Crítica de: Astroboy

Exigua “robotlución”

“Astroboy” es un personaje de anime, creado por Osamu Terzuka respetadísimo autor manga autor entre otras obras de “Buda” o Fénix”. Al margen de si la adaptación al cine es más o menos acertada, una valoración externa como simple película de animación nos deja una sensación extraña, muy cercana al escueto entretenimiento más que a una obra firmemente destacada.

Y es que “Astroboy” juega con muchos de los elementos que funcionan en el cine de animación, pero los usa de tal manera que resultan excesivamente manidos y con un grado de sorpresa bastante escaso, lo que convierte a la película en una sucesión de momentos agradables pero sin llegar en ningún momento a alcanzar ningún listón medianamente elevado.

Es incuestionable sin embargo que la calidad técnica sin llegar a deslumbrar, sí convierte a la película en un producto medianamente interesante en este aspecto. El colorido, la recreación y la viveza de los personajes están a la altura de cualquier obra contemporánea del mismo estilo, y es aquí donde adquiere su mayor grado de aceptación y pureza.

El guión de la historia se va configurando atrayente conforme va avanzando y su elaboración es bastante aceptable sin incurrir en errores específicos, pero sí se echa de menos ese humor que tanto está caracterizando a este tipo de películas en la actualidad, que habiéndolo, es con cuentagotas y en ocasiones demasiado simple. Tampoco encontramos momentos de emotividad elevados como para llegar a emocionar en ningún momento, y todo deriva en algo puramente trivial y con un enfoque excesivamente tradicional en casi todos los aspectos narrativos.

Curioso resulta encontrarnos con Nicolas Cage en el papel del Doctor Tenma, tal como ocurrió en “Kick Ass”, en una acertada interpretación vocal del personaje más importante junto al de su hijo.

Obviando comparaciones que más que nunca resultarían odiosas (máxime si mencionamos a Pixar), la película se mueve por el plano terreno del puro entretenimiento, lo cual no resulta del todo positivo habida cuenta del altísimo nivel que está ofreciendo el cine de animación en estos momentos y que lo convierte en uno de los géneros más interesantes y con mucha más aspiración que amenizar una sesión.

Poca novedad en casi cualquier aspecto, pero una película en todo caso entretenida y de cómodo visionado.


sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: Enterrado (Buried)

Pero...esto qué es?

Muy sencillo: una película sobre un hombre que aparece metido en una caja de madera.

Pero….se puede hacer una película sólo con eso?
A la vista está.

Pero….se puede mantener así la atención del espectador durante noventa y cinco minutos?
Se puede. Pero para ello se necesita toda una serie de habilidades, conejos de chistera, e imaginación que nos derivan a un solo aspecto: talento.

Talento el que ha demostrado el joven director Rodrigo Cortés (“El concurso”) con su segundo largometraje. Y agallas. Muchas agallas para creer en un proyecto a todas luces incompatible con el cine convencional y mantener la confianza y seguridad hasta el último momento sin perder un ápice ni de personalidad ni de autenticidad.

Cuando a Cortés le llegó a las manos el extraordinario guión firmado por Chris Sparling tenía la plena certeza de que tenía algo importante entre manos. Y a su vez tenía la absoluta convicción de que esta película sólo se podía rodar dentro de una caja, sin ningún tipo de exteriores. Y acertó de lleno. Resulta complicado, una vez vista “Buried” imaginársela de otra forma. Con más concesiones comerciales o con algún respiro pasajero se hubiese destruido por completo el clima, auténtico artífice para que la película funcione. Es “Buried”, tal y como está, y me aventuro a pronosticar que va a dar mucho que hablar durante todo el año.

Con tan sólo un actor, la elección se antojaba decisiva y al mismo tiempo complicada, pero Cortés tuvo claro un nombre a pesar de las pocas probabilidades de conseguirlo: Ryan Reynolds. Un actor versátil, con opción a multitud de variantes y con una característica fundamental para abordar este complicado papel: su capacidad de transmitir. El trabajo de Reynolds es extraordinario y permite transitar con fluidez los caminos de la angustia, el miedo, la esperanza, la desesperación, y por supuesto la emoción.

