco a poco se va transformando en un infantil cuento que bebe de “The twilight zone” e intenta destacar con mal cogidos retazos surrealistas.

La simplicidad de la historia no sería un obstáculo del todo relevante, si los diversos desenlaces no estuviesen tan agotados y no supusiesen un vano intento por construir un enigma de frágil factura. Todas las explicaciones se vuelven monótonas, y lo peor es ver aparecer al temible fantasma del aburrimiento en algún pasaje de un metraje que pudiera haberse estrechado en el rodaje, y haber ganado algún entero con alguna que otra imágen de marcado tono espectacular.

La aparición constante de Cameron Díaz, como indudable gancho comercial nos deja una interpretación sosa, convencional y en absoluto acorde con el nivel de suspense que se pretende, lo cual no deja de ser otro error en la elección de una actriz que no aporta nada más que su ya consabida belleza. Del mismo modo, su pareja protagonista James Marsden tampoco logra nunca el tono deseado.

Si esta “The Box” se hubiese configurado a modo de serie en tan sólo dos capítulos, estaríamos hablando de un primer acertado, intrigante y esperanzador capítulo inicial, y un decepcionante, pueril, y lineal capítulo final. Lo cuál en líneas generales, nos deja ante un producto con la mera intención de entretener que no termina de lograrlo de manera intensa en ningún momento.

Alguna que otra interesante referencia a Sartre, una sencilla metáfora en torno a las cajas, una aceptable interpretación de James Marsden, y un estimable intento por crear algo novedoso, pudiera salvar esta cinta de acabar en la caja del olvido, o lo que es peor, en un hipotético cajón desastre de películas fallidas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: A la deriva

2009-11-04T03:07:00.003+01:00

Circunstancial área de servicio

La adaptación de obras teatrales o de textos catalanes es una de las mayores aficiones y por qué no decir, cualidades de Ventura Pons. En este caso, el libro “Area de server” de Lluis Antón Baulenas, será el marco perfecto a través del cual el director encontrará la ventana adecuada para mostrarnos todo un imaginario bohemio de personajes sin raíces, futuro indefinido o simplemente sin ambiciones.

La historia gira en torno al personaje principal (Anna) llegada de Africa donde ha trabajado como enfermera en una ONG y de vuelta a una vida cotidiana, muy diferente a la llevada anteriormente y con un giro radical de valores, visión de la vida y un arsenal de sentimientos contradictorios. Anna vivirá a partir de entonces en una caravana que desde un pintoresco camping se desplazará a un área de servicio donde echará alguna raíz, que junto a su trabajo de seguridad en un hospital psiquiátrico la darán a conocer nuevas vidas, nuevos amores, o deseos, y un suelo social más o menos habitable. María Molins se encargará de dar vida a este complicado personaje y lo hará con oficio y singular capacidad para otorgarle una eficacia necesaria y a la postre uno de los mayores valores de la película.

Qué duda cabe que nos encontramos ante una historia eminentemente de personajes. Cada uno con su vida personal enjaulada en un halo de misterio que Pons se encarga de potenciar y promover. Un misterio, que si bien en muchas ocasiones se agradece y se contempla como un punto positivo en el mencionado juego de personajes, en esta ocasión consiguen que la historia alcance cotas de estrechez poco deseables y se quede encerrada en un universo de incógnitas nada apetecible y poco evocador. El comentado personaje de Anna es probablemente el mejor construido, pero hubiese sido necesario un mejor enfoque de unos secundarios que se antojan significativos y que debieran aportar un mayor potencial descriptivo en una historia que se presenta como interesante en un principio y que no puede evitar verse diluida en un mar de excesivas intrascendencias y en un cristal de inevitable contemplación traslúcida. Tampoco ayuda la esperpéntica aparición de Boris Izaguirre haciendo de sí mismo, en un personaje perfectamente prescindible ni la insulsa aparición de Arcadi como contemplador atónito de escenas sexuales, del que poco jugo ha podido sacar el excelente actor Fernando Guillén.

La capacidad de Ventura Pons de fabricar o adaptar historias nos deja verdaderas obras interesantes y otras como esta película veintiuno de su carrera, que desemboca en una incertidumbre poco nítida y en un mundo bohemio y abstracto poco pulido y falto de un necesario marco emocional adaptable y conciso.

A pesar de esto, es una película que se deja ver, y que como poco no deja mal sabor de boca.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Celda 211

2009-10-30T03:17:00.007+01:00

Intenso motín carcelario

Qué duda cabe que el cine español atraviesa por una fase de esplendor en cuanto al género de terror se refiere. Una estupenda generación de directores se lanza con descaro y con sello personal a la búsqueda de la reinvención del género, y de paso la posibilidad de una aventura americana que les aporte solidez internacional. No ocurre lo mismo –de momento- con géneros como el thriller, donde la película que nos ocupa supone una agradable excepción a producciones por lo general sin mucho ingenio y menos oficio.

“Celda 211” es un extraordinario thriller acerca del drama carcelario. Y lo es principalmente porque Daniel Monzón maneja el género con soltura, atrevimiento y sobre todo mucha eficiencia. Si ya en películas anteriores, como “El corazón del guerrero” o “La caja Kovak” había dado muestras sobradas de su capacidad, con esta película se consagra como un excelente cineasta, y le abre las puertas de su proyección internacional.

Toda la historia (basada en la novela de Francisco Pérez Gandul, y estupendamente adaptada por el mismo Monzón y el guionista Jorge Guerricaechevarría) transcurre alrededor de un motín carcelario, en que se verá envuelto por error un funcionario al que no le quedará otra que hacerse pasar por preso para salvar su propia vida. Monzón se servirá de esta circunstancia para analizar el instinto de supervivencia humano desde un triple enfoque. Por un lado el puramente carcelario; los presos que lucharán por conseguir reivindicaciones que les permita una subsistencia más asequible en la propia cárcel. En este sentido, tendrán como representante al que supone uno de los personajes más fascinantes de los últimos años: Malamadre. Soberbiamente interpretado por Luis Tosar, este preso será el eje principal que moverá todo en entramado carcelario y su personalidad nos conducirá a todas las posibles opciones que la película plantea. Personaje rudo, sincero, y con un mundo interior por descubrir o aventurar, junto a unos compañeros de viaje a cuál más pintoresco (gran trabajo de Carlos Bardem). Como segundo enfoque tenemos al funcionario Juan Oliver (muy bien interpretado por Alberto Ammann) que por error se verá envuelto en una situación comprometida, y que su lucha será por proteger su propia vida. Para ello tendrá que fingir, sobreactuar, sufrir y liderar con el fin de conseguir respeto, posición y alguna opción viable para acabar con ese drama personal. Finalmente y como enfoque si cabe más importante tenemos a la gente de fuera: funcionarios, policías, políticos, periodistas, etc. Todos buscando sus propios intereses, y la salvaguarda de su estatus social y laboral, derribando cualquier tipo de obstáculo que interfiera su camino. En este plano nos encontramos con un excelente elenco de actores secundarios (destacando Antonio Resines) que aportarán la misma autenticidad que la historia mantiene en todo momento.

Además de este acertado y tenaz análisis de la naturaleza humana, Monzón aprovechará también la complicada situación del funcionario protagonista, para crear en torno a él, un emotivo encaje narrativo acerca de su mujer y futuro hijo, añadiendo las necesarias páginas dramáticas a una historia que alcanza por momentos niveles de excelencia.

Por último, y no menos importante, es imprescindible señalar los dos grandes bastiones sobre los que se sustenta esta magnífica película. Y es que nada de esto tendría su excesiva relevancia, si no estuviésemos hablando de un estupendo trabajo de género con mayúsculas. Un elaborado, intenso y monumental thriller que tiene la virtud de mantener un elevado tono a lo largo de todo el metraje, y que tiene la capacidad de intensificarse sin vacuos excesos, consiguiendo llegar a una explosión fílmica final de la manera más razonable, sin restarle ni un ápice a la espectacularidad.

Mención aparte, y como segundo gran valor de la película, supone la magistral interpretación de un Luis Tosar que si ya había dejado claro su capacidad interpretativa en magníficos papeles anteriores, con este se matricula “cum lauden” con todos los honores. La transformación lograda (incluso en la voz) para conseguir otorgar credibilidad al complicado personaje de Malamadre es asombrosa, y esa maestría a la hora de ofrecernos dos caras, la bruta y la sensible, de un presidiario sin aparentes escrúpulos es sencillamente extraordinaria.

El cine español está de enhorabuena con la que probablemente sea una de las sensaciones del año, y con la que tardaremos en olvidar el número de aquella celda tan inquietante.

Impacta, sobrecoge, entretiene, conmueve e impresiona. Puro thriller, del más alto nivel.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Home ¿dulce hogar?