Se podrían encontrar multitud de referencias (la más próxima que mucha gente pensará es “Kill Bill”) en cuanto al concepto y la situación, incluyendo al maestro Hitchcock, pero probablemente un discreto distanciamiento en este sentido permitirá un mayor goce de una película novedosa y original, y con los ingredientes necesarios para lograr despertar una disparidad de sentimientos ayudado todo ello en gran medida por la capacidad que tiene la película de convertir al espectador en protagonista, a través de una atmósfera asfixiante y con pocas opciones de luz. Un intenso diálogo con la oscuridad, el silencio poco prolongado y la incertidumbre.

"Buried" es un auténtico soplo de aires fresco (valga la paradoja) en el panorama cinematográfico internacional. Una película que aúna emoción, intensidad y suspense, pero del mismo modo contiene elementos de crítica social, política y en cierto modo una pequeña y discreta denuncia a la globalización como culpable directa de una nueva soledad.

"Buried" es una experiencia.

Pero…esta película es recomendable?
Alla tú.


sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: Lope

Armas, letras y pasiones amorosas

No cabe duda que la vida del gran dramaturgo madrileño Lope de Vega resulta apasionante a pesar de lo poco que se conoce acerca de ella. El “Fenix de los ingenios y monstruo de la naturaleza” llevó una vida casi tan apasionada como los personajes de sus obras y sus aventuras amorosas no podían estar ausentes por mucho tiempo de la gran pantalla.

Aún así, hoy en día emprender el proyecto de una película de época sin excesiva acción y pocas licencias comerciales requiere un plus de valentía a tenor de lo arriesgado de la empresa y de las pocas perspectivas de un hipotético público de masas. Para contar con ciertas garantías, en esta ocasión se ha contado con un reparto estelar y a su vez prometedor y con la presencia de un director brasileño que no deja de ser sorpresa vista su escasa experiencia cinematográfica en nuestro país. Por tanto nos hallamos con elementos arriesgados por un lado y apuestas seguras por otro para afrontar una ardua y dura batalla cinematográfica.

El resultado se antoja como mínimo interesante. A todo lo que se le debe pedir a este tipo de películas y que cumple con nota (ambientación, vestuario, música, drama clásico) hay que añadir el aire contemporáneo que adquiere la película sin perder ni un ápice su aroma clásico de novela de época. Sin duda alguna los guionistas Jordi Gasull, Ignacio del Moral y Juan Vicente Riuve, han tenido mucho que ver en ello, y han conseguido un lenguaje fluido, y perfectamente identificable con el siglo XVI sin olvidarse de la necesaria e íntima conexión y diálogo certero que tiene que haber entre personajes y espectador. Un original y radiante punto en común que queda patente en varias escenas de la película. La pasión amorosa como mecanismo principal en el que mover este molino de viento que lanza sus aspas al son de la época que le ha tocado vivir, y que difiere bien poco de épocas posteriores. Ni el espectador poco aficionado a la lectura se sentirá defraudado con la aventura, ni el mayor admirador de Lope de Vega se sentirá avergonzado con su proyección cinematográfica. Equilibrio prudente y hábil.

El director brasileño Andrucha Waddington ha sabido aprovechar con acierto todo lo que se le ha puesto en su mano, y como si de un lienzo romántico se tratase a conjugado con fluidez matices y trazos hasta lograr un todo bastante aceptable y por momentos muy plausible.

No hay ninguna interpretación que brille en exceso, ni siquiera la del protagonista Alberto Ammann ("compañero" de Malamadre en la reciente "Celda 211") que se adentra de manera meritoria en la piel de Lope de Vega dejándonos un par de solemnes escenas dignas de mención. Tampoco Leonor Watling ni Pilar López de Ayala consiguen la majestuosidad de otras ocasiones, pero en términos generales todos aportan la seguridad, solidez y categoría necesarias para conseguir mostrar unos personajes creíbles y con el rasgo humanitario necesario para no perder en ningún momento la intensidad de la narración. Un desaprovechado Luis Tosar y un poco acertado personaje escrito para Miguel Angel Muñoz cierran en líneas destacables un reparto bastante aceptable y apoyados con la solidez que siempre aporta el excelente Juan Diego.