2009-10-28T16:21:00.003+01:00

Road movie invertida

Cuando uno está acostumbrado a un tipo de vida concreto, perfectamente estructurada y asumida, por muy extraña que pudiera resultar a ojos de los demás, cambiarla de la noche a la mañana, puede resultar violento, y acercarse a lo que podríamos llamar un shock cercano a la quiebra de la rutina. A grosso modo, Ursula Meier -que debuta en la dirección con esta película- pretende enfocar este desequilibrio, además de otros muchos factores relativos a la existencia –cotidiana o no- humana.

Cuando la familia protagonista, acostumbrada a vivir en una solitaria casa de una retirada villa rural ve cómo se construye una autopista cerca, su mundo cambiará para siempre. Será entonces cuando fluyan todos los miedos, rechazos y contradicciones que habían estado escondidos durante mucho tiempo. La rotura de la armonía desempolvará la crudeza de una realidad a la que no se había prestado atención. Cada miembro de la familia aportará su particular punto de vista y su consiguiente vía de escape a la nueva e inesperada situación.

La película atraviesa tres estadios claramente diferenciables y a su vez con su particular importancia. En primer lugar tenemos el estadio inicial, donde el devenir de la familia transcurre de manera apacible y rutinaria, en un clima de paz y reservada alegría. Olivier Gurmet, con una interpretación adecuada, logrará ser el padre-eje que conecta la realidad con lo efímero. Con la llegada de la carretera, tenemos un segundo momento donde cabe tanto la perplejidad como la decepción y que va a ser el origen mismo del drama que se va fraguando y que irá despejando dudas y desenmascarando ficciones utópicas. El tercer y último momento, sin duda el más interesante, será el que como consecuencia de todo lo anterior, desemboque en un estallido de sentimientos encontrados. Una extraña mezcla de soledad que va dando paso a la desesperación y que se transforma por momentos en una inesperada impotencia, que vendrá perfectamente interpretado de la mano de Isabelle Huppert.

Todo ello conforma lo que sin duda es un ejercicio reflexivo y metafórico de una sociedad que en momentos puntuales puede llegar a asfixiar. En este sentido Ursula Meier se encarga de retratarlo casi de manera literal: una insolente falta de oxígeno como símbolo de ese indiferente ahogo social y un exceso de alquitrán como símbolo de la suciedad que contiene todo lo que pretende imponerse a base de fuerza. El asfalto, el alquitrán van absorbiendo poco a poco y sin ningún tipo de escrúpulos la unidad y el cariño que hasta ese momento había existido, hasta ahogar metáfora y literalmente la concordia familiar.

Una película que permite momentos entrañables, alguno divertido y una controlada intensidad dramática suficiente para obtener un punto de necesaria complicidad por un lado, y lógica perplejidad por otro.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Sympathy For Lady Vengeance

2009-10-27T13:45:00.005+01:00

La venganza en formato de lujo estético.

La venganza es uno de los platos más apetecibles para servir por directores con un marcado acento protagonista. En este caso Chan-Wook Park cierra toda una trilogía acerca de este aspecto con esta esplendorosa película.

Dos historias entrelazadas, viajes de flash-backs perfectamente adaptados, una historia ligeramente compleja pero de fácil seguimiento y sobre todo una estética y calidad visual que destaca sobre todo lo anterior.

El director coreano se divierte y nos hace disfrutar con ello en torno a una interesante historia, envuelta en un impactante decorado y con una interpretación magnífica a cargo de Lee Young-ae conforman una impactante película con la venganza nuevamente como telón de fondo y como eje principal de todo el argumento.

sergio_roma00@yahoo.es

Pregunta digital a: Jaume Balagueró y Paco Plaza

2009-10-26T17:41:00.002+01:00

Con motivo del estreno de la película "REC 2" tuve oportunidad de hacerles una pregunta a sus directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, en el Encuentro Digital organizado por "El Mundo".

Pregunta nº 5

Hola Jaume y Paco. Hay que reconocer que la primera entrega de REC fue un "bombazo" cinematográfico, ¿creeis que esta segunda entrega puede mantener la capacidad de sorpresa y sobre todo aquella intensidad? Muchas gracias

Esperemos que sí. Hemos intentado introducir el ésta muchas novedades y giros inesperados. Ya nos dirás.

Leer Encuentro Digital

Leer Crítica de REC 2

Crítica de: Edén al oeste

2009-10-22T03:08:00.005+02:00

En busca del paraíso artificial.

Si algo ha demostrado Costa-Gavras a lo largo y ancho de su filmografía es su capacidad para remover conciencias. Su cine, siempre comprometido, ha tocado palos diversos, y especialmente delicados. Todo estamento en situación de abuso, o toda situación de injusticia ha sido analizado bajo la lupa de un cineasta con principios; un intelectual con valores.

En esta ocasión, el cineasta franco-griego se adentra en las turbulentas y farragosas aguas de la inmigración ilegal. A través de la mirada y desventuras de un inmigrante que llega a las costas de Occidente, Costa-Gavras nos ofrece toda una sucesión de, en general, dramáticas situaciones por las que debe atravesar el joven para conquistar un trozo de paraíso. Precisamente aquí (en el Paraíso-Hotel) es donde comienza su andanza, y a modo de road-movie (en auto-stop) viajaremos a rincones sin escrúpulos, conoceremos la maldad encubierta y la indiferencia más abrupta, y también por supuesto compartiremos con este joven inmigrante la impotencia ante la dificultad que tiene él y cualquier otro por formar parte de nuestro particular edén occidental. Siempre claro, con derecho de admisión. Este inicial Hotel de lujo hará las veces de sensacional metáfora, que abarca desde las paraísos artificiales en los que se sumerge el adinerado hombre occidental, hasta la incapacidad de afrontar la cruda realidad una vez se tiene delante de las narices.

Uno de los grandes aciertos de la película, está sin duda en la elección de Riccardo Scamarcio para este papel tan complicado. La mezcla de ingenuidad, picardía y ternura junto con una particular belleza conseguirán un realismo meritorio, y una complicidad con el espectador fascinante. El trabajo interpretativo es palpable, así como el de documentación y experiencias aportadas, dando a todo el marco fílmico un empaque dramático adecuado y en muchas ocasiones emotivo.

La historia engancha desde un primer momento, no pierde nunca interés y va ganando enteros a lo largo de la narración como buena historia relatada. Sin olvidar un deje de amarga comedia, se centra principalmente en ocupar los mayores huecos posibles de compromiso y denuncia. Las críticas, a veces directas y a veces encubiertas estallan aquí y allá sin desarmonizar la historia, sino más bien enriqueciéndola. Todo un ejercicio de maestría tanto en narración como en capacidad de reflexión.

La sociedad actual retratada a través de la siempre reveladora mirada de un cineasta que punto puntos en íes y encuentra un cauce adecuado a través de sus imágenes por el que materializar sus ideas y especialmente su visión de un mundo que se acerca peligrosamente a límites de indiferencia social y humana.

Notable y entretenida historia, en la que nos sentiremos como un compañero de viaje, de un pasajero con el billete más complicado de adquirir.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Yo también

2009-10-14T15:18:00.004+02:00

En busca de la normalidad

¿Puede una persona con Síndrome de Down desarrollar una vida lo más normal posible en una sociedad tan cargada de barreras (especialmente morales) como la nuestra? ¿Pueden llegar a entablar una relación sentimental con una persona “normal”? En estos y otros aspectos similares intenta profundizar tanto esta película como el anterior cortometraje “Uno más, uno menos” dirigido también por Antonio Naharro y Alvaro Pastor. Ya en este mencionado corto de 20 minutos se observa una decidida pretensión de mostrar la enfermedad del Síndrome de Dawn desde una perspectiva diferente, ahorrándose detalles minúsculos para acomodar la pantalla a la delicada situación social que tienen que hacer frente estas personas. Buscar puntos de normalidad donde la convivencia se configure de manera natural, y no premeditada. En “Yo también” existe una cierta línea continuista respecto a estos dilemas, si bien apoyándose en la ficción para conseguir un efecto más dramático e impactante.

Daniel comienza su nuevo empleo de administrativo como cualquier otra persona. Conoce a su compañera de trabajo, Laura, y con el paso del tiempo se acaba enamorando de ella como le ocurre a multitud de personas. Hasta ahí todo entra dentro de lo que podíamos llamar habitual. La diferencia estriba en que Daniel no es una persona normal, a pesar de sus evidentes diferencias respecto a otras personas con el mismo problema, y nuestros prejuicios sociales se encargan de subrayarlo demasiado a menudo. Antonio Naharro y Alvaro Partor realizarán un ímprobo trabajo por mostrar todos y cada uno de los recovecos de una posible relación entre Daniel y Laura. Dejarán desarrollar el enamoramiento de Daniel expectantes ante las reacciones de Laura, una mujer que lleva una vida complicada, y que encuentra un lazo de amistad y apoyo en Daniel. Para ello, una sensacional Lola Dueñas, en un registro poco conocido, se encargará de aportar la complejidad necesaria que requiere ese papel, y entablar una cercana complicidad con Daniel para conseguir un plausible realismo que pese a todo no se conseguirá mantenerse a lo largo de la película.