Drama de época con tintes románticos de cierto interés. Las armas, el amor y las letras unidos bajo la batuta de un escritor genial. El don de la palabra al servicio de amantes y admiradores.

Lope, en carne y hueso, para deleite de quién se quiera acercar a un capítulo de su vida.



sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: Todo sobre mi desmadre

Rock, drogas, alcohol y alguna risa

Sobre el mundillo que rodea a una estrella del rock y sus “desmadres”, existe todo un filón del que sacar muchísimo partido si se realiza con cierta seriedad (si se admite la paradoja tratándose de una comedia) para lograr un resultado mínimamente creíble y certero. No es nada sencillo, y comedias recientes como “Adventureland”, “Resacón en las Vegas” o “Supersalidos”, nos han devuelto la esperanza en el género de la comedia dentro del panorama contemporáneo.

En esta ocasión, el punto de partida no puede ser más simple: estrella de rock (Russell Brand) venida a menos, problemas con el alcohol y las drogas y misión casi imposible por parte de un inocente y conservador trabajador de una discográfica (Jonah Hill) que deberá recogerlo en Londres y llevarlo a realizar un concierto que pueda levantar el vuelo de la discográfica. Aún con la manifiesta simplicidad de un guión poco trabajado, la película apunta a momentos divertidos, y en ese sentido se nos muestra sincera y con mínimo riesgo.

Todo el viaje de regreso a USA nos garantiza algún momento “Animal house”, y nos permite una degustación poco pretenciosa de una comedia ligera, para no tomársela muy en serio y para salir de la sala del cine con cierta sonrisa en la boca.

Tanto Russell Brand como Jonah Hill consiguen cierta química en torno a la película y en cuanto a sus desventuras juveniles, así como la afortunada presencia de Sean Combs en un papel hecho a su medida. Pero no son evidentemente ni las más que discretas interpretaciones ni el triste y poco imaginativo guión lo que se pudiera sacar de positivo de esta película. “Todo sobre mi desmadre” nos reserva algunas piezas cómicas que sí pudieran merecer la pena, en especial la sensacional puesta en escena de una situación desternillante de su estancia en Las Vegas.

Aunque la película se presenta como sátira del mundo del rock y viene precedida del sello Judd Apatow en la producción, ni lo uno ni lo otro consiguen tener el potencial suficiente como para que estemos hablando de una comedia importante. En el primer caso, porque aun existiendo la evidente pretensión de ridiculizar todo lo que mueve el mundo de las estrellas musicales más o menos en términos generales, se queda en un flojo repaso muy superficial y aprovechando clichés demasiado gastados. En el segundo caso, porque aún sabiendo que la presencia de Apatow es sinónimo de comedia contemporánea, no lo es en ningún caso (y esta película es un claro ejemplo) de comedia con talento ni inteligente y sí con un descarado aire comercial que rodea y envuelve todo el entorno.

Como no podía ser de otra forma, este peculiar “desmadre” nos reserva las aburridas y ridículas moralinas americanas que no hacen sino bajar el tono de la comedia que en algún momento podría haber estado eleveado.

No es por tanto la comedia del año, ni mucho menos permanecerá largo tiempo de boca en boca y por ende de sala en sala, pero es en todo caso una opción nada desdeñable de pasar un rato entretenido, ligeramente divertido y con la sana costumbre de “marcarse unas risas”, que aunque pocas, las hay.


sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: El silencio de Lorna

La Europa de los olvidados

La aparición de una nueva película de los hermanos Dardenne siempre es un motivo de celebración, y a fe que se lo han ganado a pulso. Películas como “Rosetta” y “El Hijo” y sobre todo “El Niño” se han confirmado como todo un ejemplo de verdadero cine social desde una perspectiva dinámica, reflexiva y con un marcado tono de denuncia que hacen de las películas de estos cineastas un acontecimiento casi imprescindible para conocer la realidad social del mundo contemporáneo, al menos en el rincón desde el cuál proyectan sus inquietudes, que es igual de brillante como el que pudiera ser el de Ken Loach o Andra Arnold, pero desde una perspectiva diferente.