No se podía haber recurrido a un actor mejor que Pablo Pineda, primer licenciado europeo con el Síndrome de Down, y que no sólo se interpreta a sí mismo (lo cual no hubiese restado mérito) sino que le añade un vínculo reflexivo apreciable, y una capacidad para desarrollar toda una serie de situaciones morales y de gran trasfondo dramático que le otorgan un gran valor interpretativo y un meritorio trabajo.

Son sin duda alguna Lola Dueñas y Pablo Pineda –ambos galardonados con la Concha de Plata en el último Festival de San Sebastián- los grandes valores de esta digna película, que si bien pretende un sincero y reflexivo acercamiento hacia esta enfermedad y sus connotaciones sociales, no consigue en cambio ese impulso dramático que el guión necesitaba, quedándose a las puertas de una sensibilización acentuada. Hay ciertos momentos en que la historia se estanca, y hay varios en que la cima emocional aunque se atisba, nunca se alcanza, dejando una agridulce sensación de uniformidad narrativa.

No hay excesos, ni giros valientes, pero sí una respetable historia, con momentos divertidos, diálogos efectivos y un loable mensaje de esperanza, tanto a la sociedad en general como a las familias que conviven con estas personas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Infectados

2009-10-12T17:55:00.003+02:00

Virus mortales contemporáneos

En los tiempos actuales donde las infecciones se están convirtiendo en nuestro pan de cada día, y donde tocarse con nuestros allegados supone ya casi un ejercicio de heroísmo, resulta morboso, y casi masoquista adentrarse en esta extraña película que pareciera transportar un gris mensaje apocalíptico. Razones para un tímido acercamiento hay unas cuantas, entre otras y principalmente, la dirección de los hermanos españoles Alex y David Pastor en una producción cien por cien norteamericana. Razones para ir perdiendo interés según avanza la película hay otras tantas, destacando la acumulación de tópicos y un estancamiento del guión que impiden un intenso compás medianamente atractivo.

A priori, la irrupción de los hermanos Pastor en el cine norteamericano pudiera mantener cierta similitud con la de Juan Carlos Fresnadillo y su excelente “28 días después”. Pero por desgracia esta esperanzadora similitud se desvanece a medida que la historia pierde personalidad y poco a poco se va convirtiendo en una película más, dentro de un género escaso de imaginación en estos tiempos. Alex Pastor por su parte ya se dio a conocer de manera brillante con su cortometraje “La ruta natural”, que ya destacara en la edición del “Sundance” del 2006, donde volver la vista atrás y retroceder los pasos previamente marcados supuso una originalidad narrativa interesante. Posteriormente se atrevió con el western rodado en blanco y negro en Almería “Pacemaker” incorporando una calidad técnica considerable. Por desgracia, nada de lo prometedor que había en aquellos dos cortometrajes lo encontramos en “Infectados”.

En un planeta donde la mayoría de la población están infectados con un extraño virus contagioso y mortal, del que apenas nada se nos cuenta, cuatro jóvenes todavía “sanos”, emprenden la arriesgada aventura de dirigirse a una apartada playa del Golfo de México, donde aspiran estar a salvo durante una temporada. Esto convertirá a “Carriers” en una road movie de sencillo seguimiento desde un primer momento, pero donde los recursos, intervenciones y sorpresas se van agotando conforme la historia se va perdiendo a la deriva. Cuesta encontrar un norte medianamente orientativo; los neumáticos narrativos en cambio, se desgastan al son de una carretera sin apenas curvas donde dirimir algún esporádico argumento razonable.

En todo caso, la posición que ha de adoptar cada uno de los cuatro jóvenes, según van sucediendo los acontecimientos, las disyuntivas morales, y delicadas decisiones que tienen que tomar a lo largo del camino, se antojan como lo más interesante, en medio de unas interpretaciones irregulares y monótonas que no nos alejan afortunadamente del interés por sus reacciones. Volver a reencontrarnos con la niña buena del “Bar Coyote” (Piper Perabo), o presenciar un conflicto de autoridad a cargo de los dos hermanos protagonistas no supone en sí mismo ningún interés más allá de lo previamente configurado por la creación de unos personajes carentes de expectativas de orden mayor.

Ligeramente entretenida, discreta y sencilla es lo más que se puede decir de esta película de dirección española y producción norteamericana de la que se esperaba bastante más.

sergio_roma00@yahoo.es