“El Silencio de Lorna” mantiene este pulso social, y además esta vez se envuelve de cierto halo de misterio que lo hace aún más interesante. A pesar de que es fácil vislumbrar la relación que pueda existir entre la pareja protagonista, no cabe duda que el hecho de que todo se vaya mostrando con cuentagotas lo hace aún más interesante, y permite un visionado muy personal y siempre en un continuo estado de inmediatez narrativa.

En este caso son los problemas con la inmigración, las nacionalidades y las mafias que generan el foco en el que los hermanos Dardenne centran su atención, provistos siempre de una especial sensibilidad para afrontar el lado femenino y casi siempre el más perjudicado y controvertido. Pero Lorna, interpretado con acierto por la desconocida Arta Dobroshi, es testigo silencioso de todo lo que ocurre y arde en deseos de acabar con un silencio que poco a poco la va destruyendo y que además con el devenir de los acontecimientos la atormentará hasta límites incalculables.

La cámara se convierte en un testigo silencioso pero inevitablemente curioso, y sobre todo partícipe de un sufrimiento que irá en aumento a lo largo de toda la película, que si bien mantiene una más que aceptable intensidad narrativa y emocional, bien es cierto que en su tramo final pareciera que llega falta de fuelle o de ideas para concluir una historia sumamente interesante y con un tono elevado, conciso y prudente, evitando tentaciones dramáticas que hubieran estropeado el clima perfectamente creado.

Estamos por tanto ante una película que contiene todo lo necesario para mantener un prudencial interés sin apenas sobresaltos, y conseguir una plena satisfacción en quién busca algo más que una película ligera de verano.

Los hermanos Dardenne vuelven a dar en la diana, apuntando con muchísimo cuidado y con un oficio que aumenta en cada película y les convierte en unos directores a tener siempre en cuenta y a no pasar por alto ni una sola de sus películas.



sergio_roma00@yahoo.es

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Crítica de: Sunshine Cleaning

Limpieza en seco

Cuando una película aparece disfrazada de independiente y poco a poco se va desmontando esta premisa en beneficio de una convencionalidad de lo más recurrente, produce una sensación de profunda decepción y se acaba por poner en duda lo que las apariencias nos venden en un primer momento y que se va demostrando que hay que tomar con cautela.

“Sunshine cleaning” viene con la estela del prestigioso “Sundance” para recordarnos que no estamos ante una comedia o drama típica del género, pero salvo cierta originalidad en cuanto al argumento inicial, nada que ver con recientes películas como “Fish Tank” o “El Silencio de Lorna” de Andrea Arnold y los hermanos Dardenne respectivamente por poner algún ejemplo significativo.

La pareja de hermanas que lucha por sobrevivir a la dureza del mercado laboral y de paso a la crisis de las relaciones sociales y sentimentales se ve envuelta en un guión que si bien en un principio resulta atractivo, con el paso –lento- del metraje se va volviendo anodino, carente de ningún tipo de gancho y con la mala dirección de quién intenta provocar un mínimo de interés sin conseguir ningún resultado óptimo prácticamente en ningún momento. Todo va ocurriendo sin que en apariencia suceda nada significativo lo que provoca un ritmo lento, y una constatación de que efectivamente lo que sucede apenas inquieta y lo que pretende inquietar apenas lo consigue salvo algún que otro momento muy concreto.

Lo malo es que se han desperdiciado dos más que dignas interpretaciones tanto de Amy Adams como de Emily Blunt que asumen dos personajes que aún careciendo de la intensidad necesaria logran sumirlos en un desconcierto y ligero tono dramático que adquiere cierto interés y deja un buen sabor en base a dos trabajos bien realizados y con la necesaria solidez, que bien pudieran haberse aprovechado para trasladar un argumento centrado en ellas hacia derroteros menos convencionales.

Película que combina largos bostezos con algún que otro momento atractivo pero que en definitiva nos deja la extraña sensación de haberse hecho de un guión prometedor una verdadera limpieza en seco.



sergio_roma00@yahoo.es

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